Cultural Engineering Group

Services & Ressources en ingénierie culturelle

Património e Território

Patrimonio e territorio

The present study is to comprise an analysis and assessment of the state of Portuguese Heritage assets, from national level in Portugal, based on inventories and data produced by the entities that oversee them. The study is commissioned by the Office of Strategy, Planning and Cultural Evaluation (GEPAC), with the higher coordination of the Office of the Secretary of State for Culture – under the ERDF Operational Programme of Technical Assistance – priority axis « Strategic Coordination and Monitoring of the NSRF « – Heritage and Territory.

This study aims to « underlie and monitor the measures which came to be outlined for investment in projects with cultural component in the programming of the Structural Funds 2014-2020 », and respecting two basic assumptions that, directly, shape the work to develop and encompass their scope. Primlarily, it tries to give an answer to the questions contained in the specifications: a) identify the lack of intervention in Portuguese Heritage assets under public management; b) Diagnose and appraise the state of Conservation of Portuguese Heritage assets; c) Prioritize the needs for intervention, signalling and valorization; d) Evaluate the importance of the Heritage in job creation and in structuring the Portuguese tourism demand; e) Formulate recommendations of strategic and operational nature intervention on the Patrimony, to implement in the new programming cycle of Structural Funds. Secondly, it is inscribed in the research and the lines of work carried out in Portugal over the last two decades, which has been reflected on the sector of culture and heritage to contribute for monitoring of public policy in this sphere. The proposal invests, thereby, in the mobilization of research experiences and in the capitalization of the heap of knowledge produced upon the cultural sector with a view to better understand their dynamics, mutations and possibilities. To this framework of knowledge, joins the existence of a diverse experience at European level that will serve as a counterpoint and touchstone for the construction of conceptual proposals.

Thanks to our member Ricardo Moreira*, the abstract of this study will be published on very shortly. 

*Ricardo Moreira is an economist, with an innovation masters and doing a PhD crossing arts and business, that from an early stage in his career has focus his work in the cultural sector. He has done consultant work for small to big cultural entities, from art associations to national museums, creative industries companies and cultural heritage institutions and has done master classes in the major Portuguese universities regarding arts and business. Simultaneous he has taking part in research projects in the same field studying the impact of management in the cultural sector and the impact of art mind cognition in business. At a national level Ricardo Moreira has coordinate three national studies, two for the national government and one for the Portuguese dance network, in the fields of contemporary art and cultural heritage.

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Culture and Museums in the Winds of Change: The Need for Cultural Indicators

A recent and fascinating conversation with our member Douglas Worts* reminded me how important his contribution is to the world of museums. So I wanted to share with our members and our readers some of his contributions, starting with this exciting article where the road to a different sustainability for museums is clearly shown.

Culture and Museums in the Winds of Change: The Need for Cultural Indicators

Abstract: How individuals live their lives, within the context of personal and collective values, expresses their living culture. Societies may be made up of people with different ethnocultural backgrounds, socio-economic profiles or spiritual orientations, but they share certain common cultural frameworks (e.g., democratic governance, rules of law, conventions of business, principles of equity for all, etc.) of what is increasingly a globalized, pluralized, and urbanized present. Culture is often thought of as either the historical traditions of a group, or else as certain types of activities (e.g., dance, theatre, celebrations, rituals, etc.) and objects (e.g., art, artifacts, clothing, etc.). Meanwhile, cultural organizations are characterized as specialized places of expertise that provide selected kinds of experiences and services to the public – normally available for consumption during leisure time. This article argues that the heart of living culture is to be found not in specialized types of objects, leisure-time experiences, ethnocultural traditions, or cultural organizations but, rather, in its processes of human adaptation in a changing world. The author uses the lens of culture to examine how humanity understands and attempts to manage change within its sphere of influence. How can we best measure the cultural well-being of our societies, our organizations, and ourselves? The overarching notion of global/local sustainability provides the grounding point for considering how best to foster a ̳culture of sustainability‘.

Keywords: Museums, cultural well-being, culture and sustainability, adaptive renewal, cultural indicators

You can read and download the full article here.

Douglas Worts

*Douglas Worts (pronounced Werts) is a culture & sustainability specialist, with WorldViews Consulting, a Canadian consulting firm, and an Associate of The AtKisson Group, which is a global network of sustainability planners, educators and consultants.

He holds a specialist degree in History of Art (University of Toronto) and a Masters Degree in Museum Studies (University of Toronto).

For over 30 years, he has worked in and around museums (Art Gallery of Ontario – 25 years) – specializing in experimental exhibit design, education programming, community engagement and audience research, where he explored the potential of artworks and heritage materials to stimulate viewer creativity and ‘meaning-making’. He has spoken and published widely, including activities in North America, Europe, South America, Australia and New Zealand on a range of museum, culture and sustainability-based topics. In 1997, Douglas was invited to join Leadership for Environment and Development (LEAD International), which is a global, cross-disciplinary network of over 2500 professionals from more than 80 countries, who have been trained in and promote local/global sustainability. Douglas’ particular focus these days revolves around the belief that, regardless of technological innovation, new economic policy and governance frameworks, human beings will only achieve a sustainable future if there are foundational shifts at the cultural level. This is no mean feat given the impacts of globalization, pluralization and urbanization on all cultures. However, there is great potential for artists and organizations within the cultural sector to stretch beyond the leisure-time economy and become significant players in stimulating deep reflection, dialogue and action related to fostering a ‘culture of sustainability’ across all sectors of our society. Critical to achieving this will be the development and use of cultural ‘measures of success’ that provide meaningful and effective feedback loops to ensure the work of artists and arts organizations are directed at individual and societal leverage points that produce greater public awareness and engagement.

Douglas lives in downtown Toronto.

Personal Website:

Business website:

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Un nouveau référentiel pour la culture ? Pour une économie coopérative de la diversité culturelle

Ouvrage Philippe Henry

Les mutations de ces dernières décennies sont autant culturelles que strictement économiques et sociales. Les modes de production et d’échange de nos ressources symboliques s’en trouvent profondé- ment transformés et notre conception d’un art émancipateur, héritée du xxe siècle, largement questionnée.

En s’appuyant sur des expérimentations souvent peu connues, l’ouvrage illustre cette situation et analyse la question centrale de la construction de nos identités culturelles. La problématique de la diversité culturelle forme désormais le nouveau socle d’une pensée et d’une action politique publique de la culture. Elle est néanmoins confrontée à des inégalités et des fractures culturelles aujourd’hui croissantes.

Dans ce nouveau contexte, de nouvelles modalités collaboratives peuvent être repérées qui plaident pour la prise en compte d’une économie coopérative dans le champ de la culture, au même titre que pour l’affirmation d’une gouvernance participative.

Au final, l’ouvrage développe une approche volontairement généra- liste et didactique de mise en perspective des rapports qui se renou- vellent sous nos yeux entre l’art, la culture et la société. Avec pour visée de vouloir inventer un monde moins insoutenable et plus humain.


Philippe Henry est maître de conférences HDR à la retraite de l’Université Paris 8 – Saint- Denis. Il poursuit ses recherches sur la spécificité de l’économie des biens singuliers dans le domaine artistique. Il a notamment publié en 2009 Spectacle vivant et culture d’aujourd’hui. Une filière artistique à reconfigurer aux Presses Universitaires de Grenoble.

Un nouveau référentiel pour la culture ? Pour une économie coopérative de la diversité culturelle

Collection la culture en questions

Parution janvier 2014

Prix public 17,50 €

Format 12,5 x 19 cm

Pagination 256 pages

ISBN 978-2-916002-28-6

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Partenariat public-privé : vers un nouveau modèle de développement culturel

Promouvoir la culture auprès du plus grand nombre ; trouver les clés de la démocratisation de la culture : telles sont les ambitions des politiques culturelles françaises depuis plus de 50 ans.

