Cultural Engineering Group

Services & Ressources en ingénierie culturelle

Discover the 8 nominees of the Prix Elysée

01d4b258-ef4f-4eda-b8f9-cff383289729

411 photographers from 42 countries took part in the inaugural edition of the Prix Elysée. The Musée de l’Elysée curators were impressed by the very high quality of submissions and took great pleasure in discovering over 8’000 images.

Here are the 8 nominees :

Anoush Abrar
Switzerland, Suisse (1976)
Mari Bastashevski
Denmark, Danemark (1980)
Philippe ChancelFrance (1959)
Annabel ElgarUnited Kingdom, Royaume-Uni (1971)
Agnès GeoffrayFrance (1973)
Martin KollarSlovakia, Slovaquie (1971)
Marco PoloniItaly and Switzerland, Italie et Suisse (1962)
Kourtney RoyCanada (1981)

Learn more about the nominees and discover their proposed projects here.

The 8 nominees now receive a contribution of 5’000 CHF towards the initial presentation of their project in the nominees’ book, published in January 2015. This book will accompany the nominees’ complete portfolios in the final consideration before the jury of experts. The winner will receive 80’000 CHF to be divided between the completion of the proposed project and the publication of the accompanying book within one year. A curator from the Musée de l’Elysée will advise the winner throughout this process. Both the project and book will be presented at the Nuit des images 2016. The nominees’ and the winner’s books will be printed by one of the Sandoz Family Foundation printing companies.

January 2015 
Presentation of the Prix Elysée nominees’ book at the Musée de l’Elysée and the Salon International de la Haute Horlogerie in Geneva in collaboration with Parmigiani Fleurier.

Late June 2015 

Announcement of the Prix Elysée winner at the Nuit des images

Late June 2016

Presentation of the awarded project and publication at the Nuit des images

→ www.prixelysee.ch

Publicités

Classé dans:Evénements, Expériences,

Why great culture needs a greater vision

Margie Gillis, celebrating the 40th anniversary of her performance career this year, will be dancing on Nov. 12 and 13 at Harbourfront’s Fleck Dance Theatre. She will be at the Grand Theatre in London, Ont., on Nov. 9. And last week she danced at the Cultch, the well-known East Vancouver theatre and cultural hub.

It is not coincidental that the Cultch is also celebrating its 40th anniversary. Toronto’s Harbourfront Centre and the revitalization of London’s venerable Grand Theatre also have their origins in the 1970s. In towns and cities across Canada, dance fans (as well as theatregoers, Can-lit readers, music-lovers, and gallery visitors) are benefitting from a cultural infrastructure that, in many instances, was put in place years ago.

The audience that gathered at the Cultch on a beautiful autumn evening last week in Vancouver to see Gillis, like the crowds that recently lined up on lively Granville Island to hear Margaret Atwood, and Tomson Highway, and Elizabeth Ruth, and Michael Crummey, and Michel Tremblay (among many other Canadian and international authors) at Vancouver’s popular Writers Fest, are not part of a cultural scene that was born yesterday.

Many, if not most, of the venues and the institutions that we now take for granted were established by visionaries who, in marked contrast to the prevailing political and social preoccupations of today, were thinking beyond the fleeting moment of their present.

Whether dance companies such as Gillis’s, or venues like the Cultch, or institutions such as Harbourfront or the Grand have been directly supported by federal, provincial and municipal funding agencies is not the most important factor of either their origins or ongoing existence — contrary to the criticisms of those who believe the marketplace, and not tax dollars, should decide what does and does not constitute Canadian culture.

These critics, like the politicians who pay attention to them, tend to be unable or unwilling to look forward. Not for them, the business of planting a tree they will not live long enough to see mature. What sense does the marketplace make of dreamy nonsense like that? Equally, they seem to be unable to look back — to remember a time, not so long ago, when Canadians simply did not imagine that they could have their own Margie Gillis or Margaret Atwood. Somehow the critics of public funding for the arts imagine we have always been the way we are.

The creation of an artistic culture, as well as a culture of dance-lovers, readers, theatregoers and gallery visitors, has required investment that might not have made sense at year-end, or even for many years after money was spent. The establishment of a culture — a culture of creation, a culture of appreciation, and a culture of expectation — is not principally a matter of accounting, however much journalists who purport to know something about accounting like to argue that it is.

The payoff is never immediate — which is something our parents’ generation understood to be true when they invested in tricky, long-term expensive undertakings such as defeating fascism, or building new schools and highways, or putting sewage or hydro lines in place for suburbs that did no yet exist. They believed in planting trees.

In Vancouver, Margie Gillis and the actor Elizabeth Parrish performed Bulletins from Immortality … Freeing Emily Dickinson. In London and in Toronto, Gillis will be performing a different show — the Ontario premiere of The Light Between. And if you want my suggestion, you should get a ticket because, if the Vancouver show was any indication, it will be exquisite. Or go to the Grand Theatre or Harbourfront simply to see the legacy of a less-selfish past bequeathed to our present.

Source : David Macfarlane, The Star.

Classé dans:Analyses, Evénements, Gouvernances, Politiques culturelles, , , , ,

Neon Parallax

 

Neon Parallax est un projet d’art public ambitieux et singulier mené de 2006 à 2012 par les Fonds d’art contemporain de la Ville et du canton de Genève. Entre la prestigieuse rade du bout du lac et la populaire plaine de Plainpalais, le parallaxe s’appuie sur l’homologie des deux plans en losange et la transformation des messages publicitaires des enseignes qui illuminent la première en installations artistiques lumineuses sur les toitures des immeubles qui borde la seconde.
Conçu spécifiquement pour la plaine de Plainpalais à Genève, Neon Parallax réunit neuf installations d’artistes suisses et internationaux : Sylvie Fleury (C H), Jérôme Leuba (CH), Christian Jankowski (DE), Dominique Gonzalez-Foerster (FR), Sislej Xhafa (Kosovo), Nic Hess (CH), Ann Veronica Janssens (BE), Pierre Bismuth (FR), Christian Robert-Tissot (CH).
http://www.neonparallax.ch

Neon Parallax s’accompagne d’une publication illustrée, parue aux éditions Infolio, sur les différentes étapes de ce programme et sur l’art public aujourd’hui, en vue de prolonger une réflexion sur le lien entre l’artiste et son intervention dans l’espace public. Avec les contributions de : Ami Barak, Hervé-Armand Bechy, Christian Bernard, Diane Daval, Dessislava Dimova, Christophe Doswald, Michèle Freiburghaus, Simon Lamunière, Henri Maudet, Laura McLean-Ferris, Renaud Proch, Jacob Proctor, Michele Robecchi, Eric, Troncy, Pau Waelder.
Français/anglais
Neon Parallax est publié par Infolio Editions (Suisse)
Format : 165 x 250 mm – 240 pages – ISBN 978-2-88474-273-3

Pour plus d’informations :

http://www.infolio.ch

Classé dans:Evénements, Expériences, , ,

The Tanks at Tate Modern

THE Tanks, part of Tate Modern’s £215m expansion project, launched on July 18th, marking a significant art-historical moment. Designed by Herzog and de Meuron, a Swiss architecture firm perhaps best known for designing Beijing’s « Bird’s Nest » stadium, the Tanks are the world’s first museum galleries dedicated exclusively to exhibiting performance, installation and film. This marks the first time live art is being made accessible to the non-arts professional, the non-initiate. 

