Cultural Engineering Group

Services & Ressources en ingénierie culturelle

Appel à propositions Coopération européenne


L’Agence exécutive Education,Audiovisuel et Culture de la Commission européenne vient de publier un nouvel appel à propositions Europe créative pour des projets de Coopération. L’e-form n’est, à ce jour, pas encore publié.

Attention: la date de dépôt limite est maintenue au 1er octobre à midi. 

Vous trouverez l’appel, les lignes directrices et le guide des participants grâce aux liens suivants (en français):

L’appel à proposition pour les projets de Traduction Littéraire a été reporté et devrait être publié dans le courant du mois d’août.

Pour plus d’informations, suivez ce lien vers le site de l’agence:

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Creative Transition towards Sustainability


3-day Interdisciplinary PhD Workshop from 3rd – 5th of November 2014 Design – Architecture – Engineering – Natural, Social and Cultural Sciences.

Sustainability is the main challenge of this century. How to deal with global crises like climate change, energy- and resource scarcity or related social conflicts? How is a good life possible for all people on a finite planet? Technological/industrial innovations or economic growth are not by themselves sufficient answers to such questions. What we need is a holistic and systemic approach in combination with a fundamental change of our production/consumption structures and behavioural patterns.

In a three day workshop, experts and PhD students from different European countries and disciplines will come together for an intensive exchange about strategies and specific possibilities of societal transformation towards more sustainable lifestyles. Through a dialogue between observers and analysts of the transformation on the one hand, and designers of the transformation on the other hand, the workshop promotes an intensive relationship between theory and praxis. The PhD Workshop therefore addresses different disciplines e.g. social, economic and cultural scientists, architects, product-designers, engineers. Best practice projects (e.g. living labs in Barcelona) will be presented and examined from an interdisciplinary perspective.

As the behaviour of individuals is strongly influenced by the design of the world we live in, the transformation of lifestyles needs a corresponding transformation of design, architecture and engineering together with a comprehensive re-definition of the concepts of ‚service‘ and of the production and ‚consumption system‘. Modern design is often object-oriented and underestimates the ecological, social and cultural environment. In contrast, this workshop looks for the complex interconnections between designed objects, products and services and their contribution to a creative transformation towards sustainability.

Call for abstracts:

We invite PhD students (and possibly some advanced Master students) from all disciplines conducting research related to the workshop theme „Creative transition towards sustainability“ and with a strong interest in scientific work, to submit an abstract in order to be selected for participation in this transdisciplinary event.
As the goal is to hand in the final paper to a scientific peer-reviewed journal, the applicants are expected to have informed themselves about possibilities for publishing their paper drafts.


UPC- Barcelona Tech is the second biggest university in Spain. The ETSAV School of Architecture at Sant Cugat del Vallés ( is a well recognized centre in the field of sustainable architecture and urbanism with a wide range of initiatives. This includes for example its Living Lab for Sustainable Architecture and Lifestyle (, which will also be the main venue of the workshop.


Applicants should send an abstract (max. 500 characters) about their on-going research work together with a letter of application/motivation and a short CV. An expert committee will select the most suitable contributions according to their quality in relation to the workshop topic.
A general explanation of the abstract and paper are included as an annex.


The workshop will combine theoretical sessions (presentations of research work, experts input, round table sessions) with practical work (living lab exploration, co-creation activities, group work) in order to create a lively atmosphere for a productive interdisciplinary exchange.

Expected outcomes:

Experts will assess participants in their research work to enable discussing specific aspects in small groups. The publication of papers will be prepared.


The Summer School committee will issue a certificate of successful attendance.


Submission of abstracts and application letter: 15th of September 2014 Notice of acceptance: 30th of September 2014.
Submission of full paper (draft) or presentation: 1st of October 2014

(see also template for paper and abstract).


280€Euro (includes 3-day workshop, 3 coffee breaks, 3 lunches and 3 dinners). Not included are: Flight, accommodation, breakfast and further travel costs.


Accommodation in Barcelona centre can be found individually e.g. through the following websites:,, or similar.
Student apartments might be available on short notice at the campus for 35€/night in a double room. Please contact us for further information.


For all applications and contacts please write to:

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Culture and Museums in the Winds of Change: The Need for Cultural Indicators

A recent and fascinating conversation with our member Douglas Worts* reminded me how important his contribution is to the world of museums. So I wanted to share with our members and our readers some of his contributions, starting with this exciting article where the road to a different sustainability for museums is clearly shown.

Culture and Museums in the Winds of Change: The Need for Cultural Indicators

Abstract: How individuals live their lives, within the context of personal and collective values, expresses their living culture. Societies may be made up of people with different ethnocultural backgrounds, socio-economic profiles or spiritual orientations, but they share certain common cultural frameworks (e.g., democratic governance, rules of law, conventions of business, principles of equity for all, etc.) of what is increasingly a globalized, pluralized, and urbanized present. Culture is often thought of as either the historical traditions of a group, or else as certain types of activities (e.g., dance, theatre, celebrations, rituals, etc.) and objects (e.g., art, artifacts, clothing, etc.). Meanwhile, cultural organizations are characterized as specialized places of expertise that provide selected kinds of experiences and services to the public – normally available for consumption during leisure time. This article argues that the heart of living culture is to be found not in specialized types of objects, leisure-time experiences, ethnocultural traditions, or cultural organizations but, rather, in its processes of human adaptation in a changing world. The author uses the lens of culture to examine how humanity understands and attempts to manage change within its sphere of influence. How can we best measure the cultural well-being of our societies, our organizations, and ourselves? The overarching notion of global/local sustainability provides the grounding point for considering how best to foster a ̳culture of sustainability‘.

Keywords: Museums, cultural well-being, culture and sustainability, adaptive renewal, cultural indicators

You can read and download the full article here.

Douglas Worts

*Douglas Worts (pronounced Werts) is a culture & sustainability specialist, with WorldViews Consulting, a Canadian consulting firm, and an Associate of The AtKisson Group, which is a global network of sustainability planners, educators and consultants.

He holds a specialist degree in History of Art (University of Toronto) and a Masters Degree in Museum Studies (University of Toronto).

For over 30 years, he has worked in and around museums (Art Gallery of Ontario – 25 years) – specializing in experimental exhibit design, education programming, community engagement and audience research, where he explored the potential of artworks and heritage materials to stimulate viewer creativity and ‘meaning-making’. He has spoken and published widely, including activities in North America, Europe, South America, Australia and New Zealand on a range of museum, culture and sustainability-based topics. In 1997, Douglas was invited to join Leadership for Environment and Development (LEAD International), which is a global, cross-disciplinary network of over 2500 professionals from more than 80 countries, who have been trained in and promote local/global sustainability. Douglas’ particular focus these days revolves around the belief that, regardless of technological innovation, new economic policy and governance frameworks, human beings will only achieve a sustainable future if there are foundational shifts at the cultural level. This is no mean feat given the impacts of globalization, pluralization and urbanization on all cultures. However, there is great potential for artists and organizations within the cultural sector to stretch beyond the leisure-time economy and become significant players in stimulating deep reflection, dialogue and action related to fostering a ‘culture of sustainability’ across all sectors of our society. Critical to achieving this will be the development and use of cultural ‘measures of success’ that provide meaningful and effective feedback loops to ensure the work of artists and arts organizations are directed at individual and societal leverage points that produce greater public awareness and engagement.