De plus en plus, nous voyons naître sous de nouvelles formes des initiatives visant à inviter le citoyen à s’engager dans la vie culturelle locale : manifestations grand public, journées de gratuité dans les musées et centres d’art, villes – capitales de la culture, projets participatifs, etc. D’une certaine manière, c’est à une « événementialisation » des arts plastiques que nous assistons pour maintenir et faire valoir l’engagement de la France en matière de culture.

Mais développer l’économie culturelle et, par la même, l’accès à la culture en période d’austérité, n’est pas chose aisée.

A l’heure où les coupes budgétaires sont de rigueur avec une baisse des subventions de 2,8% en 2013, les institutions culturelles ont besoin de repenser leur modèle économique et diversifier leurs sources de financement pour non seulement garantir un niveau de fréquentation stable leur permettant d’envisager une situation économique pérenne mais également car l’État n’est plus le seul à pouvoir porter la notion d’intérêt général et de démocratisation de l’art chère à André Malraux.

L’essor du mécénat en France, au début des années 60, ainsi que la fiscalité avantageuse de 2003 ajoutent des acteurs supplémentaires dans la promotion des Arts et du Patrimoine.

Si les politiques culturelles œuvrent toujours dans le sens d’une diffusion des arts plastiques au plus grand nombre, ces dernières années ont été marquées par une « privatisation » du secteur culturel. Avec près de 25 000 entreprises et 5 millions de foyers mécènes, ce sont près de 3,2 milliards d’euros de dons que l’on recense en 2012.

Si financements privés et financements publics cohabitent désormais, il est de la responsabilité des deux parties, acteurs privés et publics, de trouver un équilibre entre développement de nouvelles infrastructures culturelles, entretien et sauvegarde de notre Patrimoine, et concentration de nos moyens sur les structures existantes pour une meilleure adaptation de l’offre aux publics.

La contraction des budgets privés et publics amène alors chacun à repenser ses marges de manœuvre et fait apparaître de nouvelles pistes à explorer en matière de financements : mécénat de compétence, social ou de particuliers, fonds de dotation, leasing, participation au capital d’un financeur culturel, etc. Ces méthodes, déjà ancrées dans le système économique d’autres pays (comme par exemple les Etats-Unis), font leur apparition en France depuis quelques années.

Mais le mécénat n’étant pas là pour se substituer à l’engagement de l’État, la question de la démocratisation est donc, avant tout, intimement liée à l’orientation de nos politiques culturelles publiques ; car c’est d’abord aux lieux et aux acteurs culturels de savoir capitaliser sur ce qu’ils peuvent vraiment apporter en la matière. De fait, afin de répondre aux nouveaux enjeux économiques des établissements culturels et attirer toujours plus de visiteurs, des partenariats public-privé voient le jour. Des entreprises privées sont désormais mandatées pour gérer musées et monuments confiés par les institutions publiques.

Ces entreprises expertes disposant de compétences spécifiques accompagnent les établissements dans leur gestion propre et proposent des services allant de la mise en place d’équipes spécialisées jusqu’à la dynamisation de projets culturels, éducatifs et touristiques.

Car, comme beaucoup d’établissements l’ont compris, la « popularisation » de manifestations culturelles connait ses limites si elle n’est pas accompagnée d’une politique d’accueil et d’accompagnement des publics dans la durée ou de programmes éducatifs adaptés. Repenser le mode de fonctionnement des établissements culturels pour être davantage en phase avec le marché de l’art et les attentes du public : voici la réflexion à engager entre acteurs culturels et contributeurs privés.


Marlène Dejean*

*Titulaire d’une licence en histoire de l’art et d’un Master 2 en communication, Marlène Dejean a travaillé en tant que Responsable de projet dans le secteur de l’événementiel BtoB et BtoC pour le Groupe LVMH et le Groupe Starwood.

Sa quête permanente de sens l’amène au poste de Responsable de projet Brand Content chez BETC où elle prend en charge la définition de stratégies éditoriales et la création de contenus print et vidéo pour les marques suivantes : Accor, Club Med, Crédit Agricole, Total…

« Aimantée » de tout temps par la culture, elle rédige en 2012 un mémoire sur les relations entre démocratisation de l’art et politiques culturelles.

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Agir politiquement en faveur d’une culture humaniste à partir d’un principe de réalité

Pour une réelle prise en compte de la pluralité et de l’interaction culturelles

Lors de son 6ème séminaire, l’Institut de Coopération pour la Culture a souhaité approfondir les notions d’interculturalité et de multiculturalité largement utilisées aujourd’hui dans le secteur culturel. S’il existe une importante bibliographie dans plusieurs champs théoriques, les textes de présentation et d’analyse d’expériences concrètes sont plutôt rares. En effet, il nous a été particulièrement difficile de trouver des présentations d’expériences qui soient suffisamment précises pour envisager un travail d’exploration. Finalement, l’expérience de la médiathèque André-Malraux de Strasbourg a servi de point de départ à nos réflexions. Nous nous sommes appuyés sur deux textes : le premier paru dans la revue Culture et Recherche intitulé « À Strasbourg, des médiathèques tournées vers les interculturalités », et le second paru dans le Bulletin des Bibliothèques de France portant sur « Le développement de la lecture publique dans la communauté urbaine de Strasbourg ». Nous sommes certains que de très nombreux projets se développent sur les territoires. Cependant peu d’entres eux se sont engagés dans une phase approfondie d’analyse et de publication.

Nous sommes partis de l’hypothèse que ce type de lieu ancre nécessairement son action, tout au moins en partie, dans l’interculturalité. Les données concernant plus particulièrement la médiathèque André-Malraux de Strasbourg nous ont offert cette opportunité. La présentation de cet équipement, annonçant justement une polarité sur les interculturalités, a permis de repérer plusieurs lignes directrices du projet et d’alimenter nos propres réflexions : que faut-il entendre par la notion au singulier d’interculturalité, ou plutôt à celle au pluriel d’interculturalités ? En quoi cette approche permet-elle de positionner autrement les établissements culturels et artistiques ? Comment comprendre ce qui relève de l’interculturalité et de la multiculturalité ? Quels liens peut-on établir avec les problématiques relatives à la diversité culturelle ? Quels enseignements pouvons-nous tirer de cette expérience et quels principes génériques pourrions-nous dégager pour que l’interculturalité devienne, comme l’indique Madame la Ministre de la Culture dans un article paru récemment, le fondement d’un nouveau pas de citoyenneté, un nouveau pacte culturel (Filippetti, 2013?

Pour télécharger la contribution de l’Institut, cliquez ici.

Pour consulter toutes les contributions de l’Institut, cliquez ici ou ici.

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CultiZer est un projet dédié à la culture et se propose d’accompagner les opérateurs culturels dans la définition et la mise en oeuvre de leur communication, notamment sur Internet (publicité en ligne, conseil en communication, vente en ligne etc.).
CultiZer est un projet d’économie sociale et solidaire porté par les têtes de réseaux culturels en Languedoc-Roussillon.
Il s’accompagne d’une plateforme d’informations culturelles mise gratuitement à disposition du grand public :

CultiZer est le nouvel outil numérique d’information et de médiation culturelle. Sous forme de quatre sites Internet, cet espace web propose et dispose de toute l’activité culturelle de la région Languedoc-Roussillon.