For the last 50 years live art has been a key mode of expression among contemporary artists. It emerged in part from a rejection by artists of the art market. In challenging art as objects to buy and sell—as status-based goods to display above the couch—they turned to their bodies, the ultimate non-commodifiable media. This came at a time when performers were also breaking down the traditional concept of theatre. The result was a new landscape for experimentation, in which artists and actors processed and presented fresh ideas in unconventional ways.

Yet despite its art-historical significance, live art has remained invisible to the vast majority of the public. On the rare occasions when it has been visible it has usually been in the form of video or photographic reproduction. Though certainly better than nothing, such documentation does little to convey the visceral urgency of a live performance. Now, with the Tanks in London, performance art is about to go public.

Entering the Tanks is like stepping into another dimension. These cavernous underground oil drums are rich with the heavy atmosphere of industry. Massive concrete girders and the dense, warm smell of history provide strange comfort. Clever lighting intensifies the disorientating chiaroscuro mood.

For the next 15 weeks the Tanks at Tate Modern will present Art In Action, a programme of events as part of the London 2012 Festival. This will make a full schedule of performance art available to the public free of charge and, in most cases, without the need to book. The programme includes a captivating combination of historically important pieces alongside cutting edge work by emerging artists, and interdisciplinary collaborations. The festival opened with « Fase » (pictured top), an hour-long dance-based work choreographed by Anne Teresa De Keersmaeker. Set to the music of Steve Reich, the four-part piece was first performed, to great acclaim, in 1982.

« Fase » is interested in the relationship between music and dance. The idea is to consider dance as something independent of the music, rather than a way to illustrate it. Two performers—Ms De Keersmaeker and, for this Tanks specific reworking, Tale Dolven—perform highly repetitive sets of movements in perfect synchronicity. Although primarily a formal work, over time it bleeds into a powerfully emotive space. The relationship between the two dancers feels poignant, shifting subtly between ease and tension, ebb and flow.

Alongside this landmark live art event, Sung Hwan Kim, a young Korean artist, presented a specifically commissioned installation. And two feminist works from Tate’s permanent collection, Suzanne Lacy’s « The Crystal Quilt » (1982, pictured above) and Lis Rhodes’s « Light Music » (1975) occupied a third space.

Tate’s timing with the Tanks feels just right. At a moment when the art market is too often mistaken for the art world, and Tate Modern’s own Turbine Hall hosted a certain diamond-studded skull, it is a fine thing for the museum to be introducing live art to a wider public. This is an important step for broadening the popular understanding of contemporary art.

Classé dans:Analyses, Evénements, Expériences, Financement de projet, Ingénieries, , , ,

Mobile unit in hunt for Russia’s best self-taught artists

The Museum of Everything is running a five-city talent search for outsider art show at Moscow’s Garage Center

The Museum of Everything, the largest travelling exhibition of outsider art, is taking its country-hopping roadshow to the streets of Russia for the first time. Throughout August, the museum is parking its mobile exhibition unit in a different city across western Russia, where it will become something like a talent-show stage, seeking out the country’s best, undiscovered self-taught and non-professional artists. The five-city tour ends in September in Moscow, where the city’s Garage Center of Contemporary Culture is due to show the museum’s top finds in a new pavilion.

“Russian self-taught artists are still relatively unknown outside the region and contemporary ones even more so,” says James Brett, the curator and founder of the Museum of Everything. “The museum hopes that this project will help give these artists the visibility they deserve so that we can bring them to the attention of the general public and curators and museums worldwide.” 

Amateur artists at each stop will be asked to submit their work before the critical eyes of a variety of artists and curators, including the Russian artist Leonid Tishkov, the Ukrainian photographer Sergey Bratkov and curators such as Tamara Galeeva, who is the dean of art and culture studies at Ural State University. “International artists may also join us on the way,” Brett says. “It’s a flexible project and will depend on the [Russian airline] Aeroflot timetable.” 

Judging begins on 2 August in Russia’s fourth-largest city, Yekaterinburg, then moves 600 miles west to Kazan, then farther west to Nizhny Novgorod and St Petersburg before ending in Moscow on a to-be-determined date in September. The Garage Center has commissioned the Japanese architect Shigeru Ban to build a temporary pavilion in Moscow’s Gorky Park that will present the top discoveries alongside works by some of Russia’s best-known outsider artists, including Pavel Leonov and Alexander Lobanov.

Source : BpB

Classé dans:Expériences, , , ,

« Night Falls, » Walter Martin & Paloma Muñoz

P.P.O.W is pleased to announce “Night Falls,” its eighth exhibition featuring the collaborative work of Walter Martin & Paloma Muñoz. Martin & Muñoz are an art team best known for their “Travelers” series of snow globes and photographs. In the world that they have developed, blizzard transformed landscapes often serve as backdrops for enigmatic narratives. These are in some instances angst-dream inspired. Others are hard times fables. There is a socio-political as well as a psychological aspect to these images and sculptures. As is often the case with this couple’s work, the narratives have an unfinished open ended quality. 

For this exhibition, Martin & Muñoz have chosen night as a back drop. Fires, flashlights and moonlight puncture the dark to expressive effect. Important details and aspects of the narratives are lent a dynamic chiaroscuro where the interplay of light and dark shape both the mood and contour of the subject. Some of the images and snow globes depict a sort of dystopian Kinderland. This is a place where children have no parents, a place where adults appear only as an opposing tribe. Some of characters depicted and developed in this group of photos include: a giant black dog, a band of rogue tree children and a nefarious priesthood. A small group of related snow globes will also be exhibited. 

Walter Martin and Paloma Muñoz have been collaborating since 1993 and have since exhibited internationally. Their work is in numerous museum collections, including the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, the Nerman Museum of Contemporary Art in Overland Park, Kansas, and the KIASMA Museum of Contemporary art in Helsinki, Finland. Recently their work was featured in group exhibitions at the Bellevue Arts Museum, Bellevue, Washington; the Museum of Art and Design, New York, NY and the University of Michigan in Ann Arbor, Michigan. Concurrent with the exhibition at P.P.O.W the artists are participating in the exhibition “Fairytales, Monsters and the Genetic Imagination” at the Frist Center for the Visual Arts in Nashville, Tennessee.

For further information or press images please contact: anneliis@ppowgallery.com or call 212-647-1044.

Link: http://ppowgallery.com/exhibition.php?id=102

Location: P.P.O.W / 535 West 22nd St., 3rd Fl / New York, New York 10011 / United States of America.

