Cultural Engineering Group

Services & Ressources en ingénierie culturelle

Aux Candidats Franciliens, élections régionales : adresse pour créer un observatoire citoyen des politiques culturelles

 « Adresse aux candidats Rédigée par un ensemble de citoyens passionnés, regroupés dans un espace de dialogue pour la création d’un observatoire des politiques culturelles franciliennes. Un conte populaire moral, politique et culturel sur une idée de Charles Perrault… … Ne vois-tu rien venir ? L’échéance électorale approche à grands pas. A ce jour, nous artistes, hommes et femmes des arts et de la culture, du haut de notre observatoire, inquiets du sort qui nous sera réservé ainsi qu’au public avec qui avons mission de travailer, jour après jour, ne voyons rien venir. Et pour paraphraser la célèbre réplique de sœur Anne de Barbe bleue, « nous ne voyons rien que le soleil des communicants qui poudroie, et l’herbe des médias qui verdoie ». Pas de programme culturel à l’horizon. Ce silence, cette absence, cet oubli apparent, inquiétant, laissent présager le pire. Ceux qui, par contrat républicain, vont se présenter à nos suffrages, ont semble-t-il, omis de se pencher sur le sort d’une part active et vivante de leur électorat et de lui proposer dans un dialogue espéré, des solutions concrètes en matière d’art et de culture à l’horizon de leur mandat. Serait-il donc question de nous enfermer dans une tour d’ivoire ? De nous laisser dévorer à petit feu par l’ogre du mercantilisme galopant et de la comptabilité sans âme sans tenir compte de nos cris et de la qualité de nos voix et de nos paroles ? Il n’est pas question pour nous d’attendre, sans mot dire et sans agir, la fatale échéance de ce silence qui corrobore le danger évident qui guette la culture au vu des orientations envisagées dans le cadre de la réforme territoriale et des baisses de dotations des collectivités qui se poursuivent. C’est pour cette raison que nous appelons artistes, publics, électeurs et élus à un dialogue constructif permanent sur ces questions qui nous paraissent avoir une valeur démocratique primordiale. Aux urnes Citoyens A l’heure où les régions, instances de gouvernance de la nation déléguées sur des territoires de la république, vont se doter d’une nouvelle présidence et d’une gestion renouvelée, il nous semble urgent de se poser cette question : Peut-on on construire et développer une république laïque basée sur les exigences de la liberté, de l’égalité et de la fraternité sans prendre en compte la nécessité première de développer, renforcer, soutenir une culture commune ? Peut-on construire une maison avec toute la diversité des matériaux qui la constituent sans prendre un soin particulier au ciment qui les lient. Compte-tenu du fait que dans une république laïque, ce qui relie n’est pas la religion (religare= lier, relier), mais une culture commune permettant un vivre ensemble malgré les différences sociales, économiques, philosophiques, coutumières, politiques et cultuelles, n’est-il pas de la plus haute importance de renforcer ce lien de la culture ? Nous, artistes et gens de culture, citoyens actifs au cœur de la république, affirmons avec force cette nécessité. Et cette conviction loin d’être le fruit d’une vision abstraite, s’inscrit de par nos expériences concrètes et notre savoir-faire, dans le constat fait tous les jours dans notre travail en relation avec le public dans sa diversité économique et sociale et dans ses différents quartiers. Metaphora mobilis Si un des axes centraux du développement d’une région s’inscrit dans le déploiement de ses transports intra et extrarégionaux, nous, artistes et gens de culture affirmons qu’aucun moyen de communication ne peut se faire de manière heureuse sans ce transport en commun que les grecs appelaient metaphora. La métaphore, domaine des arts et de la culture est bien ce véhicule d’imaginaire permettant le transport (au sens réel et spirituel) en commun. Il n’est d’ailleurs pas fortuit, voir l’actualité récente, que ceux qui en veulent à notre république et ses valeurs communes, sa culture, s’en prennent d’abord aux transports en commun. Res publica Vous, hommes politiques à qui nous nous adressons et à qui les électeurs vont confier leur mandat de parole et d’action, avez aussi la charge de la métaphore. C’est pourquoi en cette heure cruciale, nous ouvriers de l’image visuelle, auditive, mentale, sensible, nous rapprochons de vous afin que soit pris en compte, réellement, sincèrement, dans un langage et une action commune, ce besoin de culture et de création artistique qui est fondamentalement politique : il renforce et appartient à la chose publique (res publica). C’est en tant que citoyens, électeurs et porte-parole de nos publics que nous nous rapprochons de vous afin que dans vos propositions électorales soit prise en compte de manière concrète, constructive et efficiente, la part de l’art et de la culture. Elle ne doit pas être traitée de manière périphérique, mais de manière centrale. En ce sens, nous venons vers vous avec un ensemble de propositions liées à notre savoir-faire et notre expérience, susceptibles d’aider à l’établissement d’une politique culturelle inscrite de manière organique à votre politique globale. Nous avons bien compris que l’urgence de vos décisions s’inscrit dans la temporalité électorale. Mais l’art et la culture ont aussi leur temps, temps politique qui est aussi une part de la vie de la cité, s’inscrivant à la fois dans l’immédiat et le long terme. Il nous apparaît d’une absolue nécessité que le politique prenne en considération ce temps structurant et le considère dans sa dynamique propre et son autonomie. Un temps qui n’est pas celui de l’argent et des prises de pouvoir, mais qui a son utilité évidente dans la dimension de l’émancipation des individus et du progrès social. Ce temps spécifique qui fut au cœur de la réflexion des assises culturelles de 2004, a permis la mise en place par la Région du dispositif d’aide à la permanence artistique qui a un effet social, artistique et culturel structurant et durable, consacrant 87% de son budget à l’emploi. Dispositif novateur en matière de politique culturelle dont il nous apparaît de la plus haute importance de pérenniser l’esprit et d’en déployer les effets positifs tout en imaginant d’autres moyens de faire fructifier le champ culturel dans sa diversité pour le plus grand bien de tous, en employant à bon escient l’énergie propre du temps artistique. L’observatoire citoyen Du haut de cet observatoire culturel dont nous avons posé les premières pierres, nous cherchons à scruter au plus loin de l’horizon immédiat, au-delà du « soleil qui poudroie », afin de construire ensemble un chemin où l’art, la culture et la politique vont d’un même pas et dans le même sens : celui de l’émancipation et du bien-être citoyen. La construction de ce chemin, ouvert en multiples sentiers irriguant la région, a un coût, et il doit être une part non négligeable du budget global (bien supérieure aux 2,1% actuels) de ce vivre-ensemble régional, car il est bien le chemin de métaphore, celui du « transport en commun » qui renforce l’unité sociale, économique et politique d’une région et d’une nation. «La culture, c’est tout ce que l’homme a inventé pour rendre le monde vivable et la mort affrontable» Aimé Césaire Premier signataires : Barbara Bouley, Agnès Bourgeois, Gaelle Brynhole, Delphine Cammal, Samuel Churin, Mathilde Fischer, Alain Foix, Lancelot Hamelin Françoise Lepoix, Jacques-philippe Michel, Mirabelle Rousseau, Marie Stutz…Rébecca Dereims, Kastriot GJONI,
Chabot Clyde, Michel Simonot, Maud Morin, PARNY Francis, Marie
Collins, Joly Sable, GAYARD Fanny, Florence Cabaret, BERNHARDT
Claude,… Nous vous invitons à signer cette adresse et à la diffuser auprès de vos réseaux.Si vous souhaitez nous rejoindre, et participer à l’espace
de dialogue ou avoir plus d’informations sur les premières propositions avancées, contactez-nous : observatoire.citoyens.culture(at)gmail.com« 