CultiZer se veut être un accélérateur pour la culture et la connaissance du secteur artistique et culturel sur la région. Ce nouvel outil s’inscrivant dans les Nouvelles Technologies de l’Information et de la Communication (NTIC) s’adresse au grand public, aux professionnels culturels et aux créateurs sur un territoire régional aussi varié que contrasté.

CultiZer a pour ambition d’améliorer l’accès à la culture pour les habitants du Languedoc-Roussillon.

Il est donc un outil de médiation visant à :

  • Diversifier les publics du champ culturel
  • Réduire les inégalités d’accès à la Culture
  • Développer l’intérêt des publics vers d’autres secteurs culturels
  • Inscrire de manière pérenne l’outil numérique dans une logique d’aménagement et de valorisation culturels sur la région

Quatre outils, quatre usages contemporains du web

CultiZer s’articule autour de quatre outils technologiques au service du patrimoine humain, complémentaires et interconnectés :

  • CultiZone, un moteur de recherche simple permettant à tout moment de connaître, à une période donnée, les évènements ou les activités culturelles de la région Languedoc-Roussillon. Un moteur de recherche avancé ainsi qu’un moteur de recherche par géolocalisation permettent aux « CultiNautes » de trouver, en quelques clics, les activités accessibles dans un rayon géographique donné.
  • CultiVore, une médiathèque virtuelle basée sur un agrégateur de contenus. Cette base d’informations est construite de la manière la plus riche possible rassemble tous les supports multimédias en un seul endroit sur le web.Cette médiathèque se base sur la qualité des informations apportées par les partenaires du projet. Elle réunit vidéos, images et sons pour offrir à l’utilisateur un large panel d’information : interviews d’artistes, reportages, extraits de spectacles permettant la simple lecture ou la découverte approfondie de contenus culturels.
  • CultiZ’Me, un espace personnel placé au coeur des réseaux sociaux actuels. Cet outil propose aux internautes de gérer leur activité culturelle et de la partager auprès de leurs amis, de leurs proches avec la qualité des informations « cultizées ».
  • CultiQuizz, un univers de jeux pour découvrir de manière conviviale et amusante les richesses culturelles de la région Languedoc-Roussillon. Les Internautes auront loisir à remporter des « CultiZ » dans le but de profiter d’avantages et de cadeaux proposés par les acteurs et lieux culturels de la région Languedoc-Roussillon. Il est un outil de médiation ludique pour la découverte épanouissante des richesses de la région.

Lors du dernier DigiWorld Summit de l’Idate à Montpellier en novembre 2012, CultiZer fut lauréat du Challenge TIC-Culture organisé par Sud de France Développement. Le projet a été primé pour la qualité de l’exercice et la valeur ajoutée apportée aux travers des technologies numériques à la culture.

Afin de mieux cerner les besoins des opérateurs culturels et de proposer une offre qui leur soit toujours plus utile, une enquête a été mise en ligne. Pour y participer, cliquez ici.

Le projet bénéficie des financements suivants :

  • du Conseil Régional Languedoc-Roussillon
  • du Ministère de la Culture et de la Communication dans le cadre de l’appel à projets 2012 « services numériques culturels innovants »,,
  • du Feder (Fonds Européen de Développement Régional) en Languedoc- Roussillon dans le cadre de l’appel à projets 2011 « Culture numérique ».

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Rencontre nationale Coopérations politiques, culturelles et territoriales : bilan et perspectives

La loi sur les Etablissement Publics de Coopération Culturelle a 10 ans ! Le temps d’un bilan et surtout de perspectives sur les coopérations politiques, culturelles et territoriales.

Le  Comité national de liaison organise cette rencontre nationale sur les problématiques de coopérations. Au cœur des débats sur la réforme de l’action publique, quelles perspectives les coopérations existantes ouvrent-elles en matière de gouvernance et de responsabilités? Quels principes pourrions-nous alors retenir pour mieux qualifier l’intérêt général et le service public de la culture portés par ces coopérations ?

Cette rencontre est structurée autour de 4 tables rondes:


Yvon GOUTAL, avocat spécialiste en droit public et Michel GUERIN, directeur de l’Observatoire des politiques culturelles de la Communauté française de Belgique nous accompagneront dans nos réflexions.

Une délégation de la Commission Culture du Sénat et des représentants du Ministère de la Culture seront présents.  Nous travaillons dans la perspective d’une amélioration de la loi sur les EPCC et d’une contribution aux débats sur la réforme de l’action publique.

Pour la première fois, nous avons invité les directeurs et administrateurs (salariés) des 150 EPCC existants et en projet, les membres des conseils d’administration des EPCC membres du Comité, et nous l’espérons plusieurs associations d’élus (notamment ARF, ADF, AdCF, FNCC, AMGVF). Merci de nous aider à diffuser cette information.

Une participation aux frais de 30€ par personne est demandée

Programme et bulletin d’inscription


Rencontre nationale Coopérations politiques, culturelles et territoriales: bilan et perspectives 

Mardi 10 décembre 2013 Rennes

Lieu : Les Champs Libres

Accueil à partir de 9H00

Coréalisation  avec Spectacle vivant en Bretagne, Livre et lecture en Bretagne et les Chemins du Patrimoine en Finistère.



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Ne manquez pas la troisième édition de MUSEOMIX !


Les 9, 10 et 11 novembre prochain aura lieu, à Paris, Lyon, Nantes, Grenoble, Québec et Shropshire, la troisième édition de Muséomix.

Muséomix c’est un « marathon créatif » pour dépoussiérer les musées. Depuis 3 ans, Muséomix réunit la communauté des professionnels des musées, des acteurs de l’innovation et du numérique, ainsi que des amateurs et passionnés d’art et de culture pour penser, ré-inventer et vivre «son» expérience du musée.

Pendant 3 jours, les participants, accompagnés de plusieurs pôles d’expertises créent et expérimentent des dispositifs de médiation culturelle numérique pour transformer le musée en un lieu ouvert et accessible à tous. Lors d’une 4ème journée, les dispositifs sont installés in situ, dans les musées, pour un temps de dialogue et d’échange entre les concepteurs et le public.

 Dans une démarche de co-création, il propose de créer une nouvelle manière de vivre le musée. Pendant quatre jours, les participants, accompagnés de plusieurs pôles d’expertises, créent et expérimentent de nouveaux dispositifs de médiation culturelle, avec un ensemble de technologies à disposition et un atelier de fabrication numérique. Les prototypes créés et installés par les participants sont ensuite testés par les visiteurs à partir de dimanche 10 novembre à 16h00.

A cette occasion l’entrée du musée et de l’exposition « en guerres » sera gratuite le dimanche 10 novembre à partir de 16h et lundi 11 novembre toute la journée.

En savoir plus

Découvrez la troisième édition à travers ces vidéos :

Cette année, vous pourrez également suivre l’événement en live depuis notre site et sur les réseaux sociaux :

Un événement co-organisé par le Château des ducs de Bretagne, la Société d’Aménagement Ouest Atlantique (SAMOA) et le Cluster du Quartier de la création.

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Spectacle vivant : l’ancrage dans les territoires, atout ou boulet ?

Le ministère de la Culture publie, dans le dernier numéro de sa lettre « Culture études » (octobre 2013), une étude originale intitulée « Quel(s) territoire(s) pour les équipes artistiques de spectacle vivant ? ». L’étude, à dominante sociologique, s’appuie sur une hypothèse centrale : « Le rapport au territoire des équipes artistiques est déterminé conjointement par la structuration et le fonctionnement de l’espace culturel régional et par la position, la trajectoire et les stratégies professionnelles des équipes elles-mêmes (et/ou des artistes qui les composent) ». 
En d’autres termes, il s’agit d’explorer et d’expliciter les liens qui unissent – ou non – une équipe artistique de spectacle vivant et son territoire. Plus prosaïquement, « l’enjeu est ici de comprendre dans quelle mesure et de quelles manières des artistes peuvent trouver, là où ils sont, les ressources nécessaires pour vivre de leur art, de leurs spectacles ».