Source : P.P.O.W

Classé dans:Evénements, , , ,

L’art contemporain ridiculisé à Venise

Le thème de l’illumination est au cœur de la 54e biennale de Venise, qui a ouvert ses portes mardi. Trois tableaux du peintre de la renaissance Le Tintoret exposés en ouverture font paraître bien fade l’art contemporain, estime le quotidien de centre-gauche La Repubblica : « Dans une confrontation avec le passé qui magnétise, invente et suggère, l’art contemporain connaît une cuisante défaite. Trois tableaux gigantesques et spectaculaires du Tintoret submergent de leur violente beauté le visiteur qui arrive à la Biennale. … A côté, les œuvres littéralement invisibles d’un certain Bruno Jakob. Un bout de papier flotte au-dessous du plafond, difficilement perceptible, et aux murs sont accrochées des feuilles de papiers blanches et seulement légèrement ondulées au contact de l’eau. Il s’agirait de l’impossibilité de représenter l’invisible, mais la consistance de l’œuvre se dérobe au regard de l’observateur le plus zélé. Cela commence ainsi, avec une indication sourde et agressive (rien n’agresse plus que le silence) sur l’état actuel de l’art. »

Source : BpB.

Classé dans:Analyses, , ,

Lumia I art I light I motion

Lumia: art/light/motion is a new media exhibition presented by State Library of Queensland in partnership with Queensland-based Kuuki collective artists Priscilla Bracks and Gavin Sade. Explore contemporary life and encourage thought about the future through an extraordinary collection of hand-crafted and interactive electronic creatures and installations. These beautifully crafted new media artworks in Lumia: art/light/motion combine the bespoke with art and technology to create strange but intriguing objects.

Kuuki is a collaboration bound together by an interest in how people interact with, and shape the world in which they live. Kuuki is a Japanese word that translates literally to oxygen, air or atmosphere, but is also used colloquially to mean things we take for granted, but cannot live without. Priscilla and Gavin take an avid interest in contemporary issues and popular culture, reading the air or mining the wealth of our collective consciousness and action for inspiration and ideas. This inspiration and ideas has been transformed into five new media artworks which will draw you into a curious ‘other’ world – intriguing the most curious of minds, and invite you to engage with contemporary global issues and reconsider personal and cultural priorities.

Gavin Sade is a designer, educator and researcher in the field of interactive media, with a background in music and sonology. In 2003 he formed Kuuki, a creative media collective who have since exhibited works nationally and internationally. Gavin is also the Undergraduate Study Area coordinator for Animation, Interactive and Visual Design in the Creative Industries Faculty at the Queensland University of Technology. Kuuki is an art, design, and media production collective directed by Gavin Sade and Priscilla Bracks. Based on the Japanese concept of kuuki which considers things we take for granted, but cannot live without, Priscilla and Gavin seek to create things which enable people to experience, express and benefit from their creativity.

Source : Rhizome

Location: State Library of Queensland 
Cultural Centre Stanley Place 
Brisbane, Queensland 4101 
Australia

Classé dans:Evénements, Expériences, , ,

Louis Vuitton restreint la liberté artistique

Darfurnica, Nadia Plesner

Un tribunal de La Haye a interdit à l’artiste Nadia Plesner de représenter sur son tableau dénonciateur Darfurnica un sac sur le modèle du fabricant d’articles de luxe Louis Vuitton. Pour le caricaturiste Ruben L. Oppenheimer dans le quotidien nrc.next, cela ne restreint pas seulement la liberté d’expression : « Utiliser les couleurs acidulées de cette icône de la consommation capitaliste comme contraste criant avec les horreurs de la guerre est une dénonciation virulente de l’indifférence du monde occidental à l’encontre de la souffrance qui sévit au Darfour. Le verdict constitue également une restriction de l’art, qui peut causer de gros ennuis aux artistes conscients de la société qui les entoure et aux caricaturistes politiques. … Je peux tout à fait comprendre que l’entreprise ne souhaite pas être associée aux aspects désagréables de la vie. Ce n’est pas de chance pour Louis Vuitton que sa marque soit devenue un symbole, au même titre que Pampers et Post-it. Dans notre langage visuel, son design est devenu un bien public et le moyen le plus direct pour un ou une artiste de faire passer son message. »

Source : BpB

 

Classé dans:Analyses, Expériences, , , , ,

ANON Studios for Art & Ecology Call for Actions

There has been a lot of rhetoric recently about the importance of  action and awareness on recycling and sustainability issues. At the present time, we in this country produce garbage far in excess of anything else materially constructed here. Also, it is appropriate and useful to start considering people as a resource rather than consumers. These are spiritual societal issues that can begin to be cleaned up and healed through art processes and access to a life in art for all. Issues of waste management may be addressed through art processes. The spiritual hunger that is responsible for so much waste creation in the first place may be addressed through access to art and its realms for all.

Artists are masters of using whatever is available to them to create with. The late great Rauschenberg broke into his fame using garbage to make “combines” in the 60s. Many artists are still making work created from cast offs and discards .

Paper is a whopping 18% of waste streams, so why not have local paper making workshops? Mosaic walls made of discarded and broken glass and pottery? There are other possibilities using textiles and other waste goods. Some recycle centers do not take styrofoam, yet there are artists that feature this material in their constructions. It is a good time to expand the processes of art and design to serve purposes of of waste reclamation and transformation. The effectiveness of these alchemical processes will require a commitment of space and material acknowledgements of the value of these processes.

Of course, everyone reading this has a compost pile, at best for gardening and at least to cut down on reeking landfills, right?

I recently heard a horror story of a ship container of “donations” going to a third world country that ended up in a landfill, because it was garbage. We must develop a more “closed loop” method of dealing with our waste. Nature does not produce vast quantities of useless junk and neither should we. The alchemical processes of  working with garbage has morphed from an obscure cultural practice to a dire necessity. There are many methods and possibilities for this, using the tools and practices of art.

There are several models existing for starting to do this in this country and there are those working a changing cultural paradigm around the world.  I came across material this morning on the Cultural Engineering blog, that states the paradigm change from “competitive and globally controlled” to one of “more ecological-social-cultural engagements”, is  required concerning “shifts in policy” regarding “sustainability” and the “role of the arts”.

So what does this mean? It means a shift from consuming the cheap products made in third world factories that are literally work prisons operated by a competitive corporate elite whose operations are made possible and profitable by a corrupt and unworkable value system that values product and ignores spirit.  It means taking the one product we create an abundance of, garbage, and doing something different with it. It means the creation of new art actions that involve community and space and time allocations by the community to make this possible. It requires belief in something other than instant gratification and awareness of  good stewardship of our children’s future,  and a shift away from, or at least a balancing of, preoccupations with instant returns on material investments.

A new functional social architecture, that uses long term valuation structures, with concrete consideration of the fates of our children is essential. In part, this may be designed using the methods and practices of art to transform our vast quantities of garbage into something else.

Virginia Bryant*

*Virginia Bryant is an artist, designer and environmental advocate.

http://virginiabryant.tumblr.com/

Her most recent design project is the ANON couture portfolio purse.

http://www.etsy.com/shop/anonstudio

She can be reached here.

 


Classé dans:Analyses, Expériences, , , , , ,

Peter FINK, light installation San Diego Coronado bridge

Artist Peter Fink wins international competition to transform the iconic 2.5 mile long San Diego Coronado bridge in California into an monumental interactive light sculpture using green renewable energy.