Douglas lives in downtown Toronto.

Personal Website:

Business website:

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A peer funding model for the arts?

A recent paper by five mathematical computer scientists at Indiana University (published in EMBO Reports, a forum for short papers in molecular biology) proposes a clever new model for science funding that makes use of collective allocation (peer-funding) rather than expert-panel-and-peer-review funding mechanisms. I want to consider whether this might also work for arts and cultural funding.

Public science and research funding in Australia, as in most of the world, is based on a process that has remained largely unchanged for 60 years. This begins with calls for submissions of reasonably detailed project proposals. These then pass through expert panels (e.g. the Australian Research Council) and then on to the peer review process in which carefully selected “peers” evaluate the proposals and write detailed reports, before passing these back to the panels for final judgement. The high-level of process and accountability makes this the gold standard for taxpayer-sourced public funding of research (philanthropic trust funding often mirrors this architecture).

But it is expensive to run, and onerous to all involved. Perhaps one in ten projects proposed will be funded. The amounts of time and effort invested by all those seeking funding will tend toward the expected value of the grants, meaning that once overhead costs to panels and reviewers are added in, these function to a considerable degree as a redistribution mechanism. Rob Brooks wrote about this on The Conversation last year.

The new model the computer scientists propose bypasses this expert-panel-and-peer-review system altogether by simply taking the whole public lump of funding, and allocating it unconditionally (yes, unconditionally) to all “eligible” scientific researchers. It would thus function like a kind of “basic income”.

They calculate that if the National Science Foundation budget in the US were divided among all who applied for funding, it would deliver about US$100,000 per scientist. The problem with this, apart from an expected blowout in the number of people who claim to be scientists, is that we’ve just lost oversight, accountability and peer review.

So here’s what the computer scientists propose: everyone who receives funding gives some fraction (say 50% of their previous year’s funding) to other scientists whose work they like or think particularly interesting and valuable. That fraction can be distributed among one or many. The idea is that this works as a collective-allocation mechanism that basically crowd-sources peer review, and with the added advantage that it funds people, not projects. It also gets the incentives right for scientists to concentrate on clear communication of their findings and the value of research.

This method replicates the good parts of the previous model: those with higher peer regard will receive more funding; and those same people will have a larger say in the overall allocation (the pledge is a fixed fraction of the previous year’s funding). There would, obviously, still need to be confidentiality and conflict-of-interest avoiding mechanisms, along with careful monitoring to ensure that circular funding schemes are identified and punished.

But it also avoids the bad parts: in providing a guaranteed basic income, it liberates researchers from continual wasteful cycles of grant-writing by furnishing autonomy and stability of funding; it avoids the overheads associated with process and review; it enables a continual updating of funding to reflect the preferences and priorities of the scientific community, without getting caught in legacy priorities or political cycles.

Now might this also work for public funding of arts and culture? The main reason to think it might is that the same inefficiency arguments apply in arts and culture as they do in science: namely that those seeking grants spend considerable time and effort writing and preparing grants; face high uncertainty about funding outcomes; proposals tend toward conservative trend-following of agency preferences; projects, not people, are funded; and all the while arts funding bodies and panels (and the peer review process) consume sizable overhead.

On the flip-side, it’s not as neatly obvious who would be eligible. Research scientists can be reliably identified by the high-hurdle of having PhDs, prior publications, and full-time appointments at accredited institutes. But let’s suppose we can come up with an acceptable solution to that long-list problem. (I’m not suggesting this is trivial; just that that’s not what I want to focus on here.)

I think that this would, potentially, be a substantial step towards a more open and effective funding model (peer driven, not bureaucratically or politically driven). It would enable creative resources to be more directly spent on artistic production and public communication, with less time and effort wasted on endless rounds of grant-writing and reviewing.

And while still some distance from a decentralised and fully-incentivised market ideal of “consumers voting with their own dollars”, it is at least closer to that model in reflecting the preferences and judgements of the actual community of practising producers of culture (which is not always identical to appointed “expert” panels). Like the Oscars, in a way.

Might collective allocation of arts and cultural funding be superior to expert-panel based solutions? What do we think: crazy or not?

Jason Potts, Professor of Economics at RMIT University.

Source : The conversation

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Un nouveau référentiel pour la culture ? Pour une économie coopérative de la diversité culturelle

Ouvrage Philippe Henry

Les mutations de ces dernières décennies sont autant culturelles que strictement économiques et sociales. Les modes de production et d’échange de nos ressources symboliques s’en trouvent profondé- ment transformés et notre conception d’un art émancipateur, héritée du xxe siècle, largement questionnée.

En s’appuyant sur des expérimentations souvent peu connues, l’ouvrage illustre cette situation et analyse la question centrale de la construction de nos identités culturelles. La problématique de la diversité culturelle forme désormais le nouveau socle d’une pensée et d’une action politique publique de la culture. Elle est néanmoins confrontée à des inégalités et des fractures culturelles aujourd’hui croissantes.

Dans ce nouveau contexte, de nouvelles modalités collaboratives peuvent être repérées qui plaident pour la prise en compte d’une économie coopérative dans le champ de la culture, au même titre que pour l’affirmation d’une gouvernance participative.

Au final, l’ouvrage développe une approche volontairement généra- liste et didactique de mise en perspective des rapports qui se renou- vellent sous nos yeux entre l’art, la culture et la société. Avec pour visée de vouloir inventer un monde moins insoutenable et plus humain.


Philippe Henry est maître de conférences HDR à la retraite de l’Université Paris 8 – Saint- Denis. Il poursuit ses recherches sur la spécificité de l’économie des biens singuliers dans le domaine artistique. Il a notamment publié en 2009 Spectacle vivant et culture d’aujourd’hui. Une filière artistique à reconfigurer aux Presses Universitaires de Grenoble.

Un nouveau référentiel pour la culture ? Pour une économie coopérative de la diversité culturelle

Collection la culture en questions

Parution janvier 2014

Prix public 17,50 €

Format 12,5 x 19 cm

Pagination 256 pages

ISBN 978-2-916002-28-6

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Partenariat public-privé : vers un nouveau modèle de développement culturel

Promouvoir la culture auprès du plus grand nombre ; trouver les clés de la démocratisation de la culture : telles sont les ambitions des politiques culturelles françaises depuis plus de 50 ans.

De plus en plus, nous voyons naître sous de nouvelles formes des initiatives visant à inviter le citoyen à s’engager dans la vie culturelle locale : manifestations grand public, journées de gratuité dans les musées et centres d’art, villes – capitales de la culture, projets participatifs, etc. D’une certaine manière, c’est à une « événementialisation » des arts plastiques que nous assistons pour maintenir et faire valoir l’engagement de la France en matière de culture.

Mais développer l’économie culturelle et, par la même, l’accès à la culture en période d’austérité, n’est pas chose aisée.

A l’heure où les coupes budgétaires sont de rigueur avec une baisse des subventions de 2,8% en 2013, les institutions culturelles ont besoin de repenser leur modèle économique et diversifier leurs sources de financement pour non seulement garantir un niveau de fréquentation stable leur permettant d’envisager une situation économique pérenne mais également car l’État n’est plus le seul à pouvoir porter la notion d’intérêt général et de démocratisation de l’art chère à André Malraux.