Un monde très hiérarchisé

Pour cela, l’auteur – docteur en sociologie et chercheur associé au laboratoire Sociétés, acteurs et gouvernements en Europe (Sage) de l’université de Strasbourg – a mené ses investigations dans deux régions : l’Alsace et la Lorraine. 
Dans un premier temps, l’étude dresse un portrait de l’espace culturel de diffusion du spectacle vivant, qui apparaît comme un lieu à la fois structuré et hiérarchisé. Elle distingue trois réseaux concentriques : un réseau primaire – correspondant à l’industrie du spectacle (grandes salles privées) et aux scènes labellisées -, un réseau secondaire regroupant lui aussi des salles privées et des établissements soutenus par l’Etat et/ou les collectivités territoriales et, enfin, un réseau parallèle de diffusion, à la marge du champ artistique (employeurs privés occasionnels, cafés, Education nationale…). Au final, un système pyramidal très hiérarchisé, avec un accès difficile, voire très difficile, au sommet et, à l’inverse, un accès aisé et des opportunités nombreuses dans le réseau parallèle, avec pour contrepartie une faible visibilité.

« La mécanique complexe du rapport au territoire »

L’étude s’attaque ensuite à « la mécanique complexe du rapport au territoire ». Le terme « complexe » n’est pas usurpé, tant les interactions et les contradictions sont nombreuses. Ainsi, il apparaît une contradiction – au demeurant pas forcément insurmontable – entre l’attachement au territoire, qu’il soit volontaire ou subi, et la mobilité nécessaire à la création artistique. Comme l’explique l’auteur, « l’enjeu est d’articuler un ancrage territorial, comme base de production, avec un élargissement du réseau de diffusion au-delà de la région d’implantation afin de gagner en visibilité auprès des professionnels et des médias ». 
Sur le premier volet de l’ancrage, l’étude pointe notamment la concentration des équipements, notamment sur les métropoles régionales. Elle relève aussi l’obligation du travail avec les publics, écoles ou établissements locaux, qui est souvent la contrepartie du financement des collectivités : « le travail qui suit l’obtention de l’aide publique contribue à renforcer encore l’attachement au territoire ». Mais l’étude montre aussi la dimension positive de cet attachement au territoire, qui a souvent « un fondement affectif ».

La mobilité, moyen de survie économique et facteur d’épanouissement

Il reste que cet attachement, volontaire ou non, au territoire, entre en contradiction avec la mobilité, qui est aussi « un moyen de survie économique ». La pérennité de nombreuses équipes ne tient en effet qu’à leur capacité à vendre leurs représentations, alors que le marché local ou régional se révèle souvent insuffisant, surtout pour des productions « pointues ». La mobilité est aussi un facteur d’épanouissement professionnel – et de lutte contre la routine -, à travers les horizons qu’elle ouvre et les contacts qu’elle procure. 
L’étude s’achève par une tentative de segmentation et de représentation graphique du rapport au territoire des équipes artistiques selon leur niveau d’intégration professionnelle. Au final, un travail original et stimulant, dans lequel les acteurs du spectacle vivant et les collectivités territoriales ne manqueront pas de se reconnaître, bien au-delà des deux régions étudiées. 

Jean-Noël Escudié / Localtis

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Pour repenser les enjeux culturels publics

Jjean-michel_lucas_opinionean-Michel Lucas s’est livré à un exercice de synthèse de l’ossature de l’argumentaire qu’il défend pour repenser les enjeux des politiques culturelles publiques, loin des approches actuelles repliées sur les enjeux particuliers du secteur comme des territoires.

Il en rappelle ici les balises universelles de la responsabilité culturelle publique dans une société soucieuse du développement des droits  humains.


A – Une éthique culturelle à quatre balises

Pour repenser les enjeux culturels publics, l’argumentaire développé ici repose sur le lien indissociable entre « culture » et « humanité ».

1 – Son point de départ est la Déclaration Universelle des droits de l’homme de 1948 pour laquelle l’idée même d’humanité impose que les êtres humains soient libres et égaux, en dignité et en droits, dotés de raison et faisant preuve de solidarité. Cette éthique publique universelle est la première balise indépassable : elle considère que pour faire humanité ensemble les personnes doivent être reconnues dans leurs droits fondamentaux à la liberté, à la dignité.

2 – La deuxième balise éthique s’en déduit : chaque être humain porte ses convictions, ses valeurs, ses croyances, sa manière de saisir le monde à travers son identité culturelle singulière. Nul ne peut lui dénier sa « culture » sans porter atteinte à sa liberté et à sa dignité, sans l’exclure de l’horizon commun de l’humanité. Chaque personne étant libre, elle échafaude son identité culturelle à sa façon, laquelle évolue au gré des relations avec les autres. Cela signifie que la personne n’est pas astreinte à une identité figée une fois pour toutes [1].

3 – La troisième balise impose que s’organise le maximum d’interactions entre toutes ces identités culturelles.

La légitimité accordée aux identités culturelles ne vaut que si les relations entre les personnes conduisent à la reconnaissance réciproque des unes par les autres. C’est la condition du vivre ensemble qui nécessite que la personne ajuste sa liberté et sa dignité culturelles à la liberté et la dignité culturelles des autres personnes. C’est en ce sens que la politique culturelle publique doit inévitablement considérer que « faire culture », c’est faire humanité ensemble, selon la définition de la culture de la Déclaration de Fribourg sur les droits culturels [2] : la première responsabilité culturelle publique est de favoriser ces interactions réciproques entre les identités culturelles des personnes pour progresser vers une meilleure humanité [3]. Les politiques culturelles de l’Etat comme des collectivités devraient donc résister à leur enfermement dans une approche sectorielle des offres et des besoins de produits fabriqués par les professionnels des disciplines artistiques !

4 – La quatrième balise est celle de l’accès à plus d’autonomie. Certes, chaque identité culturelle singulière puise dans les références des groupes qui ont vu naître et grandir la personne ; mais l’espace public, par les interactions de reconnaissance qu’il suscite entre les identités culturelles, doit permettre à chacun de devenir un peu plus autonome dans ses choix culturels. L’enjeu public universel est de préserver « l’attachement » des personnes à leurs cultures d’origine pour mieux favoriser leurs « arrachements » nécessaires pour qu’elle s’affirment comme des personnes singulières [4]. La finalité est l’émancipation de la personne en humanité, au delà de son épanouissement individuel. Cet argumentaire conduit à affirmer que la politique publique doit renoncer à penser en terme d’identités culturelles collectives (identité du territoire, du groupe ethnique, de la religion..) comme si la personne était condamnée à subir le référentiel culturel des collectifs qui l’ont vu naître. Au mieux, on parlera « d’identifications » multiples de la personne aux collectifs qui nourrissent son identité, en veillant que soit respectée la balise de la liberté.

B – Ces balises de l’éthique publique de la culture étant posées, quelle est leur portée dans la pratique politique ?