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Regroupements coopératifs culturels et artistiques et dynamique des Pôles Territoriaux de Coopération Économique

Rapports et étudesAujourd’hui, une bonne dizaine de regroupements coopératifs, dont les membres développent d’abord des activités artistiques ou plus largement culturelles, se réfèrent à la dynamique des Pôles Territoriaux de Coopération Économique (PTCE). Il est donc intéressant d’évaluer, sur des cas concrets, la concordance entre les principes directeurs d’une démarche initiée par le Labo de l’Économie Sociale et Solidaire et les réalisations concrètes que l’on peut aujourd’hui observer. Dans cet esprit, le présent rapport d’étude, rédigé par Philippe Henry, approfondit la connaissance et la compréhension des PTCE culture et se situe dans le prolongement des travaux de recherche menés dès 2013 sur des PTCE de divers secteurs d’activité.

Pour consulter l’étude, cliquez ici.

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Cultural studies et économie politique de la communication

RES_192_L204« Les cultural studies, après leur éclosion au Royaume-Uni et leur diffusion à travers le monde dans le dernier quart du XXe siècle, ont tardé à être importées en France et surtout à être mobilisées en tant que telles dans les travaux français. […] En comparaison, l’économie politique de la communication (EPC) paraît beaucoup plus anciennement établie en France, plus exactement dans l’espace francophone.
Nous proposons ici d’envisager ces croisements possibles entre CS et EPC. Non pas pour simplement rendre compte de réflexions et d’expérimentations menées dans la littérature anglophone, dans ce qui serait un souci obsessionnel de « retard français » en la matière. Mais parce que nous sommes persuadés que ces deux traditions de recherche portant sur de mêmes objets, malgré leurs différences pour certaines difficilement dépassables, sont susceptibles de s’enrichir mutuellement et de contribuer plus globalement à la compréhension et à l’observation des pratiques médiatiques et culturelles. » 
Extrait de la présentation du dossier par Éric Maigret et Franck Rebillard.
La revue est accessible sur le site Cairn info.

Dossier coordonné par Éric Maigret et Franck Rebillard, Réseaux, n° 192, La Découverte, octobre 2015

 

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Élargir la participation à la vie culturelle : expériences françaises et étrangères

Etude OPCLes problématiques de l’accès et du rapport des populations à l’art et à la culture recoupent un ensemble de notions complexes aux sens multiples. Pour alimenter la réflexion des pouvoirs publics, France Stratégie a demandé à l’OPC de mener une étude sur l’identification et l’analyse d’initiatives réussies en matière de participation à la vie artistique et culturelle en France et à l’étranger. Cette étude a mis en exergue les dispositifs et les stratégies mobilisés dans une vingtaine d’initiatives pour alimenter en « bonnes pratiques » les politiques en matière de démocratisation de la culture à l’échelle des territoires.
L’étude 
et sa synthèse sont téléchargeables.
L’Observatoire 
propose également une infographie de cette étudeLe document offre un regard imagé et synthétique sur les 20 études de cas explorées par l’étude, il en résume les principaux constats, conclusions et recommandations.

Élargir la participation à la vie culturelle : expériences françaises et étrangères  (Lionel Arnaud, Vincent Guillon, Cécile Martin, avec les contributions de Charles Ambrosino, Jordi Baltà, Aurélie Guineberteau, Anne Gonon, Pierre Le Quéau, Per Mangset, Flaminia Paddeu, Nadège Pandraud, Samuel Périgois, Thomas Perrin, Jean-Pierre Saez, Mariette Sibertin-Blanc, Nur Yasemin Ural, Observatoire des politiques culturelles, hiver 2014).