L’essor du mécénat en France, au début des années 60, ainsi que la fiscalité avantageuse de 2003 ajoutent des acteurs supplémentaires dans la promotion des Arts et du Patrimoine.

Si les politiques culturelles œuvrent toujours dans le sens d’une diffusion des arts plastiques au plus grand nombre, ces dernières années ont été marquées par une « privatisation » du secteur culturel. Avec près de 25 000 entreprises et 5 millions de foyers mécènes, ce sont près de 3,2 milliards d’euros de dons que l’on recense en 2012.

Si financements privés et financements publics cohabitent désormais, il est de la responsabilité des deux parties, acteurs privés et publics, de trouver un équilibre entre développement de nouvelles infrastructures culturelles, entretien et sauvegarde de notre Patrimoine, et concentration de nos moyens sur les structures existantes pour une meilleure adaptation de l’offre aux publics.

La contraction des budgets privés et publics amène alors chacun à repenser ses marges de manœuvre et fait apparaître de nouvelles pistes à explorer en matière de financements : mécénat de compétence, social ou de particuliers, fonds de dotation, leasing, participation au capital d’un financeur culturel, etc. Ces méthodes, déjà ancrées dans le système économique d’autres pays (comme par exemple les Etats-Unis), font leur apparition en France depuis quelques années.

Mais le mécénat n’étant pas là pour se substituer à l’engagement de l’État, la question de la démocratisation est donc, avant tout, intimement liée à l’orientation de nos politiques culturelles publiques ; car c’est d’abord aux lieux et aux acteurs culturels de savoir capitaliser sur ce qu’ils peuvent vraiment apporter en la matière. De fait, afin de répondre aux nouveaux enjeux économiques des établissements culturels et attirer toujours plus de visiteurs, des partenariats public-privé voient le jour. Des entreprises privées sont désormais mandatées pour gérer musées et monuments confiés par les institutions publiques.

Ces entreprises expertes disposant de compétences spécifiques accompagnent les établissements dans leur gestion propre et proposent des services allant de la mise en place d’équipes spécialisées jusqu’à la dynamisation de projets culturels, éducatifs et touristiques.

Car, comme beaucoup d’établissements l’ont compris, la « popularisation » de manifestations culturelles connait ses limites si elle n’est pas accompagnée d’une politique d’accueil et d’accompagnement des publics dans la durée ou de programmes éducatifs adaptés. Repenser le mode de fonctionnement des établissements culturels pour être davantage en phase avec le marché de l’art et les attentes du public : voici la réflexion à engager entre acteurs culturels et contributeurs privés.


Marlène Dejean*

*Titulaire d’une licence en histoire de l’art et d’un Master 2 en communication, Marlène Dejean a travaillé en tant que Responsable de projet dans le secteur de l’événementiel BtoB et BtoC pour le Groupe LVMH et le Groupe Starwood.

Sa quête permanente de sens l’amène au poste de Responsable de projet Brand Content chez BETC où elle prend en charge la définition de stratégies éditoriales et la création de contenus print et vidéo pour les marques suivantes : Accor, Club Med, Crédit Agricole, Total…

« Aimantée » de tout temps par la culture, elle rédige en 2012 un mémoire sur les relations entre démocratisation de l’art et politiques culturelles.

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Agir politiquement en faveur d’une culture humaniste à partir d’un principe de réalité

Pour une réelle prise en compte de la pluralité et de l’interaction culturelles

Lors de son 6ème séminaire, l’Institut de Coopération pour la Culture a souhaité approfondir les notions d’interculturalité et de multiculturalité largement utilisées aujourd’hui dans le secteur culturel. S’il existe une importante bibliographie dans plusieurs champs théoriques, les textes de présentation et d’analyse d’expériences concrètes sont plutôt rares. En effet, il nous a été particulièrement difficile de trouver des présentations d’expériences qui soient suffisamment précises pour envisager un travail d’exploration. Finalement, l’expérience de la médiathèque André-Malraux de Strasbourg a servi de point de départ à nos réflexions. Nous nous sommes appuyés sur deux textes : le premier paru dans la revue Culture et Recherche intitulé « À Strasbourg, des médiathèques tournées vers les interculturalités », et le second paru dans le Bulletin des Bibliothèques de France portant sur « Le développement de la lecture publique dans la communauté urbaine de Strasbourg ». Nous sommes certains que de très nombreux projets se développent sur les territoires. Cependant peu d’entres eux se sont engagés dans une phase approfondie d’analyse et de publication.

Nous sommes partis de l’hypothèse que ce type de lieu ancre nécessairement son action, tout au moins en partie, dans l’interculturalité. Les données concernant plus particulièrement la médiathèque André-Malraux de Strasbourg nous ont offert cette opportunité. La présentation de cet équipement, annonçant justement une polarité sur les interculturalités, a permis de repérer plusieurs lignes directrices du projet et d’alimenter nos propres réflexions : que faut-il entendre par la notion au singulier d’interculturalité, ou plutôt à celle au pluriel d’interculturalités ? En quoi cette approche permet-elle de positionner autrement les établissements culturels et artistiques ? Comment comprendre ce qui relève de l’interculturalité et de la multiculturalité ? Quels liens peut-on établir avec les problématiques relatives à la diversité culturelle ? Quels enseignements pouvons-nous tirer de cette expérience et quels principes génériques pourrions-nous dégager pour que l’interculturalité devienne, comme l’indique Madame la Ministre de la Culture dans un article paru récemment, le fondement d’un nouveau pas de citoyenneté, un nouveau pacte culturel (Filippetti, 2013?

Pour télécharger la contribution de l’Institut, cliquez ici.

Pour consulter toutes les contributions de l’Institut, cliquez ici ou ici.

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Andalucía Virtual Proyect : dissemination of the cultural heritage through new technologies

adalucia virtual 1

Internet has become the most important tool for the promotion and difussion of cultural heritage, a system that opens the door to culture, where the user can get an amount of information never imagined before. Internet thus becomes a real revolution and paradigm of the culture of knowledge.

In Andalucia Virtual  are leaders in digital photography, multimedia and 360° virtual tours for the Internet, as de-monstrated by the quality of their work. Customers such as the City Council of Córdoba, the Provincial Council of Córdoba, Prasa, and many other references in the field of heritage and culture, have trusted them to make their cultural and dissemination projects known to the public.

In Andalucía virtual we can help spread and promote a cultural project, museum, exhibition or city through our technology in 360° virtual tours and through the implementation of augmented reality layers for LAYAR free app, available for both iPhone and Android devices.

With the evolution of new technologies we can offer the users a more complete view of the places that they can visit in the cities that interest them, as our project is not limited to images and text. We create virtual tours on real 360° fully interactive, including high resolution images and detailed factsheets, of the most prominent items, written by experts on the subject, with contrasted and reliable information.

Andalucía virtual also make reproductions of artworks in 3D, VR objects, videos documentaries and 3D sound (music, atmosphere and / or locutions), and  incorporate them as part of the visit to enrich it with all the information that users may desire. All of this is also compatible with all browsers and mobile devices, iPad and iPhone as well as Android devices.

Users from all around the world would have access to more and better information to plan their visits or trips, which will favor the affluence of visitors and their diversity, as Internet reaches all over the globe. The information that the visitor will obtain will be more reliable and of a better quality, because it will come from expert sources and will be contrasted.