1- Aucune réalité pratique ne pouvant être conforme aux principes, il y a TOUJOURS à discuter. Toujours à débattre sur ce qui est « bien » pour une identité culturelle et « mauvais » pour l’autre ! Les quatre balises doivent être considérées comme des points d’appui partagés (universels) pour guider les discussions publiques vers une décision qui permettra de faire un peu mieux humanité ensemble. Il s’agit d’organiser la « palabre » en confrontant les identités culturelles des personnes. La palabre est impérative pour accéder aux nécessaires interactions réciproques, bien au delà des formules simplistes de la participation citoyenne au bien commun. Les 4 balises sont les points de repère qui permettent d’apprécier si les compromis partiels issus de la discussion collective permettent le développement des droits humains. En ce sens un bon compromis devra être porteur de plus de droits humains conduisant les personnes à accéder à plus de liberté, plus de dignité, plus de relations de reconnaissance réciproque avec les autres, plus de capacités à agir et réagir pour plus d’humanité ensemble. Cette vision de l’humanité (approche ABDH [5]) a des conséquences immédiates sur la conception du développement de la planète. Elle met la personne et ses libertés au premier rang pour bâtir l’avenir et ne se contente pas de penser le développement en terme de réponses à de simples besoins. Comme le dit SEN : « si l’importance des vies humaines tient aussi à la liberté dont nous jouissons, l’idée de développement durable est à reformuler en conséquence » [6]. En ce sens, le respect des 4 balises impose de concevoir le développement durable comme un développement humain durable. [7]

C’est une quête éthique à ré-affirmer chaque jour et partout, puisque l’idéal des Droits Humains restera toujours un horizon à conquérir. D’où l’importance stratégique de la politique culturelle en démocratie.

2 – La palabre doit être correctement organisée. Elle doit être acceptée comme forme de négociation fondée sur la discussion « libre, ouverte et documentée » [8] sur la base d’arguments aussi rationalisés que possible. Chacun doit pouvoir disposer des outils permettant l’expression de ses « bonnes raisons » d’affirmer sa liberté, sa dignité et ses intérêts ! La polémique entre les identités et les différentes formes d’expression des conflits doit laisser place à la discussion démocratique et raisonnée entre les personnes (seules ou en groupes). Loin d’être une perte de temps pour l’action, cette démocratie, comme gouvernement par la discussion, est la condition d’une meilleure reconnaissance réciproque des identités culturelles, donc, du Mieux Vivre ensemble dans une société aspirant à devenir plus juste. Même s’il restera toujours de situations de conflits qui devront se résoudre autrement.

3 – Dans cette approche, les personnes sont alors « parties prenantes » des multiples délibérations de compromis qui forgent les règles de vie, formelles et informelles, de nos quotidiens. La société civile – notamment la vie associative – devient essentielle pour élaborer ensemble les standards du Vivre ensemble entre les identités culturelles des personnes – du pas de sa porte à son quartier, de sa ville à l’Europe ou au monde. Le plus d’humanité n’est pas seulement une affaire d’Etat car aucune personne n’est dispensée d’être un acteur du Vivre ensemble comme enjeu du développement des droits humains de chacun.

4 – Dans cette dynamique collective de relations entre les personnes, seules ou en groupes, la politique culturelle devra se préoccuper au premier chef des processus qui conduisent les uns et les autres à accéder à plus de reconnaissance de leur identité culturelle. Sa responsabilité sera de favoriser les trois formes concrètes de la reconnaissance : les gains de confiance en soi, liés aux relations d’empathie entre les personnes; les gains de respect de soi, liés au renforcement de droits à égalité de tous les autres ; les gains d’estime de soi, liés à la valeur particulière que les autres accordent aux activités de la personne.

5 – Une politique publique qui ignorerait les trois volets de la reconnaissance de la personne ouvrirait la voie à la société du mépris avec son cortège de « luttes pour la reconnaissance » par lesquelles les personnes s’affirment dans leurs identités culturelles à travers leur puissance d’agir ensemble. Cette dynamique des luttes pour la reconnaissance impose souvent des terrains de négociations inédits que la politique publique soucieuse du développement des droits humains doit savoir prendre en compte pour accéder à des compromis partiels, …. jusqu’aux prochaines tensions de reconnaissance.

 6 – Cette approche des enjeux culturels pour l’humanité accorde un rôle fondamental aux professionnels des arts.

a ) D’abord en application de la balise universelle de la liberté.

Les balises de la bonne humanité évoquée plus haut fixent les règles de réciprocité auxquelles chacun doit se conformer pour vivre ensemble. Mais par définition, ce compromis est inhumain car il fige l’expression de la liberté : s’il fallait que ces règles d’humanité demeurent inchangées, l’humanité ne le serait plus car elle poserait des interdits définitifs à l’expression des imaginaires. Or, la balise de la liberté d’appréhender le monde est universelle alors que les règles de la vie collective sont relatives aux circonstances.

Ainsi, la liberté d’expression artistique est là pour déplacer les bornes des compromis que la société humaine se donne à chaque moment, sur chaque territoire. C’est une responsabilité politique fondatrice des droits humains que de la garantir sous peine de sclérose de l’humanité.

b) En second lieu, l’enjeu de l’action collective est le développement des capabilités pour progresser vers une société plus juste où chaque personne peut, librement, mieux choisir « ce qu’elle a de bonnes raisons de valoriser ». (SEN) Si la personne se réfère toujours aux mêmes ressources culturelles, ses choix seront figés et réduits à la reproduction de l’identité culturelle stéréotypé des groupes auxquels elle se rattache. Pour faire toujours un peu mieux humanité ensemble, il est d’enjeu universel que les personnes puissent accéder à d’autres références, multiplier les interactions pour ouvrir de nouveaux parcours aux imaginaires et favoriser une plus grande puissance d’agir pour une meilleure reconnaissance. Pour pouvoir emprunter ces parcours d’émancipation, l’espace public (marchand ou non marchand) doit offrir aux personnes des opportunités de reconnaître le meilleur des disciplines artistiques. Il ne faut pourtant pas se tromper : si les professionnels du secteur artistique sont indispensables, seule la personne est légitime à débattre de ce qui accroît sa liberté et sa dignité de personne humaine SINGULIERE, sous peine de voir la politique culturelle « réifier » la personne en objet de marketing, en « public fidèle », en « habitant » ou « population éloignée de la culture.

c) Enfin, les responsables culturels publics devraient nécessairement s’assurer que les échanges marchands de produits culturels sont bien conformes aux enjeux de développement des droits humains des personnes. Ils ne devraient pas se contenter d’agir pour le développement des fréquentations des publics et des chiffres d’affaires des industries du secteur. En conséquence, ils devraient privilégier les organisations culturelles de l’économie solidaire qui garantissent le respect des quatre balises dans leurs relations aux personnes, en interne et en externe. Le développement des droits humains ne peut se contenter de la rentabilité marchande, même lorsqu’elle est répartie de manière plus juste.

Ainsi, l’enjeu culturel public ne relève pas d’une « exception » à la vie normale des êtres humains : il consiste à se mettre au service d’une humanité qui trouve plus juste que les personnes disposent de plus de libertés, de plus de dignité, de plus de capabilités, de plus de responsabilités pour faire un peu mieux « humanité ensemble ».

Jean-Michel LUCAS / Doc Kasimir Bisou* le 15/10/2013

Président de Trempolino, docteur d’Etat ès sciences économiques et maître de conférences à l’université Rennes 2 Haute-Bretagne dont il fut le vice-président de 1982 à 1986, Jean-Michel Lucas fut également conseiller technique au cabinet du ministre de la Culture Jack Lang de 1990 à 1992, où il y impulsa notamment le programme « Cafés Musiques ». Nommé Directeur régional des affaires culturelles d’Aquitaine en 1992, il mit en place une politique culturelle d’État en étroit partenariat avec les collectivités locales, et avec comme préoccupation de valoriser la place de la culture dans les politiques de la ville et des territoires ruraux. Ce « militant de l’action culturelle », connu sous le pseudonyme de Doc Kasimir Bisou, a participé à plusieurs projets sur le devenir des politiques culturelles et sur les légitimités dans lesquelles elles s’inscrivent. En Bretagne comme en Aquitaine, il fut par ailleurs à l’origine de nombreuses réalisations concernant les musiques amplifiées (RAMA, festival d’Uzeste, Rencontres Trans Musicales de Rennes…).