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Investir en urgence dans des modèles économiques de la création artistique plus coopératifs et solidaires

ICC

Les séminaires de l’Institut de Coopération pour la Culture sont l’occasion d’explorer, de décrypter et d’analyser des projets. Avec les études de cas, nous pouvons nous appuyer sur des expériences concrètes pour alimenter nos réflexions sur une question centrale : quelle action publique en faveur d’une culture humaniste ? Nous explorons un projet offrant la possibilité d’aborder un ensemble de facettes : artistique, culturelle, territoriale (y compris européenne), sociale, éducative, économique… Les thèmes centraux de l’Institut de Coopération pour la Culture s’articulent en 2014 et 2015 autour de la diversité culturelle, des singularités et du bien commun, des nouvelles modalités d’organisation et de gouvernance.

Deux séminaires auront été consacrés au thème de l’économie, ou plutôt des économies des biens symboliques. Nous sommes cependant loin du compte ! Ce thème demande une maîtrise de nombreux concepts et oblige d’aller au-delà d’une vision simpliste (scolaire) de la « science économique ». Cette exploration de la socioéconomie des biens symboliques nous aura permis une première appropriation de ces problématiques trop souvent réservées à des experts1.

Par ce travail, nous aurons au moins compris l’importance de reconnecter le sens, les valeurs et l’économie en considérant que les problèmes financiers que connaît aujourd’hui le secteur culturel ne sont pas seulement liés à une restriction budgétaire. Prendre le temps d’explorer le thème des économies encastrées conduit à intégrer la notion de chaine globale de valeur qui ne peut en aucun cas se résumer à la seule gestion financière et comptable.

Pour lire l’intégralité de la septième contribution de l’Institut, cliquez ici.

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2015 Annual Conference on Cultural Diplomacy

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The Annual Conference on Cultural Diplomacy is the world’s leading event in the field of cultural diplomacy, hosted and organized by the Institute for Cultural Diplomacy (ICD) in partnership with other leading institutions at the end of each year. The 2015 Annual Conference on Cultural Diplomacy: Building Bridges of Peace and Reconciliation in Times of Greater Global Insecurity, to be held in Berlin, Germany, on 10-13 December 2015, aims to present all practices that the field of cultural diplomacy has to offer to the international community for their application to try to remedy and solve the growing global challenges. The conference will bring together leading politicians, religious leaders, senior academics and celebrated artists together with representatives from areas of conflict in order to establish new institutions and initiatives that will help with these challenges using the practice of cultural diplomacy together with other practices and means.

Participation in the conference is open to governmental and diplomatic officials, academics, artists, journalists, civil society practitioners, private sector representatives, young professionals and students as well as other interested individuals from across the world. The Conference Committee encourages academic research and analysis of issues related to the goals of the Conference. The Conference Committee would therefore like to welcome the participants of the conference to submit a paper they would like to be considered for presentation at the conference as well as being included in the proposal document that will be issued following the conference and will be sent to all governments and leaders of the international community worldwide.

Contact: Institute for Cultural Diplomacy, Genthiner Str. 20, 10785 Berlin, Germany; e-mail: info@culturaldiplomacy.org.

For more information please visit www.culturaldiplomacy.org

Source : Culturelink

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Partager l’art de Rembrandt

newspaper_feedDeux toiles de Rembrandt ont été à l’origine d’un désaccord entre la France et les Pays-Bas. Les Pays-Bas se disent prêts à racheter à la famille française Rothschild les ‘portraits de mariage’ pour un montant de 160 millions d’euros. Mais la France souhaiterait un achat conjoint des deux pays. Ce serait la meilleure solution, plaide également le quotidien de centre-gauche De Volkskrant : « L’attitude [de la ministre de la culture française Fleur Pellerin] a donné lieu à des malentendus et à la volonté d’acquisition des Pays-Bas. Aujourd’hui, il ne fait pas de doute qu’une propriété partagée des œuvres du peintre serait très intéressante pour la France, mais la pilule est difficile à avaler pour les Pays-Bas. Cette proposition serait néanmoins judicieuse, la ‘co-acquisition’ s’inscrivant notamment dans cette tendance des musées à échanger leurs œuvres. Mais au final, c’est également dans l’intérêt du pays : si la France retire le certificat d’exportation pour ces deux œuvres (le pire des scénarios envisageables), les Pays-Bas se retrouveront bredouilles. »

Source : BPB

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Arts, culture et médias : comment évaluer les politiques publiques ?

DEPS_JECC7_frontA4Le Département des études, de la prospective et des statistiques (DEPS) du ministère de la Culture et de la Communication, le cluster de recherche « Industries créatives, culture, sport » de KEDGE Business School et le Laboratoire interdisciplinaire d’évaluation des politiques publiques (LIEPP) de Sciences Po organisaient les Septièmes journées d’économie de la culture et de la communication, à la Bibliothèque nationale de France, site François-Mitterrand, les jeudi 24 et vendredi 25 septembre derniers.

Cette septième édition des Journées d’économie de la culture et de la communication était consacrée à l’évaluation des politiques publiques du domaine des arts, de la culture et des médias. Elle a notamment été l’occasion pour des chercheurs de présenter et de discuter de nouveaux résultats d’évaluation sur l’impact de la tenue de festivals subventionnés, de la loi Hadopi, de politiques éducatives, des aides à la presse ou du droit d’auteur. Les échanges ont également porté sur le bilan des méthodes d’évaluation utilisées aujourd’hui. Un regard rétrospectif sur l’évaluation des politiques publiques et un examen d’expériences locales ont enfin été proposés. Une synthèse de l’édition sera prochainement proposée mais en attendant, vous pouvez revoir les diaporamas présentés lors de ces deux journées ici.