An international team led by London based artist Peter Fink (Form Associates) and lighting designer Mark Major (Speirs + Major) in association with Buro Happold in Los Angeles has been announced as the winner of the largest interactive green energy lighting project in North America. The San Diego-Coronado Bay Bridge, built in 1969 in the spectacular context of the bay, has become a symbol of the San Diego area – just as the Golden Gate and Bay Bridges are symbols for San Francisco. The San Diego bridge is characterised by its graceful 2.5 mile long curved deck supported by over 30 towers reaching a height of 200 feet over the navigation channel. The shipping channels are spanned by the world’s longest continuous three-span box girder measuring 1,880 feet.

The lighting project is a partnership between the Port of San Diego and the California Department of Transportation (Caltrans), which operates and maintains the bridge. After an extensive period of evaluation, the Port Commissioners and Caltrans embraced a selection panel’s recommendation to choose the Peter Fink and Mark Major led team ahead of two other finalists, the Bideau Company of Ballan-Mire, France and Ned Kahn/Patrick McInerney Associates in association with ARUP.

The wining concept envisages illuminating the bridge with programmable LED lighting in an energy neutral manner using electricity generated by wind turbines. The lighting concept is designed to celebrate the spectacular Bay location of San Diego, and emphasize the bridge as an important gateway with programmable changing coloured light which expresses the movement of energy across and under the bridge. The variable rate of traffic flow over the bridge will be expressed by parapet lighting programmatically reflecting the direction, speed and intensity of vehicle movements on the deck. The lighting of the navigation span will express the nautical gateway function of the bridge and will have the capability to respond to the movement of larger ships. A distinct secondary layer of lighting accentuating the bridge pillars will provide the sense of urban connection between the two shores and celebrate the strong ties across the water body linking the communities of San Diego and the City of Coronado.

Further information: FoRM Associates Ltd – 154 Narrow street London E14 8BP tel: 0044 + 207 5373654 email: fink@formassociates.eu

Source : Art public, premier portail europeen sur l’art public.

 

Classé dans:Evénements, Expériences, , ,

Raoul MAREK, œuvres pour l’espace public

Les interventions de Raoul Marek sont basées sur l’interactivité, la participation du public, l’échange et le partage. Tout ce qui est susceptible de donner vie á l’œuvre et engendrer des nouvelles pratiques sociales et culturelles.

Dans cette perspective le contexte est le ferment même de sa création. A chaque lieu une réponse spécifique. Comme Marek le souligne lui-même : « chaque projet requiert une forme nouvelle et adaptée », pas un objet stéréotypé. Aucun moyen plastique, aucun outil visuel, n’est a priori exclu de sa démarche artistique qui s’inscrit dans une variété de lieux avec la même intensité et la même singularité. L’objectif poursuivi étant que l’œuvre y prenne place dans une rencontre unique et complice avec son environnement Ainsi en est-il de ses projets de commandes publiques à l´université de Berne en 1986 et à l’hôpital de Sierre (Suisse) en 1996, ou encore en France, à Oiron (1993) et au Lavoir de Phlin (2001). La perception étant par ailleurs une donnée importante que Raoul Marek entend dans une dimension très large, la mise en jeu de tous les sens, et témoigne d’un certain conditionnement lié au contexte et de la relativité des réalités culturelles. Mais, pour autant, ceci n’aboutit pas au constat stérile d’une réalité figée mais forme au contraire les bases d’une démarche ouverte à travers la construction de liens et de réseaux d’échanges qui est l’autre volet important de l’oeuvre de Raoul Marek, à l’exemple de son projet La Salle du Monde débutée à Oiron (France) en 1993. Cette œuvre qui s’est construite dans un processus de dialogues et de concertations avec les habitants est une invitation à partager un rituel en commun lequel se perpétue jusqu’à ce jour c’est à dire depuis plus de 18 ans.

150 habitants du village de Oiron participent à un banquet annuel utilisant un service de table personnalisé conçu spécialement à leur intention par Raoul Marek. Il comprend 150 assiettes en porcelaine décorées chacune à l’effigie d’un des habitants (esquisse de la silhouette du visage), autant de couverts et de verres portant leurs initiales et des serviettes avec l’empreinte de la main de chacun des convives.

Le reste de l’année, le service de table, sous forme de galerie de portraits, est remisé dans une salle du château de Oiron, devenu un lieu d’exposition, accessibles aux publics.

Un projet similaire quoique différent a été conduit par Raoul Marek dans la ville de Berne (Suisse) en 2004. Depuis, des liens se sont noués entre cette « communauté de hasard » et les habitants du village de Oiron. Ainsi l’oeuvre répond à une double démarche: former des liens entre les habitants mais aussi ouvrir ceux-ci à d’autres contacts extérieurs et échanger entre cultures différentes, dans l’idée de la continuité d’un réseau.

Cette démarche est aussi le fil conducteur d’un autre projet de réseau qui a débuté en France (Ecole Mallarmé, 2010) Pendant plusieurs mois Raoul Marek a élaboré ce projet avec des élèves de 10-12 ans, de quatre établissements scolaires de la région Ile-de-France. Il consiste à mettre en relation les élèves de ces établissements très différenciés autour d’un projet artistique.

Basée sur la thèse de Raoul Marek : le symbolisme de la couleur est propre à l’imaginaire de l’enfant mais varie aussi en fonction de l’appartenance culturelle, de l’âge, de la condition sociale et de la sensibilité propre de l’enfant; témoignant, par conséquent, à la fois de la culture de l’endroit et de la personnalité de chacun des individus.

Chaque élève réalise un tableau monochrome, avec la couleur de son choix, affirmant ainsi sa propre spécificité. Ce tableau est ensuite envoyé à un enfant d’un autre établissement. L’addition de ces tableaux reçus donne lieu dans chaque école à une composition collective. Basé sur le principe « donner et recevoir » se crée ainsi un réseau invitant chaque participant à la découverte de l’autre dans son individualité et sa spécificité culturelle. L’étape ultime de ce travail est la présentation artistique de tous les projets, fruit de ces échanges, en un lieu public, par exemple un centre d’art ou un musée qui devient alors le lieu de rencontre entre l’oeuvre, les enfants et les parents.

 

Raoul Marek est né en 1953 au Canada, de parents Tchèque et Suisse. Il a grandi en Suisse et partage aujourd’hui sa vie entre Berlin et Paris.

Du 11 décembre 2010 au 12 février 2011 aura lieu l’exposition: « Vivre ou mourir », une installation de Raoul Marek à la Galerieofmarseille (www.galerieofmarseille.com) – 8 rue du Chevalier Rozen – 13002 Marseille

Photo d’illustration : Round Table – Monument pour la Liberté et la Démocratie – proposition de Raoul Marek dans le cadre d’un concours à Berlin en 2009.

Plus d’information:

http://www.raoulmarek.net

Source : Art public, premier portail europeen sur l’art public.

 

 

 

Classé dans:Expériences, , ,

HEARTH, 11ème congrès d’ELIA

HEART (CŒUR), ART, EARTH (TERRE)… OU COMMENT L’ART AU CŒUR DE LA VILLE IMPULSE INNOVATION ET DÉVELOPPEMENT, DYNAMIQUE ET INVENTIVITÉ, DISPOSITIF DE CRÉATION ET DE RECHERCHE AUTANT QUE VALORISATION D’UN TERRITOIRE.