[1] On doit considérer que les identités des personnes sont « variées, plurielles et dynamiques », comme le dit la Déclaration universelle sur la diversité culturelle de 2001.

Voir site Unesco : URL_ID=13179&URL_DO=DO_TOPIC&URL_SECTION=201.html

[2] Voir la déclaration sur le site

[3] Ce qui est étonnant c’est que le législateur français continue en 2013 à réduire la culture à des offres de produits sur les territoires (voir par exemple la commission des affaires culturelles sur la loi de décentralisation :

[4] Voir le précieux enseignement d’Alain Renaut dans « l’Humanisme de la diversité » éditions Flammarion.

[5] Voir l’Approche Basée sur les Droits de l’Homme en développement, ABDH-3.pdf

[6] Amartya SEN « L’idée de justice » Flammarion, page 306.

[7] Pour une démonstration détaillé voir JM Lucas et Doc Kasimir Bisou « Culture et développement durable » éditions IRma 2012

[8] Selon l’expression d’Amartya Sen dans « L’idée de justice » , (disponible en collection poche Champs).

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Lumières de la ville

Une nouvelle géographie de la ville émerge prenant en compte les multiples éléments composant ses paysages : densification de l’architecture à la verticale ; aménagement de places destinées à la flânerie, à la célébration, et aux échanges ; extension 24/7 de l’activité dans les grands centres urbains ; rationalisation de la circulation automobile et piétonne ; développement de nouveaux matériaux permettant d’élargir considérablement le spectre des interventions ; et par-dessus tout, un désir de réappropriation de la ville. Toute une nouvelle économie (Florida 2002, Schreuder 2012) se greffe à ce besoin de réaménagements de ces villes qui ne dorment jamais.

Dans ce nouveau paysage urbain, la lumière est appelée à jouer un rôle déterminant : illumination, invitation à la célébration, vecteur d’information, appel à la connectivité, lieu d’expression, et bien d’autres fonctions que nous proposons d’explorer dans le cadre de ce colloque.

Au cours des dernières décennies, les variations esthétiques et les innovations techniques accordant une place centrale à la lumière ont contribué à un important renouvellement de l’aménagement urbain qui se veut plastique et reconfigurable en fonction des périodes de la journée et des initiatives d’artistes et de designers d’événements. En parallèle, dans presque toutes les grandes villes, on observe que de nombreux lieux sont revisités ou réinvestis par les citadins, jeunes et moins jeunes, souhaitant maintenir un lien de connectivité via l’espace physique. Visant à donner un élan, une pulsation, et une touche à des quartiers délaissés en dehors des heures de travail, ils y développent des initiatives provoquant une expérience de la ville comme lieu de rencontre, scène de spectacle ou d’intervention.

Les lumières de la ville rejoignent cinq grandes fonctions, interconnectés, qui lancent de nouveaux défis et de nouvelles façons d’occuper et d’habiter la ville.

Monuments des nouvelles cités radieuses : révélation

Les grandes tours illuminées, ces lanternes urbaines modernes, auraient jeté dans l’ombre nombre de monuments de l’architecture ancienne et du décor urbain, tels que colonnes, arcs, murs, ponts, qui n’émettent pas de lumière et qui se perdraient dans la nuit noire, si, dès les années 1950, des concepteurs de la lumière (Leenhard, Garett, Chassy-Poulay, etc.) n’avaient pris soin de revaloriser ce patrimoine construit, en aménageant des projections et en créant diverses mises en scène, ou plutôt mises en lumière. Il ne s’agit plus simplement d’éclairer abondamment ces bâtiments en les ornant de guirlandes de lumières électriques disposées sur leur façade, ce qui se pratiquait déjà lors de grands événements et d’expositions universelles depuis celle tenue à Paris en 1900, notamment au Palais de l’électricité (Paquot, 2000). Le défi est plutôt de scénographier et de dramatiser des édifices ou des vestiges faisant l’objet de visites touristiques assidues le jour, mais désertés la nuit. Projections, découpes, magnifications, jeux d’ombres et de couleurs permettent de révéler la richesse de l’architecture, de souligner, voire d’accentuer certains détails et de raviver le passé historique des lieux (Roussely 2003). Ces animations nocturnes retiennent et guident le visiteur-spectateur dans des parcours, ou l’orientent vers des places où les projections se prolongent en son et lumière.

Lumière et aménagement urbain : célébration

De nombreuses villes tablent maintenant sur des installations lumineuses pour animer des secteurs de la ville délaissés le soir, ou pour créer des places de rassemblement où citadins et visiteurs peuvent flâner et découvrir une autre façon d’habiter la ville dont on a beaucoup critiqué la déshumanisation. Festivals de lumière, sons et lumière, projections, nocturnales, nuit blanche, quartiers de spectacles, light shows, moulins à images jusqu’aux feux d’artifice, fontaines et jeux d’eau remis aux goûts du jour, se succèdent et donnent lieu à d’importantes recherches sur la revitalisation nocturne de zones urbaines. Toute une industrie se développe en parallèle, générant de multiples innovations technologiques et de nouvelles formes d’art intégrant design, arts visuels, musique et arts médiatiques.

Du mur rideau à l’écran urbain : animation

Le mur rideau, cette grande façade vitrée théorisé par Gropius dès 1911, a progressivement verticalisé le phénomène de l’illumination de la ville, les gratte-ciels devenant eux-mêmes de grandes torches lumineuses la nuit. Phares étincelants dans le noir, ces grandes tours élevées pour gagner de l’espace sur le ciel et pour rehausser le prestige de leurs promoteurs, se sont progressivement éteintes, d’abord avec la crise de l’énergie en 1973, puis pour répondre aux préoccupations écologiques de plus en plus pressantes, recréant, en version urbaine nocturne, une forêt de profils fantomatiques. Ainsi, plusieurs emblèmes de la modernité et certains édifices à la facture désuète ou banale sont recyclés en scène de projections et rivalisent avec des architectures conçues pour être interactives.  Investis par les artistes, ces grands murs se transforment en surfaces adaptatives, qu’on nomme désormais media façades (Struppek), urban screens, media architecture(Tscherteu), media wall (Hall), responsive architecture (Bullivant).  La lumière ne sert plus ici à illuminer le monument ou l’édifice devenu écran. Incorporée dans des projections, elle crée des façades narratives ou spectaculaires devant concurrencer, dans une économie de l’attention (Simon),  avec l’affichage publicitaire déjà bien installé sur les axes commerçants animés la nuit.

De la façade à l’interface : connexion

Les progrès des technologies du multimédia pouvant dorénavant affronter les intempéries et le grand froid ; le perfectionnement des technologies des communications combinant le virtuel et le physique, le local et la distance ; la multiplication des événements publics ; l’émergence de la notion de flux comme paradigme (Chatonsky) ; le développement fulgurant des média sociaux ; le nomadisme urbain ou le sédentarisme branché, être chez soi partout avec le portable (Virilio) ; et le désir polymorphe de se regrouper et d’échanger sur la place publique ont récemment conduit à considérer des bâtiments comme supports et partenaires d’échanges qui s’y projettent y prenant littéralement le dessus.  Ces édifices, immenses portevoix et nouveaux véhicules d’échanges et de débats pouvant se dérouler à distance, érigent à la verticale l’art de la conversation et favorisent les connexions. L’architecture intègre alors l’espace médiatique et devient une plateforme de socialisation (Fatah 2012), ou la scène d’interactions sociales, de rencontres et de performances ludiques (Fatah 2010). L’architecture traditionnellement fixe et durable devient fluctuante, au rythme des flux d’informations, d’images et de messages qui y défilent, provenant d’individus, de groupes, reliés par les médias sociaux et par ces immenses écrans d’affichage que deviennent les édifices.