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The new manager – possible approaches from the arts

FullSizeRender_RWhat is the importance of the manager in companies right now? Is the role of the manager the same as in the middle of 20Th century? So why is the prototype of the manager the same? Departing from “The Five Minds of a Manager” (2003) of Gosling and Mintzberg (the reflective mind-set; the analytical mind-set; the worldly mind-set; the collaborative mind-set and the action mind-set) we intend to construct an approach of where art dynamics can help shaping the new mind frame that managers need to act in the 21st century business context. Applying a workart (Barry and Meisiek: 2010) program can help enterprises, and the managing board, to shift from an Weberian (DiMaggio 2001) paradigm to the new economic model, focusing on the experience and promoting the creativity and innovation along the organization.

What does a workart program mean? It means a program that is a social, individual or community process that emerges from the friction between a set of previous knowledge and the acquisition of new knowledge through an art process, which, for its uniqueness and strangeness, has the ability to provoke conceptual breakthroughs, to form an art mind cognition, where managers can be as agile and creative as artists and as focused and practical as engineers.

How this can help managers to be more prepared to rule the 21st century company? After the mass production, the dot.coms and the web 3.0, we are in a world where selling products is not enough, it is needed to sell experiences, dreams and participation, the consumer has to feel the buying experience as a process where he is the centre and an active actor. This is what art has been doing since ever, bringing the experience close to the public and asking them to take part of the process, to let the passive attitude at the door.

Why are the five mind-sets important? Alongside the changes in the market, we had dramatic changes in the companies. The language of the arts has been taking over the business world, we never talked so much about labour agility, creativity, innovation, flexibility, symbolic capital and aesthetics design. These terms are spread in the organizations and impact every single person that interacts with the enterprises. The five mind-sets allow managers to take these changes into account, the complexity of the organization model, the consumer demands and the different markets specifications, and to act in a more proactive and informed way amplifying the success of the company to every stakeholder and allowing it to change and evolve.

A possible path is traced, not an easy or cloudless one, but an exciting and new one. At the same time, the developing of these intersections could have an impact in the ways business looks at arts and at the growth of the creative industries, with more resources being allocated to it while the benefits are more clear and spread around the other activities and, therefore, appropriated. More experiences are needed to see through the clouds and measure the real potential of this approach, since we are facing complex contexts and making bridges between fields that only recently have shown proximity and are willing to work together, but for uncertain times probably the best source of solution does not lie in typical management methods prescribed by consultants and applied by MBA graduates, but in the fields that enterprises emulate to conduct their organizations into a more dynamic and aesthetic way to operate.

Ricardo Moreira*.

*Ricardo Moreira is an economist, with an innovation masters (Porto University) and doing a business PhD (Barcelona University), specialization in organizations theory and human resources management, crossing arts and business that, for the last 10 years, have done management and consultant work for small to big cultural entities, private and public, and have designed and implemented a wide range of events and business creative programs. In the last 3 years he has co-ordinated 3 national studies for the Portuguese Government (Independent Arts and Cultural Heritage) and for the Portuguese contemporary dance network. Since 2007 he has been invited by the main Portuguese Universities to teach master classes on the subjects of arts management, cultural markets, intersections between arts and business, and creativity in the business context.

The entire article is in the process of journal publishing.

To know more about Ricardo Moreira, please click here. You can also contact him here.

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Prendre enfin en compte l’hétérogénéité culturelle et l’historicité des territoires dans la définition des politiques publiques

ICC

Les séminaires de l’Institut de Coopération pour la Culture sont l’occasion d’explorer, de décrypter et d’analyser des projets. Avec les études de cas, nous pouvons nous appuyer sur des expériences concrètes pour alimenter nos réflexions sur une question centrale : quelle action publique en faveur d’une culture humaniste ? Nous explorons un projet offrant la possibilité d’aborder un ensemble de facettes : artistique, culturelle, territoriale (y compris européenne), sociale, éducative, économique… Les thèmes centraux de l’Institut de Coopération pour la Culture s’articulent en 2014 et 2015 autour de la diversité culturelle, des singularités et du bien commun, des nouvelles modalités d’organisation et de gouvernance.

En introduction, une présentation synthétique de l’expérience du Carreau, Scène nationale de Forbach et de l’Est mosellan, apporte les principaux points de repère à partir desquels nous avons construit ce temps d’exploration.

Par la suite, Christophe BLANDIN-ESTOURNET, Thierry BLOUET, Philippe HENRY, Jean Claude POMPOUGNAC, Pascale de ROZARIO et Didier SALZGEBER nous livrent sur des registres différents leurs analyses. La richesse de ces contributions démontre qu’il est possible, malgré les contraintes d’agenda, de créer un espace collectif de réflexion et de mise en sens des expériences.

Enfin, le texte des membres de l’Institut mentionné en fin de document, ouvre sur une problématisation et sur les propositions utiles plus globalement à la gouvernance des équipements culturels et artistiques.

Parce qu’elle interroge une même expérience – ici, celle du Carreau – cette publication #6 engendre, à partir de sept contributions, de nouveaux éléments de la réalité de la Scène nationale et pourrait devenir un nouvel objet à étudier.

Pour lire l’intégralité de la sixième contribution de l’Institut, cliquez ici.

 

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Faire de l’action publique en faveur de la culture un levier de l’innovation sociale et politique

ICC

Passer du processus de mobilisation des usagers à une participation stratégique des citoyens.