Le 11ème congrès d’ELIA (European League of the Institutes of the Arts) se tiendra au lieu unique à Nantes du 27 au 30 octobre 2010. Important forum international de débats et d’échanges autour de la question des enseignements artistiques, la vocation du congrès biennal d’ELIA est de créer un contexte stimulant de rencontres formelles et informelles de 350 institutions internationales d’enseignements artistiques supérieurs.

À l’occasion du rassemblement de ce vaste réseau, les institutions artistiques françaises et les collectivités territoriales proposent un programme de rencontres et d’expositions à Nantes, afin de repenser les outils actuels de transmission, recherche, production et exposition de l’art contemporain.

Parmi les actualités de cette 11ème édition :

  • La réforme des écoles d’art et la question de l’attractivité des écoles françaises
  • Le renouvellement territorial dont Nantes est une démonstration exemplaire : comment l’art au cœur de la ville impulse innovation et développement, création et recherche autant que valorisation d’un territoire?

Pour plus d’information et pour consulter le programme de ces 4 journées d’une densité rare, cliquez ici.

Classé dans:Evénements, Expériences, , , , , ,

DIGIMAG # 56

DIGICULT is an online/offline Italian platform, created to spread digital art and culture worldwide. It focuses on the impact of new technologies and modern sciences on art, design, culture and contemporary society. DIGICULT is based on participation of more than 40 professionals, representing a wide Italian Network of critics, curators and journalists in the field. DIGICULT is the editor of the magazine DIGIMAG, which focuses on some cultural and artistic issues like internet art, hacktivism, electronica, video art, audiovideo, art & science, design, new media, software art, performing art

« …What is interesting about teaching integrated closely with design practice is that it really starts to break down the roles people typically play. There is not so much a hierarchy anymore, but a real platform for exchange. When we teach, we are actually conducting design research on one of our current agendas. When we practice we are giving the research the much needed ‘application’. By opening this up to students and collaborators the research is much richer and varied. We feel it’s been a notion understood for a while by the progressive practices that one’s students today, are their professional collaborators tomorrow…. perhaps we are bringing this collaborative view in one day sooner! We feel the model of the institution as we have previously come to know it is being challenged by economic and social factors. It used to be that the knowledge was at the institution; a student must go there and pay in order to receive this knowledge. The internet has changed th is entirely. Real, verifiable knowledge is distributed freely all over the web. … »

Luis E. Fraguada & Monika Wittig, from « LAN – Live Architecture Network. The net as a design project » – by Sabina Cuccibar

[ARTICLES]:

– LIVE ARCHITECTURE NETWORK. THE NET AS A DESIGN PROJECT

An interesting and fresh declination of the creative potential of the practices related to parametric design is represented by LaN – Live Architecture Network, (Monika Wittig, Luis E. Fraguada, Shane Salisbury, CarloMaria Ciampoli, Aaron Willette). It is a network made up of young architects, mostly American and from Western European countries, who all met at the IaaC (Institution of advanced architecture of Catalonia).

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1841

by Sabina Cuccibar

– BRANDON LABELLE. WHERE DO SOUNDS COME FROM AND WHERE DO THEY GO?

Where do sounds come from and where do they go? From this fundamental and central question, the different trajectories that make up Acoustic Territories. Sound Culture and Everyday Life, the new book by Brandon LaBelle – artist, theorist and editor, branch out. Through a particularly coherent research, the author has constantly devoted himself to the exploration of sound and audio culture from multiple points of view and different levels, giving birth to a large body of work, tests and projects.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1843

by Elena Biserna

– THE MEDIA IN THE FUTURE CITY. MEETING ALBERTO ABRUZZESE

Alberto Abruzzese, full professor in Sociology of Cultural and Communicational Processes at IULM University in Milan, where he is also headmaster of the Tourism, Culture and Territory Department and pro-chancellor for International Relations and Technological innovation, of which fields of research are: mass communication, cinema, television and the new media, with a particular focus on the social developments connected to the diffused implementation of media.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1849

by Marco Mancuso

– LOOP BARCELLONA. TRANSVERSAL VIDEO ART

One of the most interesting events testifying the great current favour of video art is, for sure, the Festival/Fair LOOP of Barcelona. Currently reaching its eight edition (May 2010), it stands out internationally not only due to its clear choice strongly focused on video art, but especially for its atypical features which made it an attractive meeting point for persons with different needs and in search of different propositions.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1853

by Herman Bashiron Mendolicchio

– BUDDHA MACHINE. THIRD GENERATION SOUND TOY

FM3, the experimental music group whose productions examine the relationship between composition, art, and everyday life, consists of original members Zhang Jian and Christiaan Virant. Prior to releasing the object for which they are best known, the plastic loop-playing device known as the Buddha Machine, which builds on inspiration from the automatic mantra- and prayer-chanting recording devices common in Asian temples, replacing these original loops with the composed elements with which the group has continuously worked.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1846

by Robin Peckham

– THE SILENCES OF BIOSPHERE. NEO BAROQUE AND AWARE INTIMACY

Geir Jenssen, also known as Biosphere, is one of the most important figures in the field of contemporary electronic composition. Norwegian origins, from Tromsø, a town immersed in icy silence, 500 miles away from the Arctic Circle. Atypical personality, friendly and quiet, he always prefers to communicate through sound, like the sound of his records, of the many installations he designed in the last years, even of the performances.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1844

by Pasquale Napolitano

– TECHNESEXUAL INTERFACE. EROTIC MIXED REALITY PERFORMANCE

Biometric sensors, made cheaply available by do-it-yourself (DIY) prototyping platforms such as Arduino, allow a shift away from visual interfaces to proprioceptive interfaces, away from the touch of a finger and towards a more internal, embodied form of sensing. One possible effect of this shift is away from the command-control methodology which was a historical basis for cybernetics, and towards a form of modulation and cooperation akin to intersubjectivity

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1847

by Micha Cardenas & Elle Mehrmand

– GMAYBE?: BE FREE, BE PUBLIC! WHAT FUTURE FOR PRIVACY?

You may have recently happened to witness the presentation of a new online service. Two young men wearing a t-shirt with the Gmaybe? logo show the exciting benefits of the new frontier of social networks. All the rhetorical promises related to technology are there: « they tend to fall into four main categories: democracy, freedom, efficiency and progress.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1845

by Loretta Borrelli

– LANDSCAPE AND INTERACTION. MATTEO PENNESE, THE SOUND WITHIN SPACE

We tried to dig deeper in this interweave of relations between composition, sound landscape, environmental sounds, photosouds and emotional relations of listening with Matteo Pennese, composer and performer focused on developing systems for live-electronic, especially with Max Msp, and most of all on new ways of interacting with the environment through new hardware and software devices, such as Arduino.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1842

by Simone Broglia

– THE EXPLOSION OF THE ARTS. SINEGLOSSA LIVE PERFORMANCES

Sineglossa is an artistic collective living in the Marche region in Italy, including personalities from different disciplines with the same purposes and the same sensitivity. Created in 2006 by director Federico Bomba, painter Luca Poncetta and performer Barbara Hall, the theatrical debut happened in 2007 with Camera Verde, to which followed in 2008 Pleura e Pneuma.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1851

by Massimo Schiavoni

– RESISTENCE AND CONSTITUTION. AUDIOVISUAL SETTINGS BY N03!