Andalucia virtual

In short, the project Andalucía virtual is presented as a clear and safe bet for cultural promotion and webcasting of our cities and historical heritage.

You can also visit for more information and contact.

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CultiZer est un projet dédié à la culture et se propose d’accompagner les opérateurs culturels dans la définition et la mise en oeuvre de leur communication, notamment sur Internet (publicité en ligne, conseil en communication, vente en ligne etc.).
CultiZer est un projet d’économie sociale et solidaire porté par les têtes de réseaux culturels en Languedoc-Roussillon.
Il s’accompagne d’une plateforme d’informations culturelles mise gratuitement à disposition du grand public :

CultiZer est le nouvel outil numérique d’information et de médiation culturelle. Sous forme de quatre sites Internet, cet espace web propose et dispose de toute l’activité culturelle de la région Languedoc-Roussillon.

CultiZer se veut être un accélérateur pour la culture et la connaissance du secteur artistique et culturel sur la région. Ce nouvel outil s’inscrivant dans les Nouvelles Technologies de l’Information et de la Communication (NTIC) s’adresse au grand public, aux professionnels culturels et aux créateurs sur un territoire régional aussi varié que contrasté.

CultiZer a pour ambition d’améliorer l’accès à la culture pour les habitants du Languedoc-Roussillon.

Il est donc un outil de médiation visant à :

  • Diversifier les publics du champ culturel
  • Réduire les inégalités d’accès à la Culture
  • Développer l’intérêt des publics vers d’autres secteurs culturels
  • Inscrire de manière pérenne l’outil numérique dans une logique d’aménagement et de valorisation culturels sur la région

Quatre outils, quatre usages contemporains du web

CultiZer s’articule autour de quatre outils technologiques au service du patrimoine humain, complémentaires et interconnectés :

  • CultiZone, un moteur de recherche simple permettant à tout moment de connaître, à une période donnée, les évènements ou les activités culturelles de la région Languedoc-Roussillon. Un moteur de recherche avancé ainsi qu’un moteur de recherche par géolocalisation permettent aux « CultiNautes » de trouver, en quelques clics, les activités accessibles dans un rayon géographique donné.
  • CultiVore, une médiathèque virtuelle basée sur un agrégateur de contenus. Cette base d’informations est construite de la manière la plus riche possible rassemble tous les supports multimédias en un seul endroit sur le web.Cette médiathèque se base sur la qualité des informations apportées par les partenaires du projet. Elle réunit vidéos, images et sons pour offrir à l’utilisateur un large panel d’information : interviews d’artistes, reportages, extraits de spectacles permettant la simple lecture ou la découverte approfondie de contenus culturels.
  • CultiZ’Me, un espace personnel placé au coeur des réseaux sociaux actuels. Cet outil propose aux internautes de gérer leur activité culturelle et de la partager auprès de leurs amis, de leurs proches avec la qualité des informations « cultizées ».
  • CultiQuizz, un univers de jeux pour découvrir de manière conviviale et amusante les richesses culturelles de la région Languedoc-Roussillon. Les Internautes auront loisir à remporter des « CultiZ » dans le but de profiter d’avantages et de cadeaux proposés par les acteurs et lieux culturels de la région Languedoc-Roussillon. Il est un outil de médiation ludique pour la découverte épanouissante des richesses de la région.

Lors du dernier DigiWorld Summit de l’Idate à Montpellier en novembre 2012, CultiZer fut lauréat du Challenge TIC-Culture organisé par Sud de France Développement. Le projet a été primé pour la qualité de l’exercice et la valeur ajoutée apportée aux travers des technologies numériques à la culture.

Afin de mieux cerner les besoins des opérateurs culturels et de proposer une offre qui leur soit toujours plus utile, une enquête a été mise en ligne. Pour y participer, cliquez ici.

Le projet bénéficie des financements suivants :

  • du Conseil Régional Languedoc-Roussillon
  • du Ministère de la Culture et de la Communication dans le cadre de l’appel à projets 2012 « services numériques culturels innovants »,,
  • du Feder (Fonds Européen de Développement Régional) en Languedoc- Roussillon dans le cadre de l’appel à projets 2011 « Culture numérique ».

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Premier bilan et projets d’avenir pour Marseille Provence 2013

Même si la manifestation ne s’achèvera que le 31 décembre par un grand feu d’artifice – comme elle avait débuté – le bilan de Marseille Provence 2013 capitale européenne de la culture commence à se dessiner alors que se terminent plusieurs événements.

7,35 millions de visiteurs et le Mucem en vedette

Du côté de la fréquentation, les chiffres apparaissent plutôt à la hauteur des attentes, avec 7,35 millions de visiteurs enregistrés à la mi-octobre. La vedette incontestée est, bien sûr, le Mucem (Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée) qui, avec 1,25 million de visiteurs depuis son ouverture au mois de juin seulement, bat tous les records en la matière (voir notre article ci-contre du 17 septembre 2013). Il reste qu’il est difficile de faire la part, dans ce démarrage foudroyant, entre l’attrait du bâtiment et de sa situation exceptionnelle au cœur de la ville (contrairement à Pompidou-Metz et au Louvre-Lens) et l’intérêt pour les contenus et les expositions.
Le second événement en termes de fréquentation est l’exposition « Le grand atelier du Midi », une exposition à cheval sur Aix et Marseille qui vient de clore ses portes le 13 octobre. Si le succès est réel avec 462.000 visiteurs, il se situe néanmoins en deçà des 600.000 entrées attendues, ce qui devrait se traduire par un déficit d’exploitation. Viennent ensuite 400.000 personnes pour l’opération « Entre flammes et flots » (avec un éclairage du Vieux Port à la bougie) durant un week-end en mai, 300.000 pour « Transhumance » (des centaines de moutons, vaches et chevaux traversant Marseille en juin) et 200.000 personnes pour une association insolite entre la Patrouille de France, des voltigeurs de l’armée de l’air et la chorégraphe Kitsou Dubois.
En dépit de cette légère déception sur « Le grand atelier du Midi », la dizaine de musées marseillais – dont celui des Beaux-Arts, le musée Cantini, le musée d’Histoire de Marseille et le musée des Arts décoratifs et de la Mode de Borely qui ont rouvert pour l’occasion – ont bénéficié à plein de cette affluence. Le nombre de leurs visiteurs atteignait en effet 530.000 à la mi-octobre, contre 220.000 pour toute l’année 2012. Si environ un tiers des visiteurs venaient de Marseille et des Bouches-du-Rhône, plus de 50% étaient originaires du reste de la France et 15% de l’étranger.

Vers une « mini capitale culturelle » en 2015 ?

