Cultural Engineering Group

Services & Ressources en ingénierie culturelle

Un nouveau cycle prometteur à Stereolux


Stereolux est un lieu fantastique et épatant, beaucoup d’entre vous le savent et on ne le dira jamais assez. C’est un lieu aux multiples facettes installé au cœur de l’île de Nantes, au sein de La Fabrique. C’est un projet culturel et artistique porté par l’association Songo, orienté autour des musiques actuelles et des pratiques numériques. Situé sous les Nefs, à deux pas du centre ville, Stereolux s’anime aux côtés d’acteurs culturels, des établissements d’enseignement supérieur et des entreprises créatives et innovantes.

C’est un laboratoire « Arts & Techs » qui travaille l’innovation par la création numérique comme on en voit peu en France et qui inaugure en octobre un nouveau cycle très prometteurs sur le thème de les lumières de la ville. A ne pas manquer donc !

Ville, scénographie et usages sont les trois mots qui vont animer le dernier trimestre 2015 à Stereolux. D’un côté, lumière et ville, avec un hackathonune conférence et des démonstrations qui vont s’intéresser entre autres aux dispositifs urbains lumineux et leur rôle dans la thématique des « Smart Cities ». De l’autre, lumière, scénographie et interaction, avec un workshop s’intéressant au créative coding dans le spectacle vivant et une conférence.Pour vous mettre dans l e bain, Gwendal Le Ménahèze introduit la thématique dans cet article.

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Make It Up – Festival d’obsolescence (re)programmée



L’obsolescence programmée modèle notre consommation et notre vie quotidienne. Equipements électroniques non réparables et à fin de vie prématurée,  meubles fragiles, prêt-à-porter éphémère, accessoires jetables …

En même temps, la prochaine révolution numérique est en marche : après l’Internet et les smartphones, les objets autour de nous communiqueront avec leur environnent et créeront un réseau, l’Internet des Objets.

Dans ce contexte, est-il possible d’exploiter la manne de produits obsolètes pour créer des objets utiles et communicants de demain ?

Rendez-vous à Make It Up les 8 et 9 décembre pour inventer les solutions ensemble!

Designers, ingénieurs, artisans, artistes numériques et créateurs se réunissent en décembre pour inventer ensemble les objets de demain.

Make It Up est co-organisé par : Nod-A, Weave AIR, MakingSociety, Wiithaa, reaDIYmate, la FING, Cap Digital, Plaine Commune et la Ville de Saint-Ouen. Pour en savoir plus sur l’équipe, consultez la page dédiée.

A ne pas manquer !

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Lumia I art I light I motion

Lumia: art/light/motion is a new media exhibition presented by State Library of Queensland in partnership with Queensland-based Kuuki collective artists Priscilla Bracks and Gavin Sade. Explore contemporary life and encourage thought about the future through an extraordinary collection of hand-crafted and interactive electronic creatures and installations. These beautifully crafted new media artworks in Lumia: art/light/motion combine the bespoke with art and technology to create strange but intriguing objects.

Kuuki is a collaboration bound together by an interest in how people interact with, and shape the world in which they live. Kuuki is a Japanese word that translates literally to oxygen, air or atmosphere, but is also used colloquially to mean things we take for granted, but cannot live without. Priscilla and Gavin take an avid interest in contemporary issues and popular culture, reading the air or mining the wealth of our collective consciousness and action for inspiration and ideas. This inspiration and ideas has been transformed into five new media artworks which will draw you into a curious ‘other’ world – intriguing the most curious of minds, and invite you to engage with contemporary global issues and reconsider personal and cultural priorities.

Gavin Sade is a designer, educator and researcher in the field of interactive media, with a background in music and sonology. In 2003 he formed Kuuki, a creative media collective who have since exhibited works nationally and internationally. Gavin is also the Undergraduate Study Area coordinator for Animation, Interactive and Visual Design in the Creative Industries Faculty at the Queensland University of Technology. Kuuki is an art, design, and media production collective directed by Gavin Sade and Priscilla Bracks. Based on the Japanese concept of kuuki which considers things we take for granted, but cannot live without, Priscilla and Gavin seek to create things which enable people to experience, express and benefit from their creativity.