Paolo Ranieri, a leading light of N03!’s multimedia activity, video director and teacher at the Academy of Fine Arts in Carrara, bears an important surname: his grandfather Paolino Ranieri, who died on the tenth anniversary of the

Audiovisual Museum of Resistance, was one of the organizers of resistance in Lunigiana. The museum was a big desire of Paolino when he was alive, and it was designed and built by Studio Azzurro in collaboration with Paolo Ranieri.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1840

by Annamaria Monteverdi

– HABEMUS DATA. DIGITAL CULTURE AND FREE INFORMATION

A close step far from the counter-reformation of the “gag law”, stirred by the fear of our politicians who are frightened of losing control on the information flow or of a excessive overexposure of privacy and details, we caught the opportunity to go back on the matter of Open Data. But what has Open data got to do with the “problem” of interceptions and “bugs” of public and private world?

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1848

by Teresa De Feo

– INFORMATIONAL REALISM. QUANTUM BIT IN THE CYBER SPACE

Information theory proposes that there is a fundamental element the bit- a binary variable- that is the basis of all communication. As it turns out, this bit, a discrete indivisible entity, is the essential building block of both computer code and quantum particles. Both the physical and digital reality are composed of the same quantized binary bits of information. Reality, regardless of it’s content, is nothing more than the information it communicates..

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1852

by Jeremy Levine

– HUMAN, WATER AND ENVIRONMENT. BETWEEN MULTIMEDIA AND SUSTAINABILITY

The topic of water in the multimedia, electronic and digital field is huge since the beginning of electronic art and works of art of famous artists such as Bill Viola and Fabrizio Plessi, only to mention a few. Water has been compared to the electron flow and video, exactly for its liquid and mobile nature, is par excellence the mean which is the most linked and compared to this element essence.

http://www.digicult.it/digimag/article.asp?id=1850

by Silvia Scaravaggi

[ATTACHMENT]:

– ADVENTURES IN SONAR LAND – by Giulia Baldi

http://www.digicult.it/digimag_eng/allegato.asp

. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

The Digicult Archive: past issues, articles and interviews

http://www.digicult.it/en/Archive/

The Digicult Board:

http://www.digicult.it/digimag_eng/board.asp

The Digicult website:

www.digicult.it/en

The Art-Agency Digimade:

www.digicult.it/agency

Classé dans:Ressources, , , , ,

Quelle peut être la place de l’artiste dans une société « du savoir » ?

Deuxième chapitre de notre série de publications issues des rencontres débats passionnants qui ont eu lieu au sein du Grand Lyon dans le cadre du cycle de rencontres « Grand Lyon Vision Culture » et dont son concepteur Pierre-Alain Four* nous fait l’honneur et l’amitié de nous autoriser la diffusion. Au programme cette fois-ci, la place de l’artiste dans une société « du savoir ».

Bien loin de la place spécifique et coupée du monde que lui assigne la vision Romantique, l’artiste est aujourd’hui un individu qui aborde dans son travail de création, toutes sortes de sujets, de thèmes, de questions, puisant dans un répertoire de savoirs et de connaissances extrêmement hétérogène. Par ailleurs, son identité et la nature de son activité se réfèrent aussi à de très nombreux registres : intellectuel, critique militant, découvreur, bricoleur créatif… 

L’artiste est aujourd’hui un acteur à même d’associer et de faire tourner concepts, idées et technologies nouvelles comme d’autres moins récentes. Cependant,
ses dispositions et facultés sont méconnues et, entre les représentations relatives à son activité et la réalité du travail de l’artiste, il y a souvent un monde.

Pour consulter le rapport en ligne, cliquez ici. Vous pouvez également le télécharger dans notre box « Ressources ».

Pour consulter le chapitre précédent, cliquez ici.

*Docteur en sciences politiques (IEP de Paris), Pierre-Alain Four, a été chercheur associé au Pacte-CNRS (IEP de Grenoble) et est membre fondateur de l’Association pour la promotion et l’organisation de la recherche en sciences sociales (Aporss), puis de FRV100. Il a notamment travaillé sur les Fonds régionaux d’art contemporain (Frac), la vie intellectuelle en province et d’une manière générale sur de nombreuses questions culturelles et artistiques. Il a notamment analysé les relations entre artistes et amateurs, et la place des artistes insérés dans des dispositifs de politique publique éloignés de leur champ professionnel d’origine (politique de la ville par exemple). Il a aussi été chargé de cours à l’Université de Montpellier III, à l’école des Beaux-Arts de La Réunion, à l’université Lyon2, etc. Il est actuellement veilleur culture pour la DPSA où entre autre missions, il anime et conçoit le cycle Grand Lyon Vision Culture.

Classé dans:Analyses, Gouvernances, Ingénieries, Outils, Politiques culturelles, Ressources, , , , ,

iphone art exhibition

Flaneur art and culture journal has opened a contemporary art gallery viewable on iphones and seeks artworks for its first exhibition. This is a great way for painters and all other artists to experience their work in the new realm of mobile technology. With over 34 million iphones sold, and the wepapp viewable on the ipod Touch as well the potential for people to engage with your work is huge!
As this is the first call for work for our iphone exhibition Flanneur art and culture journal is looking for work of all kinds. It is only through experimentation that we will all see what works best in this new domain. Traditional artists who do not normally engage with new-tech are welcomed, as well as geekists who are only happy with an iphone in their hand.
Work should be a maximum size of 480 x 320 pixels, although it can be smaller. Any larger and it will be resized.
Image file size needs to be small enough to load quickly. Please use JPEGS and keep the size down. It may need to be reduced the size further to aid loading. Images will also be considered for publication in The Flaneur art journal.

  • The exhibition will open in early June 2010
  • Deadline for applications: End of May 2010
  • Entry fee 5£ (or your local currency equivalent)

This is an exhibition by selection. If your work is selected we will contact you. Flanneur art and culture journal will try and contact everyone who enters, but this may be impracticable. This exhibition will be viewable on iphones around the world at http://www.flaneur.me.uk/iphonegallery It will also be submitted to the Apple app store. Please visit http://flaneur.me.uk/iphone-exhibitions for more details and to enter.
If you need help with converting files, please contact help@flaneur.me.uk

Source : Rhizome

Classé dans:Evénements, Expériences, , , , ,

Mesures Extraordinaires

Une nouvelle exposition d’art contemporain a débuté le 1er mai dernier et risque de faire fureur dans la région de Northumberland (Nord-Est de l’Angleterre) à Belsay Hall, tout près de Newcastle. « Extraordinary Measures », confiée à 7 artistes et architectes majeurs, parmi lesquels l’artiste internationalement reconnu  Ron Mueck, un des chefs de files du street art Slinkachu et un des anciens Young British Artists Mat Collishaw.