Même sur le plan financier, le budget initial semble avoir été à peu près respecté. A ce jour, la manifestation affiche un déficit prévisionnel de 2,9 millions d’euros pour un budget de 91 millions, mais, selon les organisateurs, « la situation est en cours de règlement » grâce à diverses économies. 
Sur le moyen terme, il est encore trop tôt pour mesurer l’impact économique de Marseille Provence 2013 (voir notre article ci-contre du 9 janvier 2013) et, plus encore, son impact sur l’image de la cité phocéenne, même si de nombreux Marseillais se réjouissent de constater que les médias ont enfin parlé d’autre chose que des règlements de compte ou de la grève des éboueurs. Comme à Lille en 2004, il semble toutefois dès à présent que Marseille Provence 2013 devrait laisser des traces et instaurer une dynamique nouvelle. Sans attendre la réunion prévue ce mois-ci, sous la présidence du préfet des Bouches-du-Rhône, une note interne du président de l’association MP 2013, intitulée « Bâtir l’après 2013 ou comment amplifier le succès de l’année capitale » et révélée par le magazine Télérama, propose déjà des pistes.
Adressée aux services de l’Etat, aux collectivités territoriales et aux parties prenantes de l’opération, elle cherche à identifier les forces et les faiblesses de la manifestation. Côté positif : le « redressement d’image », la fréquentation, le succès populaire, la réappropriation de la ville par ses habitants… Côté négatif : les couacs dans la préparation de l’opération qui ont nui à la crédibilité du projet, un démarrage tardif dû en partie à une communication insuffisante et pas assez tournée vers l’international, des faiblesses dans la programmation… 
Pour l’avenir, la note envisage de donner une suite à la manifestation, sous la forme de l’organisation, en 2015, d’une mini capitale culturelle de quelques mois, précédée d’une grande manifestation populaire en 2014 pour maintenir l’intérêt. Une nouvelle structure, sous la forme d’un GIP, serait chargée de porter ce nouveau projet. Un projet qui s’inspire très fortement de l’exemple de Lille qui a réédité l’événement en 2006, 2009 et 2012, à travers le programme culturel « Lille 3000 ». Il est toutefois peu probable que des décisions soient prises avant les municipales de mars prochain.

Source : Jean-Noël Escudié, Localtis.

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Are audiences killing art and culture ?

If the most important thing about art is its newsworthiness, saysSarah Kent, how do we engage with it on any other level ?

Should audiences be wooed with accessible art?  Photo: Luke Macgregor/Reuters

Should audiences be wooed with accessible art? Photo: Luke Macgregor/Reuters

A transvestite potter is currently delivering the Reith lectures, a pissing automaton is competing for the Turner Prizea blue cockerel struts its stuff on Trafalgar Square’s fourth plinth, and the Whitechapel Gallery is filled with wankers and giant penises. It’s business as usual in the art world, or so the media would have us believe.

If the most important thing about art is its wacky newsworthiness, how do we engage with it on any other level? This is one of the questions to be addressed in BBC Radio 3‘s Free Thinking festival at the Sage Gateshead on Sunday in a panel debate: Are audiences killing culture?

Art is often promoted as a leisure pursuit, something fun to see on a wet Sunday afternoon. And it is achingly fashionable. On the first Thursday of each month, galleries in east London stay open late – hundreds descend on Vyner Street in Bethnal Green, sparking a street party complete with food, beer and sound systems; the event is so cool that even school kids hang out there.

Private views in West End galleries attract a slightly older and wealthier crowd who are still primarily there to drink free beer, meet each other and take selfies. The art is an excuse for a social occasion – so much so that when I was a full-time critic, I had a reputation for being rude because instead of networking I would look at the art!

The serious stuff of marketing the work happens at other times and through other channels, including the internet. I find it hard to believe that millions are spent each year by collectors who buy art they haven’t seen, but then I still fantasise about people collecting work they admire, rather than looking to park their money in a safe investment.

It’s why I’m so depressed to learn that the person topping Art Review’s Power 100 is an oil Sheikha from Qatar. Sister of the emir, Her Excellency Sheikha Al-Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al-Thani apparently spends £600m a year hoovering up contemporary western art to sequester in desert museums.

Of course, art has been at the service of the rich and powerful for centuries, but at least the Medici and their like provided opportunities for artists by commissioning the brightest and best to produce great work.

Nowadays, artists are caught between a rock and a hard place. Market domination stifles creativity by seducing artists into producing glitzy commodities that shriek: « Buy me! Buy me! »

Among the most blatant are Damien Hirst‘s diamond-encrusted skull,For the Love of God, which I renamed ‘For the Love of Gold’. The Finest Art on Water is a luxury yacht that Christian Jankowski exhibited atFrieze Art Fair in 2011 with a price tag of £70m. At this year’s fair, Gagosian showed Jeff Koon’s kitten in a sock, which is so far off the radar it creates a category all its own that one might call (M)art.

Since an important part of their remit is to attract large audiences, museums and galleries unwittingly create a trap of a different kind – encouraging artists to woo the public with accessible art. Often the result is bland mediocrity; mirrored maizes are my bête noire. Occasionally, though, an artist responds with something both playful and profound.

When Olafur Eliasson projected a yellow disc onto the far wall of Tate Modern’s Turbine Hall in 2003, hundreds came to bask in the light of the artificial sun. The Weather Project tapped into the collective psyche by encouraging people to dream, which is what good art can do – visitors wore swimsuits, brought picnics and lay on towels as if they were on a beach in midsummer. The work demonstrated the power of illusion and people’s willingness to play.

If you visit Derry-Londonderry over the next few months you can earn a couple of quid discussing the market economy with some locals. Not down the pub, but at the Turner Prize exhibition where Tino Sehgal is staging This is Exchange, a piece I remember taking part in at the ICA in London in 2003.

The idea that a gallery could be a good place to raise economic and cultural issues is not new, but Seghal’s approach is refreshingly direct. He employs non-professionals to engage with visitors, sometimes discussing monetary value, sometimes telling stories, as they did earlier this year in These Associations at Tate Modern.

If Seghal wins the Turner Prize it won’t be because his performers argued well or told moving tales, but because he provokes questions about the nature and value of art and the institutions that house it. Audience participation may be crucial, but pleasing the crowd is not; you may enjoy it, but his work is not about having a good time.

Antony Gormley‘s invitation in 2010 for people to take their place on the fourth plinth in Trafalgar Square was similarly memorable not because someone struck a fine pose or told a good joke; it was not Britian’s Got Talent. Fundamentally it was a conceptual piece that held up a mirror to our lust for celebrity, our desire to be in the frame. And it highlighted the fact that no-one has the faintest idea any more what public monuments and public art are for. What or who is worth commemorating?

Sarah Kent is an art critic and formerly visual arts editor of Time Out London – she is also director of exhibitions atthe ICA

The BBC Radio 3 Free Thinking festival is at the Sage, Gateshead from 25-27 October. Are Audiences Killing Culture? will be recorded for broadcast on BBC Radio 3 on Tuesday 12 November at 10pm

Source : The Guardian Culture Profesionals Network

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La culture rapproche Wallons et Flamands

Le Parlement de la Fédération Wallonie-Bruxelles a approuvé, mardi à Namur, un accord de coopération culturelle avec la Flandre. Un accord historique entre les deux régions belges divisées, commente le quotidien libéral Le Soir : « Dans ce pays compliqué, et dans le contexte qu’on sait, c’est un pas fondamental et peu banal qui a été franchi. … Le côté historique tient à sa caractéristique peu banale dans un pays où il est souvent question de séparer plus que de réunir, mais il est dû aussi au fait qu’il a été négocié par d’autres, sans jamais aboutir. Les deux ministres ont … écouté un secteur où, quel que soit l’art concerné, les artistes n’ont pas attendu que le politique coopère pour travailler ensemble, échanger acteurs, salles, pièces, œuvres et pour démontrer avec panache que, de ces coopérations et échanges, naissaient des productions internationalement remarquées et qui tissent désormais une véritable légende des artistes belges, flamands ou francophones, à l’étranger. »

Source : BpB 

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Rencontre nationale Coopérations politiques, culturelles et territoriales : bilan et perspectives

La loi sur les Etablissement Publics de Coopération Culturelle a 10 ans ! Le temps d’un bilan et surtout de perspectives sur les coopérations politiques, culturelles et territoriales.