Avec ce 8ème séminaire, l’Institut de Coopération pour la Culture poursuit l’exploration des problématiques autour des bibliothèques et médiathèques, en les considérant comme des équipements emblématiques des politiques culturelles publiques depuis plusieurs décennies. Ces lieux se sont résolument engagés dans un réexamen de leur place et de leur rôle dans l’espace public. Le numérique, dans toutes ses dimensions, a créé une situation relativement inédite obligeant les acteurs professionnels et politiques à réinterroger leurs pratiques.

Comme l’illustre le projet de la médiathèque de la Communauté de Communes entre Dore et Allier (Puy-de-Dôme), à Lezoux, la mise en place d’un processus collectif avec les futurs usagers de l’établissement ouvre de nouvelles perspectives dans la manière de penser la médiathèque de demain. La méthodologie utilisée et initiée par la 27e Région se situe en amont de la création effective de la médiathèque, et se propose d’apporter une vision générale de la médiathèque à partir des usages.

Le principe d’une résidence constitue au plan méthodologique l’élément central de cette démarche animée par une équipe pluridisciplinaire. L’analyse de cette expérience nous a conduit à poser un certain nombre de questions. Sur le processus proprement dit : en quoi l’exploration de ce projet est-elle différente des méthodes habituelles ? Le temps de résidence permet-il d’observer un déplacement du système d’acteurs ? Ce processus débouche-t-il sur de nouvelles modalités de décision politique et opérationnelle ? Cet investissement public très en amont de la construction effective de la médiathèque ouvre-t-il des perspectives nouvelles en termes d’ingénierie de coopération politique ? Sur la méthode : en quoi permet-elle effectivement d’envisager cet espace public d’une autre manière ? Quels enseignements pouvons-nous tirer de cette expérience qui puissent être utiles à d’autres territoires et d’autres secteurs culturels ? C’est toute la question du transfert d’expérience et des conditions à réunir pour une généralisation de la méthode.

Pour lire l’intégralité de la cinquième contribution de l’Institut, cliquez ici.

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Quelle Europe souhaitez-vous pour 2020 ?

EUFullLa Commission européenne a lancé une nouvelle consultation en ligne concernant la révision de la stratégie 2020. On peut y contribuer jusqu’au 31 octobre.
L’objectif de la consultation est d’orienter le réexamen de la stratégie Europe 2020 et recueillir les points de vue sur son évolution future. 
Les domaines politiques sont : affaires économiques et financières; compétitivité; industrie; marché unique; emploi; recherche, développement et innovation; économie numérique; climat, énergie et utilisation efficace des ressources; éducation et formation; pauvreté et exclusion sociale.
Les contributions se font par courriel ou courrier postal au contact indiqué. 
Un questionnaire est disponible dans les 24 langues officielles de l’UE aux formats .doc ou odt (OpenOffice).
Les contributions reçues sont répertoriées par catégories de répondants et par zones géographiques.
Une fois la consultation clôturée, la Commission analysera et traitera les réponses reçues. La Commission tiendra compte des résultats de la consultation dans les propositions relatives à l’évolution future de la stratégie qu’elle présentera début 2015.

Contact : Commission européenne, Secrétariat général, unité SG D1 – «Europe 2020, semestre européen, gouvernance économique» BERL 6/201, Rue de la Loi, 200, 1040 Bruxelles, Belgique (SG-EUROPE2020-CONSULTATION@ec.europa.eu )

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Capital of Culture : What is the impact of arts and cultural clustering on local productivity ?

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This is the summary of a paper that was included in a National Endowment for the Arts/Brookings Institution volume published last year. We just uplodaded it to the Nesta working paper series – you can download the paper here.

In recent years, academics and consultants have argued that the arts and cultural sector can boost productivity in other sectors of the local economy, through two main mechanisms.

  • By creating urban environments that attract professionals with high levels of human capital and their innovative, high-growth employers.
  • By supplying other parts of the local economy – in particular, commercial creative firms – with new ideas and skills that enhance innovation.

Although these arguments have justified policies for creative place making, urban branding, and public investments in signature buildings and dedicated cultural districts, the evidence base underpinning them is still sparse, and mostly confined to the US. Additionally, little is known about the relative importance of different mechanisms and types of cultural clustering (occupational or industrial) in boosting local productivity.
 
In Capital of Culture, we seek to address these gaps in the literature by building an econometric model exploring the impact of cultural clusters on the productivity of English cities. In doing this, we draw on a well-established body of literature on urban wage premiums and human capital externalities.

Our model tests the impact of cultural agglomeration on worker wages (which act as a proxy for productivity) at the city level. We use three measures of cultural clustering (cultural sector employment, cultural occupations and cultural institutions), constructed from official labour force and business registry survey data, and a unique dataset of almost 5,000 UK cultural institutions from Culture 24. We control for important individual and city level characteristics.

What are our findings?

There is evidence that skilled workers sacrifice higher wages to locate in areas with strong cultural clustering

Our findings confirm that there is a positive relationship between cultural clustering and average wages in English cities: English cities in the 90th percentile of cultural employment clustering have average hourly wages of £12.48, £1.11 higher than the average wage for cities in the 10th percentile. However, once we control for individual characteristics (particularly skills as proxied by an individual’s qualifications), the coefficients for two out of our three measures of cultural clustering in our wage equations (cultural employment and institutions) become significantly negative, while the cultural occupations coefficient becomes insignificant.

This ‘negative cultural urban wage premium’ is consistent with there being a compensating differential. In other words, workers may, other things equal, be willing to take a wage cut to reside in cities with relatively more cultural amenities, as these contribute to its quality of life – its ‘livability’, and ‘lovability’.