L’exposition place des pièces qui se jouent des échelles, notamment des miniatures, dans des situations où elles sont mises en rapport avec le site patrimonial, paysager et touristique exceptionnel de Belsay Hall, ses pièces, son château, ses jardins. Le décalage d’échelle permet d’opter pour un autre point de vue, de remettre au goût du jour la tension qui se crée dans notre rapport au monde, un rapport qui a tendance à croître dans la démesure de l’époque moderne, rapport qui à travers cette exposition nous replace à notre juste mesure.

Un remarquable mini film de promotion a été réalisé à cette occasion, vous pouvez le découvrir en cliquant ici.

Classé dans:Evénements, Expériences, , , ,

Palais de Tokyo / 3

On en sait désormais un peu plus sur le devenir du Palais de Tokyo. Nous évoquions en juin dernier les enjeux de la méthode fixée par Christine Albanel début 2009 pour ce lieu en quête d’une nouvelle dynamique et d’une nouvelle envergure. C’est un travail considérable qui a été accompli par Olivier Kaeppelin et ses équipes, pour que dans deux ans un nouveau Palais de Tokyo ouvre ses portes au public. Depuis l’installation du « Site de création contemporaine » en 2002 au premier niveau du Palais de Tokyo, un manque se faisait sentir, tout particulièrement pour la scène française : il fallait un nouveau lieu pour mieux rendre compte et montrer au public la diversité, la vitalité et la maturité de la création en France dans sa dimension cosmopolite, sans distinction de génération, de genre ou de notoriété. Fini donc le tiraillement permanent entre création « émergente » et marché de l’art ? C’est en tout cas un des paris que le nouveau Palais de Tokyo ambitionne de remporter et tous les ingrédients semblent avoir été réunis cette fois-ci.

Le projet d’Olivier Kaeppelin est un modèle d’opiniâtreté (il y songe depuis son arrivée à la DAP), avec une approche d’une pertinence rare à cette échelle d’équipement culturel. Mais c’est l’adéquation entre le projet et le programme architectural qui est sans aucun doute la première des conditions de réussite de l’opération. La consultation des architectes est en cours, trois équipes vont être retenues jusqu’en mai 2010, moment où sera désignée l’équipe lauréate. Les travaux devraient débuter fin 2010 pour une ouverture prévue fin 2011.

Ensuite, il conviendra de mettre à l’épreuve l’idée d’un lieu dédié à la scène française comme garant de la diversité et de la liberté face à l’uniformisation de la mondialisation culturelle, mondialisation face à laquelle de nombreux pays ont opté pour cette même posture (notamment en Allemagne, Etats-Unis, Grande-Bretagne, Inde, Chine, Brésil, Pakistan, Thaïlande et Corée du Sud) en créant des institutions dédiées à leur scène nationale.

Un des atouts du projet d’Olivier Kaeppelin pour éviter toute forme de chauvinisme, d’art national et ne pas perpétuer la défense de l’exception culturelle française à l’ancienne, c’est sa logique d’assimilation à la scène française des artistes étrangers qui sont venus vivre et travailler en France à un moment donné. C’est la reconnaissance d’une réalité qui ne plaît peut-être pas à tout le monde mais qui est parfaitement justifiée. C’est la reconnaissance d’un modèle français qui ne cherche plus à affirmer d’abord ses principes ou ses valeurs mais sa maturité, ses évolutions, sa mixité, sa réalité multiculturelle d’hier et d’aujourd’hui qui au fond a bien souvent été reléguée au rang des sujets qui divisent alors que dans d’autres pays on assume pleinement ce qui unit une société dans toutes ses composantes, dans toute sa diversité et bien au-delà des discours sur la diversité culturelle.

Dans ces conditions, c’est un tout autre discours sur l’art contemporain qui est ENFIN possible.

Côté modèle de gestion, l’association actuellement chargée de porter la préfiguration du projet (qui rassemble notamment, excusez du peu, Marc-Olivier Wahler, Mark Alizart et Pierre Cornette de Saint-Cyr son président) tient par-dessus tout à ce que le nouvel équipement soit un seul ensemble architectural qui permette de construire des offres multiples et non pas une cohabitation entre plusieurs espaces et plusieurs entités. C’est pourquoi le « Site de création contemporaine » originel sera totalement intégré, jusque dans l’entité juridique qui portera l’ensemble.

Pour cela, une SAS présidée par Olivier Kaepplin (avec Marc-Olivier Wahler comme directeur, Mark Alizart comme directeur délégué et Pierre Cornette de Saint-Cyr comme président du conseil d’administration) permettra de consolider les missions et les équipes du « Site de création contemporaine » tout en bénéficiant d’une grande souplesse de gestion. Ce statut également choisi pour la Salle Pleyel, l’agence France-Museum ou Versailles-spectacles, permet aussi de bénéficier des mesures fiscales favorables au mécénat et de développer des synergies public/privé qui font de ces équipements de vrais atouts pour un rayonnement culturel français qui a plus que besoin d’un second souffle. Au Palais de Tokyo, on se dirige donc vers un équipement performant en tout point. A l’heure où de nouvelles places fortes naissent sur le marché de l’art contemporain, comme Dubaï récemment, il est de bon ton de se douter des outils qui malgré la crise créent les conditions d’une dynamique de développement porteuse de perspectives pour la scène artistique française et notre fameux « soft power ».

Philippe Gimet

Classé dans:Analyses, Expériences, Gouvernances, Ingénieries, Politiques culturelles, , , , , , ,

Palmarès des expositions 2008-2009 : le cas Banksy à Bristol / 1

Dans le palmarès récemment publié par The Art Newspaper des expositions les plus visitées dans le monde pour l’année 2008-2009, les chiffres de fréquentation montrent que les effets de la crise ne se sont pas fait sentir pour ces événements. Sur le plan interne, cela s’explique principalement par le fait que la plupart du temps ce type d’institutions ont une planification de programmation de leurs expositions à n-3 ou n-2, idem pour les mécènes/sponsors.

En externe, il a déjà été démontré à de très nombreuses reprises que la culture est une « valeur refuge » pour le public et pour les professionnels, on a notamment vu en 2009 les opérateurs économiques privés revenir vers ce qu’on appelle le segment institutionnel.

Bien entendu, cela ne vaut pas pour tout le monde ; c’est la limite de ce type d’exercice qui bien souvent ne permet pas de comparer les échantillons de manière suffisamment détaillée, et on sait déjà que la période 2009-2010 a été plus affectée, notamment pour ce qui est du « tassement » de la fréquentation touristique (avec des effets plus ou moins importants selon les territoires et selon les stratégies des opérateurs) et de la baisse du mécénat (8% en moyenne selon les études internationales qui ont été réalisées ces 6 derniers mois). The Art Newspaper (qui consacre également dans son numéro de mars un article très intéressant sur le 104 à Paris) indique déjà que pour 2009-2010 le nombre de mécènes/sponsors sur des grandes expositions a baissé (beaucoup ont tout simplement disparu) et que nécessairement cela se fera sentir sur les résultats de fréquentation.