Le  Comité national de liaison organise cette rencontre nationale sur les problématiques de coopérations. Au cœur des débats sur la réforme de l’action publique, quelles perspectives les coopérations existantes ouvrent-elles en matière de gouvernance et de responsabilités? Quels principes pourrions-nous alors retenir pour mieux qualifier l’intérêt général et le service public de la culture portés par ces coopérations ?

Cette rencontre est structurée autour de 4 tables rondes:


Yvon GOUTAL, avocat spécialiste en droit public et Michel GUERIN, directeur de l’Observatoire des politiques culturelles de la Communauté française de Belgique nous accompagneront dans nos réflexions.

Une délégation de la Commission Culture du Sénat et des représentants du Ministère de la Culture seront présents.  Nous travaillons dans la perspective d’une amélioration de la loi sur les EPCC et d’une contribution aux débats sur la réforme de l’action publique.

Pour la première fois, nous avons invité les directeurs et administrateurs (salariés) des 150 EPCC existants et en projet, les membres des conseils d’administration des EPCC membres du Comité, et nous l’espérons plusieurs associations d’élus (notamment ARF, ADF, AdCF, FNCC, AMGVF). Merci de nous aider à diffuser cette information.

Une participation aux frais de 30€ par personne est demandée

Programme et bulletin d’inscription


Rencontre nationale Coopérations politiques, culturelles et territoriales: bilan et perspectives 

Mardi 10 décembre 2013 Rennes

Lieu : Les Champs Libres

Accueil à partir de 9H00

Coréalisation  avec Spectacle vivant en Bretagne, Livre et lecture en Bretagne et les Chemins du Patrimoine en Finistère.



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Kensington Palace : a happy marriage of arts and heritage ambition

When Historic Royal Palaces invited theatre company Coney to play at Kensington Palace, neither party predicted the outcome.

Kensington Palace: ‘Is there another way?’

Storytelling is key for Historic Royal Palaces (HRP). But to draw in the widest possible visitor base to our five historic sites, we need to tell those stories in imaginative ways. Monarchs over many generations have employed artists, architects and craftsmen to decorate and furnish the state apartments at Kensington Palace, and in this spirit, we continue to encourage the use of the palace as inspiration for talented artists of our generation.

But too often in the past, these projects, if exciting, were transient. The moment to be bolder came in 2010 when the palace embarked on a two-year building project. We had a dilemma: did we shut the palace to visitors, or was there another way? The team devised a plan to keep the state apartments accessible using the skills of theatre-makers WildWorks, who created a magical, multi-stranded experience, Enchanted Palace, which ran through 2010 and 2011.

Our experience with WildWorks showed us that with the right theatre-maker partner we could transform the visitor from passive observer to active participant. So when the palace opened again in 2012, we chose Coney, a young theatre company with a reputation for making clever games, to help us in our next interpretive adventure.

Coney employed a team of artists and designers to make a series of installations in the 17th-century queen’s apartments to tell the melancholy tale of the end of the Stuart dynasty that played out in those very rooms. And in the grand king’s apartments they made a game that allowed visitors to explore what it took to become an 18th-century courtier. Coney’s work has made things that might appear ordinary become mythic, and the extraordinary, human.

What’s more, their surprising and dispassionate questioning of our traditional ways of working have made us thoughtful and critical of some of our conventions. They have been a powerful agent for change in our organisational culture – having drawn everyone into the making of their work, each of us has become its passionate advocate. Our front-of-house teams have blossomed under the tutelage of theatre practitioners. Their talents, hidden in the ‘silent palace’ world dominated by the audio-tour, have blossomed and they now confidently hold participatory ‘salons’, debating the hot topics of the 18th-century court with as many of our visitors as are game.

But while many may be delighted by this new experience, for others it is unwelcome. For those visitors our ‘palaceness’ – a quiet, contemplative environment in which to view great works of art – is sacrosanct, and they see any change as disrespectful. Can you please all people all of the time? We have tried to find ways of smoothing the way for visitors who found new ways of experiencing the palace unfamiliar.

Coney’s work, too, has changed and developed massively over 18 months to react to new circumstances. How do you deal with more visitors than you planned for, or when those visitors take your props home with them? The company has addressed each twist and turn with interest. We would never call our great adventure plain-sailing and we have dealt creatively with a good number of unexpected outcomes along the way. And so the adventure continues.

Dr Joanna Marschner is senior curator at Kensington Palace – follow Historic Royal Palaces on Twitter @HRP_palaces

Coney: ‘As artists, we respond to the why’

Coney’s House of Cards installation. Photograph: Paul Blakemore

Entering Kensington Palace to present our ideas was an intimidating prospect at first. It felt like a terra nova for our company. Coney makes immersive theatre and story-worlds to engage audiences in play; we weave together theatre and game design to create dynamic shows and experiences. We had worked with museums before, but we had never worked with a palace.

Of course we were taken in by its architecture, but the real excitement lay in uncovering its social tapestry. In early exploratory visits, we were dazzled and baffled by the knowledge and stories of the palace teams. The broader HRP community, including audiences and community groups, are also rich in expertise and we wanted to include as much of it as possible.

So when the time came, we proposed a process rather than a grand artistic vision. And from that process we created House of Cards, a playful theatrical installation and interactive performance contrasting the splendour of the court’s public face with the secret intrigues and hidden intimacies of its private lives.

Working in a complex environment like the palace – a building that has to balance lots of agendas, stakeholders, audiences and expectations – brings a complex set of problems. In theatre you make work for an audience that chooses to come and be taken on a journey. In the palace, work is found, almost stumbled upon. This unexpected nature thrills many but you have to make clear to the audience how they can interact very early on. We’ve learned that framing is everything when creating unexpected work. Even now, I occasionally wish I could start again with that knowledge informing our creative choices from the beginning.

We encouraged a mutual openness about any problems that arose and kept an honest dialogue with the palace about audience response and any bottlenecks. All of Coney’s projects are responsive and developed through dialogue, including playtests, sharings and conversations with audiences and experts. In working with the palace this process became more important than ever.

If we have not always agreed, everyone at least took the time to explain why they had reached a certain position. As artists, we could then respond to the why: the reason behind a need for change. That allowed us to come up with alternative, interesting solutions that were theatrical and in keeping with the artistic vision.

That process we initially proposed has never really ended; the project has continued to evolve. We have worked with visiting artists to incorporate new commissions and created special scenes and content around Lucy Worsley’s BBC TV series, Fit to Rule. Our production team is on site every week to respond to the daily ebbs and flows of a palace – everything from the installation of priceless historical objects to security issues around real-life royals.

And in the week that another young family move into the palace, Coney bid it farewell in the knowledge that change and flexibility at the core of this collaboration have proved its true strength too.