Creative cities seem to be more productive

We also use our econometric model to examine the relationship between worker wages and measures of creative clustering (focusing on employment and occupations in commercial creative industries as compared to the arts and culture). In this case, we find evidence of a positive wage premium in ‘creative cities’ even after controlling for individual skills – this is particularly the case for cities with strong creative occupational clustering. Although caution is advised in the interpretation of this finding given the obvious potential for reverse causality (affluent cities attract creative industries), it lends support to those who advocate targeting occupations instead of industies to support urban development.

The is evidence of innovation spillovers from cultural clusters into the commercial creative economy

Finally, we test the impact of cultural clustering on the wages of workers in the local ‘commercial’ creative industries, bearing in mind the literature’s emphasis on knowledge spillovers across related – rather than distant – industrial domains. Here, we find some evidence that creative workers in cities with high levels of cultural clustering enjoy a wage premium, which suggests that not-for-profit arts and cultural sectors may generate knowledge spillovers for the commercial creative economy. Once again, these results should be seen as indicative at best, as the causality could work in the opposite direction (a vibrant arts and cultural scene may emerge in places with more productive creative clusters).

Our conclusions 

The preliminary conclusion from our analysis is that, although English data support the view that there is a relationship between cultural clustering and urban development, that relationship appears to be subtler than is generally acknowledged. In particular, the economic impact of public investments in urban arts and cultural infrastructure may be manifest in improvements in the productivity (and wages) of creative professionals, and may not be associated with higher wages in the wider economy if cultural activities serve as a compensating differential.

Image credit: Handover of the European Capital of Culture from Liverpool to Vilnius and Linz via Eric The Fish at Flickr.

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Nesta calls for arts funding shake-up

Investment in R&D, venture funding, and crowdfunding are major missed opportunities for the arts sector, according to a new report.

Arts funders need to do more to support research and development (R&D) and bring the sector in line with the rest of the UK economy, according to a new report by Nesta. The research charity is calling on Arts Council England (ACE) to allocate at least 1% of its budget (£6m a year) towards R&D funding, to help organisations explore new operating models, audience engagement schemes, and ways of creating cultural value. The report predicts that this, along with a £10m a year pool for piloting venture funds, accelerators and supporting crowdfunding, could result in up to £72m in additional funding for the arts over three years.

Pointing out that the income profile of the UK’s main subsidised arts organisations – 40% funding, 50% earned income and 10% contributions – is little changed since the outset of the recession, the report claims that the arts funding system is no longer “adequate or sufficiently sustainable”. More needs to be done to “make public money work harder”, and capitalise on the arts’ ability to develop outputs with “substantial commercial potential” and engage investors “who want to combine financial, social and artistic impact”.

The UK spends 1% of its gross output on scientific and technological R&D and Nesta is calling on the arts sector to bring itself in line with this. Other recommendations include the establishment of an accelerator programme for the arts, to “develop the most promising ideas into new ventures”, and an impact fund, “to provide capital for the stage which comes after”. It also suggests that, in certain cases, public funding should be turned into investment, be it on a profit-share bases, or conversion into loans or equity, so that “some of the revenues can flow back into new grants”. To capitalise on the approximately £360m raised through crowdfunding in the UK last year, Nesta is calling on arts-funding bodies to pilot different models of matched–funded crowdfunding. However, it acknowledges that more research is needed in this area, to ensure adopted models do not unfairly favour particular groups, such as those with wealthy or technologically savvy networks.

In response to the report ACE Chief Executive Alan Davey pointed out that ACE is “already investing over £6m in R&D projects”, although this figure includes £5m given to the Digital R&D Fund, which is now closed. He added that ACE anticipates the launch of “a social investment programme to support arts activities which generate social impacts and outcomes” and is “exploring options for crowdfunding”, beyond its support for the National Funding Scheme.

The publication coincides with the launch of ACCELERATOR, a commission-free crowdfunding platform for creatives, run by IdeasTap. The charity will reward the “strongest” two projects – those that display “original ideas and strong pitches, backed up by a viable business model” – every month with a £500 grant.

By Frances Richens.

Source : Nesta.

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Barcelona Olympic facilities to host a 66.000 m2 sports theme park in 2015

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In 2015, Barcelona Olympic Ring will become the home of Open Camp Sportainment, the first theme park in the world entirely dedicated to sports. According to Open Camp S.L., the company responsible for the project, the 66.000 m2 theme park will offer a « unique » show involving technology, family and sports. The new attraction will occupy the current Olympic Stadium, the Palau Sant Jordi sports hall, the Olympic and Sports Museum Juan Antonio Samaranch, the Bernat Picornell swimming pool, the telecommunications tower designed by Santiago Calatrava and the INEFC sports faculty, which will only be accessed during the summer break when there are no classes. All these facilities will combine their regular activities with those of the theme park, which will be open from April to October, some 250 days per year. The regular entry will cost €28; one of the « cheapest » prices for a theme park in Europe said Barcelona Deputy Mayor for Economy, Enterprise and Employment, Sònia Recasens. The project expects 7,000 visitors per day and an annual economic impact for Barcelona of 52.8 million euros. It will also generate approximately 240 jobs, contributing for the local employment rates.

In 2012, Open Camp S.L. started promoting the Open Camp Sportainment; a business, scientific and technological initiative aimed to offer to millions of fans worldwide entertainment experiences related to sports, localized in specialized settings such as parks, stadiums, hotels and restaurants.