Source : Rhizome

Location: State Library of Queensland 
Cultural Centre Stanley Place 
Brisbane, Queensland 4101 

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DIGICULT is an online/offline Italian platform, created to spread digital art and culture worldwide. It focuses on the impact of new technologies and modern sciences on art, design, culture and contemporary society. DIGICULT is based on participation of more than 40 professionals, representing a wide Italian Network of critics, curators and journalists in the field. DIGICULT is the editor of the magazine DIGIMAG, which focuses on some cultural and artistic issues like internet art, hacktivism, electronica, video art, audiovideo, art & science, design, new media, software art, performing art

« …What is interesting about teaching integrated closely with design practice is that it really starts to break down the roles people typically play. There is not so much a hierarchy anymore, but a real platform for exchange. When we teach, we are actually conducting design research on one of our current agendas. When we practice we are giving the research the much needed ‘application’. By opening this up to students and collaborators the research is much richer and varied. We feel it’s been a notion understood for a while by the progressive practices that one’s students today, are their professional collaborators tomorrow…. perhaps we are bringing this collaborative view in one day sooner! We feel the model of the institution as we have previously come to know it is being challenged by economic and social factors. It used to be that the knowledge was at the institution; a student must go there and pay in order to receive this knowledge. The internet has changed th is entirely. Real, verifiable knowledge is distributed freely all over the web. … »

Luis E. Fraguada & Monika Wittig, from « LAN – Live Architecture Network. The net as a design project » – by Sabina Cuccibar



An interesting and fresh declination of the creative potential of the practices related to parametric design is represented by LaN – Live Architecture Network, (Monika Wittig, Luis E. Fraguada, Shane Salisbury, CarloMaria Ciampoli, Aaron Willette). It is a network made up of young architects, mostly American and from Western European countries, who all met at the IaaC (Institution of advanced architecture of Catalonia).

by Sabina Cuccibar


Where do sounds come from and where do they go? From this fundamental and central question, the different trajectories that make up Acoustic Territories. Sound Culture and Everyday Life, the new book by Brandon LaBelle – artist, theorist and editor, branch out. Through a particularly coherent research, the author has constantly devoted himself to the exploration of sound and audio culture from multiple points of view and different levels, giving birth to a large body of work, tests and projects.

by Elena Biserna


Alberto Abruzzese, full professor in Sociology of Cultural and Communicational Processes at IULM University in Milan, where he is also headmaster of the Tourism, Culture and Territory Department and pro-chancellor for International Relations and Technological innovation, of which fields of research are: mass communication, cinema, television and the new media, with a particular focus on the social developments connected to the diffused implementation of media.

by Marco Mancuso


One of the most interesting events testifying the great current favour of video art is, for sure, the Festival/Fair LOOP of Barcelona. Currently reaching its eight edition (May 2010), it stands out internationally not only due to its clear choice strongly focused on video art, but especially for its atypical features which made it an attractive meeting point for persons with different needs and in search of different propositions.

by Herman Bashiron Mendolicchio


FM3, the experimental music group whose productions examine the relationship between composition, art, and everyday life, consists of original members Zhang Jian and Christiaan Virant. Prior to releasing the object for which they are best known, the plastic loop-playing device known as the Buddha Machine, which builds on inspiration from the automatic mantra- and prayer-chanting recording devices common in Asian temples, replacing these original loops with the composed elements with which the group has continuously worked.

by Robin Peckham


Geir Jenssen, also known as Biosphere, is one of the most important figures in the field of contemporary electronic composition. Norwegian origins, from Tromsø, a town immersed in icy silence, 500 miles away from the Arctic Circle. Atypical personality, friendly and quiet, he always prefers to communicate through sound, like the sound of his records, of the many installations he designed in the last years, even of the performances.

by Pasquale Napolitano


Biometric sensors, made cheaply available by do-it-yourself (DIY) prototyping platforms such as Arduino, allow a shift away from visual interfaces to proprioceptive interfaces, away from the touch of a finger and towards a more internal, embodied form of sensing. One possible effect of this shift is away from the command-control methodology which was a historical basis for cybernetics, and towards a form of modulation and cooperation akin to intersubjectivity

by Micha Cardenas & Elle Mehrmand


You may have recently happened to witness the presentation of a new online service. Two young men wearing a t-shirt with the Gmaybe? logo show the exciting benefits of the new frontier of social networks. All the rhetorical promises related to technology are there: « they tend to fall into four main categories: democracy, freedom, efficiency and progress.