Annette Mees is co-director of Coney – follow the company on Twitter @agencyofconey and Annette @AnnetteMees

Source : The Guardian Culture Profesionals Network

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Spectacle vivant : l’ancrage dans les territoires, atout ou boulet ?

Le ministère de la Culture publie, dans le dernier numéro de sa lettre « Culture études » (octobre 2013), une étude originale intitulée « Quel(s) territoire(s) pour les équipes artistiques de spectacle vivant ? ». L’étude, à dominante sociologique, s’appuie sur une hypothèse centrale : « Le rapport au territoire des équipes artistiques est déterminé conjointement par la structuration et le fonctionnement de l’espace culturel régional et par la position, la trajectoire et les stratégies professionnelles des équipes elles-mêmes (et/ou des artistes qui les composent) ». 
En d’autres termes, il s’agit d’explorer et d’expliciter les liens qui unissent – ou non – une équipe artistique de spectacle vivant et son territoire. Plus prosaïquement, « l’enjeu est ici de comprendre dans quelle mesure et de quelles manières des artistes peuvent trouver, là où ils sont, les ressources nécessaires pour vivre de leur art, de leurs spectacles ».

Un monde très hiérarchisé

Pour cela, l’auteur – docteur en sociologie et chercheur associé au laboratoire Sociétés, acteurs et gouvernements en Europe (Sage) de l’université de Strasbourg – a mené ses investigations dans deux régions : l’Alsace et la Lorraine. 
Dans un premier temps, l’étude dresse un portrait de l’espace culturel de diffusion du spectacle vivant, qui apparaît comme un lieu à la fois structuré et hiérarchisé. Elle distingue trois réseaux concentriques : un réseau primaire – correspondant à l’industrie du spectacle (grandes salles privées) et aux scènes labellisées -, un réseau secondaire regroupant lui aussi des salles privées et des établissements soutenus par l’Etat et/ou les collectivités territoriales et, enfin, un réseau parallèle de diffusion, à la marge du champ artistique (employeurs privés occasionnels, cafés, Education nationale…). Au final, un système pyramidal très hiérarchisé, avec un accès difficile, voire très difficile, au sommet et, à l’inverse, un accès aisé et des opportunités nombreuses dans le réseau parallèle, avec pour contrepartie une faible visibilité.

« La mécanique complexe du rapport au territoire »

L’étude s’attaque ensuite à « la mécanique complexe du rapport au territoire ». Le terme « complexe » n’est pas usurpé, tant les interactions et les contradictions sont nombreuses. Ainsi, il apparaît une contradiction – au demeurant pas forcément insurmontable – entre l’attachement au territoire, qu’il soit volontaire ou subi, et la mobilité nécessaire à la création artistique. Comme l’explique l’auteur, « l’enjeu est d’articuler un ancrage territorial, comme base de production, avec un élargissement du réseau de diffusion au-delà de la région d’implantation afin de gagner en visibilité auprès des professionnels et des médias ». 
Sur le premier volet de l’ancrage, l’étude pointe notamment la concentration des équipements, notamment sur les métropoles régionales. Elle relève aussi l’obligation du travail avec les publics, écoles ou établissements locaux, qui est souvent la contrepartie du financement des collectivités : « le travail qui suit l’obtention de l’aide publique contribue à renforcer encore l’attachement au territoire ». Mais l’étude montre aussi la dimension positive de cet attachement au territoire, qui a souvent « un fondement affectif ».

La mobilité, moyen de survie économique et facteur d’épanouissement

Il reste que cet attachement, volontaire ou non, au territoire, entre en contradiction avec la mobilité, qui est aussi « un moyen de survie économique ». La pérennité de nombreuses équipes ne tient en effet qu’à leur capacité à vendre leurs représentations, alors que le marché local ou régional se révèle souvent insuffisant, surtout pour des productions « pointues ». La mobilité est aussi un facteur d’épanouissement professionnel – et de lutte contre la routine -, à travers les horizons qu’elle ouvre et les contacts qu’elle procure. 
L’étude s’achève par une tentative de segmentation et de représentation graphique du rapport au territoire des équipes artistiques selon leur niveau d’intégration professionnelle. Au final, un travail original et stimulant, dans lequel les acteurs du spectacle vivant et les collectivités territoriales ne manqueront pas de se reconnaître, bien au-delà des deux régions étudiées. 

Jean-Noël Escudié / Localtis

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L’Egypte sauve de précieux ouvrages de la destruction

A Amsterdam, le prestigieux Institut Royal des Tropiques doit fermer les portes de son ancienne bibliothèque, les subventions qui la financent ayant été supprimées. Mercredi, l’administration de la bibliothèque d’Alexandrie s’est dite disposée à héberger la collection. Le quotidien de centre-gauche De Volkskrant salue ce geste généreux des Egyptiens, qui devrait faire honte aux Pays-Bas : « L’Egypte a quelques petits problèmes : instabilité politique, revers économiques, querelles religieuses. Mais quand les Egyptiens ont eu vent de ce pauvre pays lointain, où la culture est si mal en point qu’on veut se débarrasser de sept kilomètres de livres – une collection unique constituée au fil de 230 années – ils ont vite oublié leurs propres soucis. Ils savaient que ce pauvre pays était en proie à la crise, mais tant que ça ? Les Néerlandais sont-ils affamés au point de manger du papier ? … L’Institut a eu l’immense malchance de cumuler deux choses qui inspirent une profonde aversion au gouvernement de droite : la culture et l’étranger. »

Source : BpB

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Actors of urban change

Robert Bosch Stifung

Actors of Urban Change is a Europe-wide pilot programme by the Robert Bosch Stiftung in cooperation with MitOst e.V. It aims to achieve sustainable and participatory urban development through cultural activities. This is carried out by strengthening the competencies for cross-sector collaboration among actors from the cultural scene, the administration, and the private sector who form teams of three committed to implementing a project in their city. Using culture as a tool, the projects might address a broad range of social, political and environmental challenges related to urban change. On a local level, the teams receive support for the implementation of their joint projects through grants and customized coaching. On an international level, they benefit from further qualification through workshops, seminars, peer-learning sessions and field trips during meetings and shadowing internships with teams from different cities, allowing for Europe-wide exchange and networking.

The application deadline is 27 October 2013. A more detailed description of the programme and contact information, as well as access to the call and the online application form can be found on

For more information, please contact: Martin Schwegmann, Program Officer Actors of Urban Change; e-mail:;

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Les librairies allemandes en mesure de rivaliser avec Amazon

La Foire du livre de Francfort se tenait la semaine dernière. Depuis qu’un documentaire a révélé les pratiques commerciales douteuses de l’entreprise de vente par correspondance Amazon et la surveillance électronique opérée par les services secrets, le secteur allemand du livre retrouve de belles opportunités, estime le quotidien Frankfurter Allgemeine Zeitung : « Les libraires doivent maintenant œuvrer pour profiter de cette publicité inespérée, en reproduisant notamment ce qui a fait la force des acteurs en ligne : la livraison gratuite et rapide aux clients des livres commandés. Dans les grandes villes, de nombreux libraires ont ainsi recours à des courriers à vélo. Par ailleurs, la logistique exemplaire du mode de commande allemand, qui repose sur un mécanisme bien huilé entre maisons d’édition, grossistes et magasins, et qui permet à chaque libraire de recevoir les livres commandés le jour ouvré suivant, rend possible une véritable concurrence avec Amazon. … Mais pour la librairie du coin, le meilleur argument reste encore la compétence spécialisée, c’est-à-dire les connaissances littéraires de ses employés. »

Source BpB

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Le poids économique direct de la culture

Etude DEPS

En 2011, les branches culturelles totalisent une production de 85 milliards d’euros et une valeur ajoutée de 40 milliards d’euros. La production culturelle se partage entre une partie marchande (69 milliards d’euros), issue de la vente des biens et services culturels des entreprises, et une partie non marchande (16 milliards d’euros), qui correspond, par convention, aux coûts de production des administrations, établissements publics et associations dans le domaine culturel.