After analyzing different alternatives across Europe, Open Camp S.L. considered Barcelona to be one of the « best » destinations to base the first theme park in the world exclusively dedicated to sports. According to the project’s General Director, Francesc Medina, the infrastructure of the Barcelona Olympic Ring is « perfectly preserved » comparing to other Olympic infrastructures around the world. Yet, an investment of over 20 million euros will be made in order to rehabilitate and modernize the Ring for the future usage.

Open Camp Sportainment is expected to open in 2015 in the Olympic Ring, on top of Montjuïc hill. The public will be able to visit the Olympic Stadium, the Palau Sant Jordi sports hall, the Communications Tower designed by Santiago Calatrava, the Bernal Picornell swimming pool and the area surrounding all these facilities. The park will be opened from April to October and, during summer time, visitors will also be also to access the installations of the National Institute of Physical Education (INEFC).

According to Francesc Medina, « the main approach is to create a new category from sports tourism and entertainment and from trends that underlie the project, such as the viewer being the only protagonist. » Open Camp Sportainment aims to become a benchmark for innovation related to sport, allying it with technology. An example is the exclusive mobile application that will guide the visitor throughout the entire visit.

The park will include different areas such as, the Open Museum which will offer interactive sporting experiences and, the Open Play, where visitors will be able to experience the collective side of sports and the media coverage of many different sporting events. Francesc Medina emphasized that these areas « comprise » a proposal of « sports culture » with activities and attractions associated with elements such as the system of media coverage.

The project expects 7,000 visitors per day and an economic impact for the city of 52.8 million euros per year. It will create approximately 240 jobs, contributing for the local employment rates. The regular ticket will cost 28 euros; one of the cheapest prices in Europe for theme parks, said Barcelona Deputy Mayor for Economy, Enterprise and Employment of the City Council, Sònia Recasens. However, a range of different tickets will be available.

Source : VilaWeb / News from Catalonia.

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Here’s what a wise arts policy might look like

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Arts Council England has just a tiny pot of money to distribute among arts organisations. The state needs to get a sense of perspective.

Yet again Arts Council England (ACE), which will this morning announce the new settlement for the organisations it backs, has struggled gamely to distribute a diminished pot of government funding in ways that are fair, wise and likely to help the arts world to flourish.

There will be (small) winners and (big) losers. Even the wisdom of Solomon could not satisfy everyone in the arts, not even those who truly deserve public funding.

The public political charade of behaving as if the size of the arts budget is a determinant of national prosperity has to stop. It is a lie; it is a diversion; it does more harm than good. A sensible arts policy is available and would benefit the nation and the economy rather than harm it. Its elements would go as follows …

A wise government, starting with a wise secretary of state for culture, would stop calling for the « arts to show evidence that they are value for money » and instead read any one of the dozen reports in recent years that prove that they are.

This is well-trodden ground. They could start with the letter to the Guardian in June 2013 from 20 economists from John Maynard Keynes’ Political Economy Club. They grossed up the sums attributable to the creative economy and tourism at 16% of the national economy and concluded: « These are the most obvious multiplier benefits of the arts to the economy. »

A wise government would not worry about a minimal part of the national budget. Total spending on the arts accounts for just 0.5% of government spending. Why does it attract such excessive scrutiny? The usual response is that the arts, « known » to be inefficient, self-indulgent and profligate, require intense questioning and supervision. Yet the evidence is that arts organisations run themselves and use their resources efficiently, effectively and for the wider benefit of society. They deliver the widely lauded « instrumental » benefits while never forgetting that only excellent art can do this. Cutting the tiniest parts of the national budget in ways guaranteed to do most damage across the nation is at best a displacement activity, at worst a diversion from the real issues of government.

Governments and ministers must widen their horizons and understanding of what the arts are. Too much focus is concentrated on a handful of prejudices around the major London institutions – the Royal Opera, British Museum, National Gallery and others – routinely castigated for being too rich, too expensive, too elite, too exclusive in their audiences. A priority for ministers must be to cast their understanding of the arts far more widely across the nation while giving up indulgence in cheap hits at the organisations on their Westminster doorstep.

These changes of approach and attitude aren’t costly and should be easy. The notion of « trust » in the arts underpins them and would benefit everyone. On this foundation, two policy changes can follow. First, ministers should admit and welcome that the « English » funding model based on the tripod of funding from box office, donors and the public purse is accountable, efficient and democratic. They must stop flirting with the myth that the « American » model of funding is in any way superior for the arts or society.

Second, ministers should ringfence the arts budget. If it is right for overseas aid, it is surely right for the arts at home. This is not just being « nice » to the « luvvies ». It would be to recognise and understand that the arts at their widest benefit people, places, ideas, curiosity and wellbeing. Nitpicking around the edges of a tiny budget is not an arts policy. It is bad politics too.

John Tusa, for The Guardian.

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Le Museumsquartier de Vienne a enfin son emblème

UnknownLe Museumsquartier (MQ) de Vienne a décidé de doter le Musée Leopold d’une verrière d’un montant de 600 millions d’euros et qui sera située sur le toit de l’édifice. Cette salle d’évènements, baptisée « MQ Libelle », donnera enfin à ce complexe culturel l’emblème qu’il mérite, se réjouit le quotidien libéral-conservateur Die Presse : « Le MQ, inauguré en 2001 après deux décennies de dispute, est devenu ce que ses fans espéraient dans leurs rêves les plus fous : une zone urbaine pour tous – jeunes, férus de culture, touristes – un endroit encore plus agréable que le Centre Pompidou à Paris, auquel le MQ est souvent comparé. Viennois et touristes affluent aux portes du MQ, lequel enregistre près de quatre millions de visiteurs chaque année. L’aménagement du MQ dans l’enceinte des anciennes écuries royales, aujourd’hui classées monument historique, avait suscité de vives controverses à l’époque. Mais cela s’est avéré judicieux, car les visiteurs se trouvent à la fois protégés et en plein centre-ville, au cœur des évènements. … Avec ce nouveau projet architectural, le MQ pourra enfin être visible depuis l’extérieur de la ville. »

Source : BpB.