by Loretta Borrelli


We tried to dig deeper in this interweave of relations between composition, sound landscape, environmental sounds, photosouds and emotional relations of listening with Matteo Pennese, composer and performer focused on developing systems for live-electronic, especially with Max Msp, and most of all on new ways of interacting with the environment through new hardware and software devices, such as Arduino.

by Simone Broglia


Sineglossa is an artistic collective living in the Marche region in Italy, including personalities from different disciplines with the same purposes and the same sensitivity. Created in 2006 by director Federico Bomba, painter Luca Poncetta and performer Barbara Hall, the theatrical debut happened in 2007 with Camera Verde, to which followed in 2008 Pleura e Pneuma.

by Massimo Schiavoni


Paolo Ranieri, a leading light of N03!’s multimedia activity, video director and teacher at the Academy of Fine Arts in Carrara, bears an important surname: his grandfather Paolino Ranieri, who died on the tenth anniversary of the

Audiovisual Museum of Resistance, was one of the organizers of resistance in Lunigiana. The museum was a big desire of Paolino when he was alive, and it was designed and built by Studio Azzurro in collaboration with Paolo Ranieri.

by Annamaria Monteverdi


A close step far from the counter-reformation of the “gag law”, stirred by the fear of our politicians who are frightened of losing control on the information flow or of a excessive overexposure of privacy and details, we caught the opportunity to go back on the matter of Open Data. But what has Open data got to do with the “problem” of interceptions and “bugs” of public and private world?

by Teresa De Feo


Information theory proposes that there is a fundamental element the bit- a binary variable- that is the basis of all communication. As it turns out, this bit, a discrete indivisible entity, is the essential building block of both computer code and quantum particles. Both the physical and digital reality are composed of the same quantized binary bits of information. Reality, regardless of it’s content, is nothing more than the information it communicates..

by Jeremy Levine


The topic of water in the multimedia, electronic and digital field is huge since the beginning of electronic art and works of art of famous artists such as Bill Viola and Fabrizio Plessi, only to mention a few. Water has been compared to the electron flow and video, exactly for its liquid and mobile nature, is par excellence the mean which is the most linked and compared to this element essence.

by Silvia Scaravaggi



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The Digicult Archive: past issues, articles and interviews

The Digicult Board:

The Digicult website:

The Art-Agency Digimade:

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iphone art exhibition

Flaneur art and culture journal has opened a contemporary art gallery viewable on iphones and seeks artworks for its first exhibition. This is a great way for painters and all other artists to experience their work in the new realm of mobile technology. With over 34 million iphones sold, and the wepapp viewable on the ipod Touch as well the potential for people to engage with your work is huge!
As this is the first call for work for our iphone exhibition Flanneur art and culture journal is looking for work of all kinds. It is only through experimentation that we will all see what works best in this new domain. Traditional artists who do not normally engage with new-tech are welcomed, as well as geekists who are only happy with an iphone in their hand.
Work should be a maximum size of 480 x 320 pixels, although it can be smaller. Any larger and it will be resized.
Image file size needs to be small enough to load quickly. Please use JPEGS and keep the size down. It may need to be reduced the size further to aid loading. Images will also be considered for publication in The Flaneur art journal.

  • The exhibition will open in early June 2010
  • Deadline for applications: End of May 2010
  • Entry fee 5£ (or your local currency equivalent)

This is an exhibition by selection. If your work is selected we will contact you. Flanneur art and culture journal will try and contact everyone who enters, but this may be impracticable. This exhibition will be viewable on iphones around the world at It will also be submitted to the Apple app store. Please visit for more details and to enter.
If you need help with converting files, please contact

Source : Rhizome

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The onedotzero_Adventures in Motion Festival

From Friday, April 30 through Sunday, May 2, 2010, the Curtis R. Priem Experimental Media and Performing Arts Center (EMPAC) at Rensselaer Polytechnic Institute will host the second Troy appearance of the London-based onedotzero_Adventures in Motion festival. Comprising feature-length films and shorts as well as installations and live performances, the event is a weekend-long celebration of the moving image that’s guaranteed to inspire, provoke, and delight.

Special guests include the projected-light visual label AntiVJ, in residence at EMPAC in April, who will premiere a mesmerizing audiovisual performance on opening night with minimal techno artist Sleeparchive. Also featured will be a late-night performance by DJ superstar Diplo, who will be joined by a cadre of the area’s finest VJs to get your ears, eyes, and feet vibrating.