Le poids économique direct de la culture, mesuré comme le rapport entre la valeur ajoutée des branches culturelles et celle relative à l’ensemble des branches, est de 2,2 % en 2011. Il ne prend pas en compte les retombées économiques indirectes ou induites par la culture (tourisme par exemple). Jusqu’en 2003, le poids économique direct en valeur de la culture a augmenté. Il est en recul depuis 2004, ce qui est principalement à relier au repli de l’activité dans certaines industries culturelles (édition, presse, disque).

En 2011, l’audiovisuel (radio, cinéma, télévision, vidéo, disque) concentre un quart de la valeur ajoutée culturelle. Le spectacle vivant et le patrimoine, branches majoritairement non marchandes, concentrent respectivement 18 % et 11 % de la valeur ajoutée. La progression au cours des quinze dernières années de la part en valeur du spectacle vivant est principalement due à l’augmentation des prix dans cette branche. À l’inverse, le livre et la presse ne concentrent plus que 15 % de la valeur ajoutée culturelle en 2011, contre 26 % en 1995. Les autres branches culturelles  (agences de publicité, architecture, arts visuels, enseignement culturel) contribuent dans leur ensemble à un tiers de la valeur ajoutée culturelle.

Yves JAUNEAU, coll. « Culture chiffres », septembre 2013, 12 p.

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Ace cafe with quite a nice ancient monument attached ?

How the new cafe at Stonehenge will look

How the new cafe at Stonehenge will look

English Heritage has announced that it is building a £27m visitor centre at Stonehenge, with what looks like a very large eating area. Is the cafe and gift shop almost as important as the attraction itself these days ?

Almost 50% of the shiny new visitor centre at Stonehenge will be taken up with a new « bright and spacious » cafe for up to 260 people and a bigger shop.

It almost harks back to a memorable ad campaign by the Victoria and Albert Museum in London. In 1988, the museum commissioned a poster with the slogan: « Where else do they give you £100,000,000 worth of objets d’art free with every egg salad? »

The poster was one of six, all describing the V&A as: « An ace caff, with quite a nice museum attached. »

It’s a premise that won’t surprise anyone who has visited a stately home or garden run by the National Trust recently. Some 19.2 million people made a trip last year. Many of those will have dutifully queued for a flapjack and a cup of tea. Or even a substantial meal.

Scones are a given

Scones are a given

Food writer Giles Coren recalls visiting London Zoo as a child and caring more about the gift shop than the animals: « Thousands of school children, coachloads of them have to visit these places, and all they care about is the shop. »

He associates past visits to stately homes with rock-hard scones but thinks for many people it’s increasingly all about the food. « It’s like the Colosseum in Rome, people go all that way to see it only to discover it’s a lot of boring old stones, but at least you can get an excellent pizza. »

Visitors now demand a nice place to eat, having put up with poor facilities for far too long, Coren suggests. « Everything in Britain has been rubbish for years and people won’t put up with it anymore. »

There is scepticism among some about the new generation of visitor centres.

TripAdvisor is full of reviews from people who are unimpressed. One reviewer was very upset when changes were made at a cathedral in East Anglia. « I love this cathedral, have been taking visitors to it for over 20 years… but it was so much nicer when you could walk in at the front. Now you have to go through a new visitors’ centre, which adds nothing to your experience of visiting the cathedral, but does direct you past a desk for collecting your ‘optional’ entrance fee. »

Another visitor to a major modern art museum in London recalled: « We ordered their vegetable soup – a small bowl with watery soup containing some vegetables and a small hard roll (and we had to ask for some butter!) – 6.50 each! For us that’s a rip-off and we were not impressed. »

But generally the trend is for the cafes in museums, galleries and castles to get better and better. And those in the heritage business see them as a happy synergy.

« A good shop and cafe greatly enhance the overall experience, » says Matthew Tanner, chairman of the Association of Independent Museums. « No visit is complete without an interesting shop, a fine cup of tea, and not forgetting a good loo too. »

The view from Tate Modern's skyline cafe...

The view from Tate Modern’s skyline cafe…

.. inside the Orsay Museum's new cafe with added va-va-voom in Paris

.. inside the Orsay Museum’s new cafe with added va-va-voom in Paris

... and a period-appropriate tearoom at Brodsworth Hall in Yorkshire

… and a period-appropriate tearoom at Brodsworth Hall in Yorkshire

The argument for spending money on an extensive cafe is twofold – visitors have come to expect them, and the revenue raised helps subsidise the attraction.

One place where this takes place is RHS Wisley in Surrey where the gift shop and cafe are the gatekeepers to the gardens people come to see. Nigel Eaton manages the shop and says it is part of the whole experience.

« We’ve got three kinds of customers – we have the RHS members who visit on a regular basis, the gardeners who come just for the plants and then we’ve got what we call the payers, who come on coaches for a nice day out. Every penny that is spent in the shop goes back into the RHS, so the shop is very important to us. »

Some 1.1 million people visit Wisley every year. The results of a customer survey revealed that 22% of those visitors came just for the « retail experience ». Last year the shop – including one of the world’s biggest gardening bookshops – made £3.8m and they expect to make an even bigger profit this year.

The Conservatory Cafe at Wisley...

The Conservatory Cafe at Wisley…

As a Lonely Planet author, David Else has visited a lot of tourist attractions and has no problem with visitor centres. In fact he rather likes them.

« In the case of Stonehenge, a good visitor centre is going to tell you so much more about the history of what is essentially a group of old stones. I’ve got no problem with cafes, either – I like a good cup of tea after a visit and don’t mind if they want to make a few bob to help preserve the site. »

In the heritage and art business it’s all about making attractions « sustainable ».

Getting the shop and cafe right at an attraction is a win-win situation, says Jane Temperley from the Association for Cultural Enterprises. « Sure it is about generating income – everyone is looking at how to make their sites more sustainable. But research says visitors enjoy cafes and shops, happy visitors spend more and tend to become repeat visitors or members, which generates more income. »

... with a shop selling books, local crafts and chutneys

… with a shop selling books, local crafts and chutneys

About 80% of visitors to Wisley are RHS members so they come back to visit time and time again. Thirty-two staff work in the Wisley Shop and 60 staff work in the cafes and restaurants – that’s over 25% of the total site staff of 350.

And the staff at attraction are at pains to point out that the food has got better and better. Laurent Trenga is the chef responsible for the planning of menus at Wisley. He points out that a burger and chips at Wisley is no ordinary burger and chips. « Our burger is made from locally sourced quality pork and apples grown in our own orchards, even the bun is made fresh on site. »

The plants are rather nice too.

By Alison Feeney-Hart

BBC News Magazine

Source : SMG

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Audience stats (year nine)

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