Mais au sein de ce classement 2008-2009, une exposition qui s’est déroulée l’été dernier à Bristol en Angleterre figure de manière très surprenante à la trentième position, avec près de 4000 visiteurs par jour. Il s’agit de l’exposition du graffeur Banksy au Bristol City Museum.

Aucune exposition de graffeur (une mégastar en l’espèce) n’a jamais enregistré de tels chiffres sur des bassins de vie équivalents où que ce soit dans le monde, et la surprise vient aussi du fait qu’aucune promotion ou publicité n’a été faite pour cette exposition. Celle-ci a en effet été annoncée la veille de son ouverture et a été préparée dans le plus grand secret en parfaite entente entre l’artiste et la municipalité. Le musée a été fermé pendant tout le montage sans la moindre fuite (hormis deux musées concernés par les œuvres à acheminer étaient au courant). Sa directrice Kate Brindley avoue que cela fut très difficile de garder le secret depuis le mois d’octobre et reconnaît avoir fait un pari risqué pour son institution.

Avec de tels « handicaps », l’exposition obtient un résultat exceptionnel et parvient à battre l’exposition de LA star britannique de l’art contemporain Anish Kapoor à la Royal Academy of Arts de Londres, sur les douze semaines de l’exposition il a fallu attendre parfois jusqu’à 6 heures pour pouvoir entrer et l’exposition a pratiquement rapporté ce que le musée encaisse en une année.

Dans ces conditions qui défient toutes les logiques, comment ne pas s’interroger sur les recettes d’un tel succès ? Quels sont les ingrédients qui ont servi à concocter une telle réussite ? Ce sera l’objet de la deuxième partie de ce post.

Ci-dessous le top 10 publié par The Art Newspaper :

  1. Ashura and Masterpieces from Kohfukuji – Tokyo National Museum, 15,960 visitors per day
  2. 61st Annual Exhibition of Shoso-in Treasures – Nara National Museum, 14,965 visitors per day
  3. Treasures of the Imperial Collections – Tokyo National Museum, 9,473 visitors per day
  4. 17th Century Painting from the Louvre, National Museum of Western Art, Tokyo, 9,267 visitors per day
  5. 2nd Photoquai Biennale, Musee Quai Branly, Paris, 7,868 visitors per day
  6. Picasso and the Masters, Grand Palais, Paris, 7,270 visitors per day
  7. Kandinsky, Centre Pompidou, Paris, 6,553 visitors per day
  8. Joan Miro: Painting and Anti-Painting, Museum of Modern Art, New York, 6,299 visitors per day
  9. Pipilotti Rist: Pour Your Body Out, Museum of Modern Art, New York, 6,186 visitors per day
  10. Treasures of the Habsburg Monarcy, National Art Centre, Tokyo, 5,609 visitors per day

Sources : SMG, BBC, The Art Newspaper

Classé dans:Analyses, Evénements, Expériences, Gouvernances, Ingénieries, Politiques culturelles, , , , , , , , ,

Cinquième édition du festival Croisements

La France organise ce mois-ci en Chine son plus grand festival culturel dans le monde, a annoncé jeudi son ambassadeur à Pékin, évoquant les manifestations multidisciplinaires qui vont être présentées au public chinois pendant deux mois dans le cadre de « Croisements ». Cette 5e édition du festival Croisements doit être inaugurée le 15 avril pour se clore le 21 juin à Shanghai, lors de la Journée France qui tombera le jour de la Fête de la musique sur le site de l’exposition universelle dans la métropole de l’est de la Chine, a expliqué Hervé Ladsous. « Cette année ce sont 200 manifestations qui vont se dérouler dans 27 villes chinoises, contre 150 l’an dernier dans 21 villes », a expliqué M. Ladsous, « le festival Croisements est devenu le plus gros festival français dans le monde ». Le cinéma français sera représenté par 13 longs métrages et 12 courts métrages alors que la France tente d’élargir la diffusion de ses films sur l’immense marché chinois, encore peu ouvert. Des acteurs comme Vincent Perez et Josiane Balasko sont attendus en Chine pour la projection de « Demain dès l’aube » (Denis Dercourt) et « Le hérisson » (Mona Achache). Pour la première fois, les Rencontres d’Arles de la Photographie participeront à Croisements. Des expositions comme « Abysses », de Claire Nouvian, qui explore les grands fonds, seront présentées. Côté musique, le chanteur-compositeur de rock M, ou Matthieu Chedid, doit donner un concert le 21 juin à Shanghai, le jour où la France « fera une magnifique fête de la musique, la première à Shanghai », a dit M. Ladsous. Izia, fille de Jacques Higelin, chantera également en Chine. Pour la danse classique, trois grands ballets où se retrouvent danseurs et chorégraphes français et chinois seront sur scène. Les Chinois de Pékin, Shanghai ou Canton curieux de danse contemporaine pourront voir notamment « Blanche Neige » de la compagnie Angelin Preljocaj, ballet pour lequel les costumes sont signés du couturier Jean-Paul Gaultier. Des expositions de peinture figurent aussi au menu de Croisements, de même que des pièces de théâtre, des ateliers avec des écrivains français et des concerts de musique classique. « Il y en aura pour tous les goûts et tous les publics », a dit M. Ladsous, « c’est la richesse de la création artistique française que nous voulons montrer à tous les publics ». L’édition 2009 de Croisements avait été fréquentée par 250.000 Chinois, généralement des citadins aisés.

Source : AFP

Classé dans:Evénements, Expériences, Politiques culturelles, , , ,

Audience stats (year nine)

  • 393,258 page views

Network map today : 3020 experts members and contributors

Rejoignez 3 705 autres abonnés

Themes

Action artistique et culturelle Aménagement du territoire Architecture Art dans la ville Art et espace public Arts sciences et technologies Billets réflexifs Capitales européennes de la culture Coopération culturelle Coopération internationale Creative cities Création contemporaine Création numérique Cultural Engineering Group Culture et développement territorial Culture et innovation Dialogue interculturel Diversité culturelle Démocratisation de la culture Développement culturel Développement des territoires Développement durable Développement soutenable Economie créative Economie de la culture Equipements publics Ethique Europe Evaluation des politiques culturelles Financement de la culture Finances publiques Gouvernance culturelle Industries créatives Industries créatives et design Industries culturelles Ingénierie culturelle Ingénierie de la connaissance Ingénierie touristique Innovation Innovation sociale Interculturel Marché de l'art Marketing culturel Marketing des territoires Musées Musées et nouvelles technologies Mécénat Métropoles créatives Nouveaux médias Nouvelles gouvernances Nouvelles technologies Patrimoine Patrimoine numérique Politique culturelle Politique des territoires Politique européenne Politiques culturelles Politiques de l'innovation Politiques des territoires Politiques européennes Politiques publiques Politiques publiques et PPP Polémiques Prospective RGPP Réforme de l'Etat Réforme des collectivités territoriales Réformes Soft power Soutenabilité Tourisme Tourisme culturel Tourisme culturel et nouvelles technologies UNESCO Urban planning

Member of The Internet Defense League

%d blogueurs aiment cette page :