Lumières et poésie urbaine : représentation

Peintres, poètes, photographes et cinéastes ont célébré depuis des siècles les paysages nocturnes pour le mystère ou l’envoûtement qu’ils suggèrent. Certains ont dépeint les lumières de la ville pour restituer un milieu de vie palpitant et inspirant ou, au contraire, suggérer un symbole de perdition et d’isolement. Les artistes évoquent en cela un sentiment ambivalent très largement répandu. En effet, l’éclairage permet de faire reculer la nuit, de mater toujours un peu plus cette part d’inconnu et d’incontrôlé que représente la noirceur. Et en cela l’éclairage éveille et entretient une fascination paradoxale : la lumière qui fait pâlir la nuit noire la désigne à la fois comme effrayante et ensorcelante. Les représentations nocturnes de la ville rappellent combien le désir de transparence qui porte ultimement l’effort et le plaisir de l’illumination, alimente, en parallèle, un attrait irrésistible du noir. Même les œuvres illustrant des moments nocturnes jubilatoires très illuminés restent des éloges de la nuit. Certaines villes semblent d’ailleurs n’avoir été conçues que pour la nuit, Las Vegas par exemple. D’autres perdent leur charme à la levée du jour. Plusieurs œuvres emblématiques, littéraires, iconiques ou cinématographiques ayant contribué à créer un registre et à consacrer certains types de ville seront examinées.

Le dossier présenté ici recoupe, illustre et relance toutes les questions soulevées par cette mise en lumière.  Cette thématique sera reprise sur diverses plateformes. Nous souhaitons donc engager un dialogue avec les lecteurs intéressés par le sujet et qui pourront, nous l’espérons, prolonger et alimenter le sujet. Bonne lecture.

Louise Poissant


Louise Poissant, Docteur en Philosophie, doyenne de la faculté des arts de l’UQAM, les recherches que Louise Poissant a menées au cours de sa carrière sont essentielles dans une ère où les mutations médiatiques se diffusent et s’immiscent dans les processus de créations artistiques. Elle a su cerner les enjeux pratique, théorique et esthétique que sous-entend l’utilisation des médias comme médium.
Louise Poissant, est professeur à l’École des arts visuels et médiatiques de l’UQAM où elle dirige le Groupe de recherche en arts médiatiques (GRAM) depuis 1989. De 2001 à 2006, elle a dirigé le Centre interuniversitaire des arts médiatiques, le CIAM qui regroupe des chercheurs de Concordia, de l’U de Montréal et de l’UQAM. Elle est l’auteur de nombreux ouvrages et articles dans le domaine des arts médiatiques publiés dans diverses revues au Canada, en France et aux États-Unis. Entre autres réalisations, elle a dirigé la rédaction et la traduction d’un dictionnaire sur les arts médiatiques publié aux PUQ en français, et en anglais, par sections dans la revue Leonardo aux MIT Press. La version électronique disponible depuis 1997 sera prochainement doublée d’une ontologie. Cette version électronique implique la participation d’artistes de la communauté internationale dont des extraits d’œuvres sont présentés. Elle a coscénarisé une série sur les arts médiatiques en collaboration avec TV Ontario et TÉLUQ et collabore à une série de portraits vidéos d’artistes avec le Musée d’art contemporain de Montréal.

Cette publication a été rendue possible grâce au soutien financier d’Hexagram|CIAM, du groupe de recherche des arts médiatiques (GRAM), de la Faculté des arts de l’UQAM, de la Chaire du Canada en esthétique et poétique de l’UQÀM (CEP), ainsi qu’à une subvention, pour une douzième année consécutive, du Conseil des arts du Canada (CAC).

Source : Archée

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Influence and attraction : culture and the race for soft power in the 21st century

Culture and the race of sof power

The British Council has published a report on the changing status of cultural diplomacy and so-called « soft power » in the world. It describes the shift of cultural influence from Western centres in North America and Europe toward BRIC countries and other emerging economies. While countries such as the United Kingdom are scaling back their cultural programmes aimed toward influencing an international audience (for example, the British Council), countries such as Brazil and China are rapidly expanding their own equivalent programmes. China has transformed itself from having no international cultural institutions in 2004, to having over 322 Confucius Institutes worldwide in 2011 and surpassing former leading countries such as France, Britain and Germany.

The report stresses the importance of culture in modern diplomacy, but also discusses its changing nature. Cultural diplomacy is currently shifting from the old government-dominated system to a system where the leading roles are taken by NGO’s, foundations and individual citizens. Social media and popular culture are also seeping into the cultural diplomacy field, and events which would be regarded as trivial and insignificant before now influence global politics (the report gives the example of Gordon Brown’s official visit to India during which he had to respond to allegations of racism in the British Big Brother television show). The report predicts that in the future the direct involvement of governments in cultural diplomacy will diminish and that the role of NGO’s and peer-to-peer contact will increase.

By John Holden, edited by Mona Lotten. British Council, 2013, 42 pages

To view the report, please visit:

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Le poids économique direct de la culture

Etude DEPS

En 2011, les branches culturelles totalisent une production de 85 milliards d’euros et une valeur ajoutée de 40 milliards d’euros. La production culturelle se partage entre une partie marchande (69 milliards d’euros), issue de la vente des biens et services culturels des entreprises, et une partie non marchande (16 milliards d’euros), qui correspond, par convention, aux coûts de production des administrations, établissements publics et associations dans le domaine culturel.

Le poids économique direct de la culture, mesuré comme le rapport entre la valeur ajoutée des branches culturelles et celle relative à l’ensemble des branches, est de 2,2 % en 2011. Il ne prend pas en compte les retombées économiques indirectes ou induites par la culture (tourisme par exemple). Jusqu’en 2003, le poids économique direct en valeur de la culture a augmenté. Il est en recul depuis 2004, ce qui est principalement à relier au repli de l’activité dans certaines industries culturelles (édition, presse, disque).

En 2011, l’audiovisuel (radio, cinéma, télévision, vidéo, disque) concentre un quart de la valeur ajoutée culturelle. Le spectacle vivant et le patrimoine, branches majoritairement non marchandes, concentrent respectivement 18 % et 11 % de la valeur ajoutée. La progression au cours des quinze dernières années de la part en valeur du spectacle vivant est principalement due à l’augmentation des prix dans cette branche. À l’inverse, le livre et la presse ne concentrent plus que 15 % de la valeur ajoutée culturelle en 2011, contre 26 % en 1995. Les autres branches culturelles  (agences de publicité, architecture, arts visuels, enseignement culturel) contribuent dans leur ensemble à un tiers de la valeur ajoutée culturelle.

Yves JAUNEAU, coll. « Culture chiffres », septembre 2013, 12 p.

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Atlas de l’influence française au XXIe siècle


L’Institut français et les éditions Robert Laffont publient l’Atlas de l’influence française au XXIe siècle. 55 personnalités du monde diplomatique, de la recherche ou de la culture ont apporté leur contribution à cet ouvrage de géopolitique qui comprend 48 cartes.

Conduire, dans un monde devenu multipolaire, une politique d’influence ambitieuse et cohérente suppose de comprendre les ressorts et les voies de la circulation des idées, des œuvres et des hommes. C’est à ce défi lancé à la diplomatie française, comme à tous ceux dont l’activité contribue au rôle international de la France, qu’entend répondre l’Atlas de l’influence française au XXIe siècle, dirigé par Michel Foucher.