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Creative Transition towards Sustainability

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3-day Interdisciplinary PhD Workshop from 3rd – 5th of November 2014 Design – Architecture – Engineering – Natural, Social and Cultural Sciences.

Sustainability is the main challenge of this century. How to deal with global crises like climate change, energy- and resource scarcity or related social conflicts? How is a good life possible for all people on a finite planet? Technological/industrial innovations or economic growth are not by themselves sufficient answers to such questions. What we need is a holistic and systemic approach in combination with a fundamental change of our production/consumption structures and behavioural patterns.

In a three day workshop, experts and PhD students from different European countries and disciplines will come together for an intensive exchange about strategies and specific possibilities of societal transformation towards more sustainable lifestyles. Through a dialogue between observers and analysts of the transformation on the one hand, and designers of the transformation on the other hand, the workshop promotes an intensive relationship between theory and praxis. The PhD Workshop therefore addresses different disciplines e.g. social, economic and cultural scientists, architects, product-designers, engineers. Best practice projects (e.g. living labs in Barcelona) will be presented and examined from an interdisciplinary perspective.

As the behaviour of individuals is strongly influenced by the design of the world we live in, the transformation of lifestyles needs a corresponding transformation of design, architecture and engineering together with a comprehensive re-definition of the concepts of ‚service‘ and of the production and ‚consumption system‘. Modern design is often object-oriented and underestimates the ecological, social and cultural environment. In contrast, this workshop looks for the complex interconnections between designed objects, products and services and their contribution to a creative transformation towards sustainability.

Call for abstracts:

We invite PhD students (and possibly some advanced Master students) from all disciplines conducting research related to the workshop theme „Creative transition towards sustainability“ and with a strong interest in scientific work, to submit an abstract in order to be selected for participation in this transdisciplinary event.
As the goal is to hand in the final paper to a scientific peer-reviewed journal, the applicants are expected to have informed themselves about possibilities for publishing their paper drafts.

Venue

UPC- Barcelona Tech is the second biggest university in Spain. The ETSAV School of Architecture at Sant Cugat del Vallés (www.etsav.upc.edu) is a well recognized centre in the field of sustainable architecture and urbanism with a wide range of initiatives. This includes for example its Living Lab for Sustainable Architecture and Lifestyle (www.livinglab-low3.blogspot.com), which will also be the main venue of the workshop.

Applications:

Applicants should send an abstract (max. 500 characters) about their on-going research work together with a letter of application/motivation and a short CV. An expert committee will select the most suitable contributions according to their quality in relation to the workshop topic.
A general explanation of the abstract and paper are included as an annex.

Methodology:

The workshop will combine theoretical sessions (presentations of research work, experts input, round table sessions) with practical work (living lab exploration, co-creation activities, group work) in order to create a lively atmosphere for a productive interdisciplinary exchange.

Expected outcomes:

Experts will assess participants in their research work to enable discussing specific aspects in small groups. The publication of papers will be prepared.

Recognition:

The Summer School committee will issue a certificate of successful attendance.

Deadlines:

Submission of abstracts and application letter: 15th of September 2014 Notice of acceptance: 30th of September 2014.
Submission of full paper (draft) or presentation: 1st of October 2014

(see also template for paper and abstract).

Fee:

280€Euro (includes 3-day workshop, 3 coffee breaks, 3 lunches and 3 dinners). Not included are: Flight, accommodation, breakfast and further travel costs.

Accommodation:

Accommodation in Barcelona centre can be found individually e.g. through the following websites: http://www.booking.com, http://www.apartmentbarcelona.com, http://www.bcn-stay.com or similar.
Student apartments might be available on short notice at the campus for 35€/night in a double room. Please contact us for further information.

Contact:

For all applications and contacts please write to: sustainablesummerschoolbcn@gmail.com

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Subventionner les musées en Anatolie

newspaper_feed Le Conseil de l’Europe a décerné mardi le Prix européen du musée de l’année au Baksı Museum, situé à Bayburt, dans le Nord-Est de la Turquie. Le quotidien conservateur Hürriyet se réjouit de ce prix, mais réclame davantage de subventions publiques pour les petits musées situés hors agglomérations : « C’est une initiative exemplaire qui a donné aux habitants de la région une identité artistique, récompensée à l’étranger. … Dans les grandes villes, à Istanbul notamment, de grands musées privés ont ouvert. Ces initiatives n’ayant pas gagné l’Anatolie, on peut difficilement parler d’une culture des musées. L’Etat doit également soutenir les petits musées d’Anatolie. Il faut élaborer un potentiel créatif pour la région et pour les artistes qui y vivent. »

Source : BpB.

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Nantes digital week

Nantes digital week

Du 12 au 21 septembre 2014, Nantes Métropole lance sa première Digital Week.

Les rendez-vous aux typologies contrastées qu’elle propose (conférences, expo, festival, démos, workshop) et le public éclectique qu’elle va rassembler : chercheurs, amateurs d’arts numériques, start-upers, entrepreneurs, curieux, spécialistes…

La Nantes Digital Week, c’est l’expression du bouillonnement numérique nantais et de son goût pour l’hybridation, les croisements inattendus entre la recherche, l’art, les start-up et l’industrie.

Plus d’information ici.

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