Initiée par le ministère des Affaires étrangères et l’Institut français dans le sillage du colloque « Diplomatie française – un atout pour la France dans un monde en mouvement », organisé en 2011 au Collège de France, la réalisation de cette somme ambitieuse a mobilisé le réseau diplomatique, des spécialistes et des experts, conviés à recueillir de nombreuses données et à contribuer directement à sa rédaction.

Du cinéma à l’enseignement, de la gastronomie aux entreprises et aux grands groupes, de la coopération scientifique aux Français établis hors de l’Hexagone, 48 cartes dressent le tableau d’une influence dont les registres et les relais sont autant de leviers pour donner à la France toute sa place dans la mondialisation.

Présenté en avant-première lors de la XXIe conférence des ambassadeurs en août 2013, l’Atlas sera diffusé par l’Institut français au sein du réseau diplomatique et culturel.

Une version numérique, actuellement en préparation, sera disponible d’ici quelques mois.

Atlas de l’influence française au XXIe siècle, sous la direction de Michel Foucher, co-édition Robert Laffont / Institut français, 2013, 179 p.

Les auteurs

Michel Foucher est géographe, diplomate et grand voyageur. Professeur à l’École normale supérieure de la rue d’Ulm, il est notamment l’auteur du classique Fronts et frontières, un tour du monde géopolitique (Fayard), de La République européenne (Belin) et dernièrement de l’atlas La Bataille des cartes (François Bourin).

Pascal Orcier, cartographe, est normalien, agrégé et docteur en géographie. Il enseigne à l’université Jean-Moulin-Lyon-III.


Introduction : Puissance et influence, repère et référence

Partie 1 : Les fondamentaux de l’influence

Partie 2 : Style, savoir-faire et coopérations

Partie 3 : Culture, idées et savoirs

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Festivals de spectacles vivants : enjeux, territoires, organisation

Depuis plus de 30 ans, on a assisté, en France, au développement d’un très grand nombre de festivals, de toutes natures, à toutes les périodes de l’année et selon les modalités d’organisations les plus diversifiées. Le succès de la forme événementielle tient probablement à sa capacité à créer, pour le public, un temps hors du commun, festif, convivial, une « parenthèse enchantée » offrant une rupture dans le quotidien. Les facteurs du succès sont nombreux. 
La réussite d’une manifestation dépendra, certes, de la qualité artistique de la programmation, mais pas seulement : sa capacité à s’insérer dans son territoire, à répondre à des enjeux plus globaux de développement culturel et social, son ouverture au travail en partenariat, son insertion dans des réseaux plus larges… sont autant de facteurs qui influeront sur son succès éventuel et sa pérennité. 
L’objectif de cet ouvrage, loin d’apporter des solutions préfabriquées, est de proposer un cadre méthodologique qui permette de se poser les bonnes questions et de définir, avec le plus de pertinence possible, le projet à développer. 
À travers leur analyse et leur réflexion, Bénédicte Dumeige et Jean-Louis Patheiron illustrent à quel point les festivals, dans la diversité de leurs approches, sont des acteurs significatifs du développement artistique et culturel des territoires.

Extrait du sommaire

  1. Aperçu sur les festivals en France
- Historique
- Approche de définition
  2. Concevoir un festival – Les éléments à prendre en compte
- L’étude de faisabilité
- Le choix d’un mode de gestion
  3. Les équipes à constituer
- La mission de programmation : une fonction clé
- La fonction administrative
- L’équipe de mise en œuvre : fonction et profils
- La place du bénévolat
  4. La stratégie de développement
- Les festivals, acteurs à part entière du développement culturel et territorial
- Stratégie marketing et communication
- La recherche de partenariats financiers
  5. Organisation concrète : se structurer efficacement
- Des outils de gestion
- La billetterie
- Droits d’auteur et droits voisins
- La gestion des risques
- Festivals et développement durable
- Acheter un spectacle : analyse commentée d’un contrat de cession de droits de représentation
  6. Petit vade-mecum réglementaire social et fiscal

Numéro 759


Un ouvrage de Mme Bénédicte Dumeige  et M Jean-Louis Patheiron 
septembre 2013 
ISBN13 : 978-2-8186-0587-5 
ISBN version numérique : 978-2-8186-0588-2 
136 Pages

Editions Territorial

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Measuring Museum Impacts


The publication contains the results of the research undertaken by the European funded project ‘The Learning Museum’, on the subject of impact evaluation in museums. The aim is to provide a general overview on the main issues concerning the different kinds of impact evaluation in the museum sector – economic, educational, social, relational, environmental – but also practical information and guidelines.

Year: 2013
 IBC – Istituto Beni Culturali
Author: Bollo, Alessandro

To find out more about the author of this publication, see his ConnectCP profile at:

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The Official Norwegian Report on cultural policy

DEP_symbolThe Official Norwegian Report on cultural policy (NOU 2013:4) was compiled by a committee appointed by the Government in spring 2011 to review Norwegian cultural policy since 2005. The committee presented its report, Cultural Policy 2014, on 4 March 2013. In the report the committee assessed the relevance of the national cultural policy objectives and reviewed and evaluated the policy measures and instruments implemented at the central and local government levels during the period since 2005. It also identified today’s most important cultural challenges and on this basis made proposals for a new cultural policy.

You can download this repot here.

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Creative Broward 2020 : a plan for cultural and economic development in Broward County

The Cultural+Planning Group has been selected by Broward County to craft a 10-year Community Cultural Plan that examines diversity connected to Creative Economy, Cultural Tourism and Public Art and Design, and provides a comprehensive needs assessment, vision, draft legislation, policy framework, recommendations, strategies, funding requirements, funding sources, evaluation instrument, and benchmarks.

The vision of the Creative Broward 2020 plan is integrating cultural and economic development throughout Broward County, and based on the understanding that culture is a local resource and an economic asset, the plan draws on the unique diversity of its residents in the upcoming decade.

Here is the final report: 

More information here.

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A manifesto for the creative economy


The UK’s creative economy is one of its great national strengths, historically deeply rooted and accounting for around one-tenth of the whole economy. It provides jobs for 2.5 million people – more than in financial services, advanced manufacturing or construction – and in recent years, this creative workforce has grown four times faster than the workforce as a whole.

But behind this success lies much disruption and business uncertainty, associated with digital technologies. Previously profitable business models have been swept away, young companies from outside the UK have dominated new internet markets, and some UK creative businesses have struggled to compete.

UK policymakers too have failed to keep pace with developments in North America and parts of Asia. But it is not too late to refresh tired policies. This manifesto sets out our 10-point plan to bolster one of the UK’s fastest growing sectors.

You can download the manifesto for the creative economy here.

Source : NESTA

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How to demonstrate the value of public investment in arts and culture

Photographie : Dan Chung

Photographie : Dan Chung

Supporting our role as an advocate for the value of arts and culture, Arts Council England has refreshed its advocacy toolkit for the sector. The new toolkit contains updated advice and guidance on how to raise awareness and demonstrate the value of public investment in arts and culture. This presentation can be shared and downloaded for use in your own presentations and meetings.

For more information visit

Inside you will find: 
• a series key facts and statistics infographics on: investment; economy, employment and audience which can be shared in social media 
• advice on the government agenda and how to make our case effectively to local and national politicians to align with their broader objectives 
• advice on relationship building with MPs and media 
• advice on how organisations can create your own ‘public value’ web pages

To access the toolkit, see the Arts Council of England website or go directly to the publication on the slideshare website.

Source : Arts Council of England.

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