The onedotzero_Adventures in Motion Festival will take place throughout the EMPAC space. A full schedule of events will be announced on the EMPAC website in early April.

The Screenings:

  • Wow + Flutter – A compilation of fresh and original short-form moving images. This year’s standouts are Xavier Chassaing’s ‘Scintillation,’ created from over 35,000 photographs, and Johnny Hardstaff’s ‘Cherry Girl.’
  • Wavelength – The most exciting and offbeat music videos from around the world, with works composed for Royksopp, N.A.S.A, and Fleet Foxes.
  • Citystates – A digital exploration of the human impulse toward urbanism, with a prophetic eye on the next generation of supercities.
  • Extended Play – Short narratives from an eclectic range of international auteurs that pursue entirely new visual approaches to storytelling.
  • Terrain – Arresting moving image vistas from directors from different disciplines who share a common fascination with the diverse environments we inhabit, both real and virtual.
  • New British Talent –BBC Film Network, in collaboration with onedotzero, presents moving image work by the rising stars of the UK’s filmmaking scene.
  • J-star –The latest and most inspiring music videos, shorts, and motion graphics from Japan.
  • Sprites – A special new children’s program, including a Studio AKA animation workshop, a mini-festival of shorts for young people, and opportunities for interactive play.
  • Cascade – Leading up to the onedotzero Festival, EMPAC has organized a series of educational artist exchanges with the students and faculty of Rensselaer including workshops with visiting artists, critiques and lunches. The student presentations and critique will be open to the public and held on the Sunday of the onedotzero festival at 2:30pm.
  • A new video by Brian Alfred whose work is inspired by his interest in globalization, civil unrest, political and social opposition, and influential figures and locations. The animation will feature multiple soundtracks by musicians Flying Lotus, Ghislain Poirier, Roberto Carlos Lange, and many others.

All installations, lounge, cafe and Studio 2 performances are free and open to the public.
Additional event information can be found on the EMPAC website,

Onedotzero is a contemporary digital arts organization dedicated to promoting innovation across all forms of moving image and motion arts. Activities encompass public events, artist + content development, publishing projects, education, production, creative direction, and related consultancy services. onedotzero_adventures in motion is a global network of film festivals, showcasing the best of new digital film and animation.

AntiVJ is an international visual label that creates monumental projections in public spaces, combining powerful video projectors with digital mapping techniques and holographic illusions.



onedotzero__adventures in motion
Friday, April 30 – Sunday, May 2, 2010
Multiple venues
Curated by Kathleen Forde


The Curtis R. Priem Experimental Media and Performing Arts Center (EMPAC) opened its doors in 2008 and was hailed by the New York Times as a “technological pleasure dome for the mind and senses… dedicated to the marriage of art and science as it has never been done before.”

Founded by Rensselaer Polytechnic Institute, EMPAC offers artists, scholars, researchers, engineers, designers, and audiences opportunities for creative exploration that are available nowhere else under a single roof. EMPAC operates nationally and internationally, attracting creative individuals from around the world and sending new artworks and innovative ideas onto the global stage.

EMPAC’s building is a showcase work of architecture and a unique technological facility that boasts unrivaled presentation and production capabilities for art and science spanning the physical and virtual worlds and the spaces in between. See our previous post about EMPAC.

About Rensselaer Polytechnic University

Rensselaer Polytechnic Institute, founded in 1824, is the nation’s oldest technological university. The school offers degrees in engineering, the sciences, information technology, architecture, management, and the social sciences and humanities. For over thirty years, the Institute has been a leader in interdisciplinary creative research, especially in the electronic arts. In addition to its MFA and Ph.D. programs in Electronic Arts, Rensselaer offers Bachelor degrees in Electronic Arts, and in Electronic Media, Arts, and Communication – one of the first undergraduate programs of its kind in the United States. The Center for Biotechnology and Interdisciplinary Studies and EMPAC are two major research platforms that Rensselaer has established at the beginning of the 21st century.

Source : Rhizome / Jason Murphy

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AV Festival is about to start !

AV Festival 10 the biennial international festival of electronic arts returns from 5-14 March 2010 across Newcastle Gateshead, Middlesbrough and Sunderland in North East England. This year the curatorial theme is energy, explored as a universal force that connects, transforms and renews life. The Festival includes 24 exhibitions, 20 performances, 10 screenings, 14 talks, 3 symposia, club nights, artist residencies and the Feral Trade Cafe by artist Kate Rich.

Artists include: Charlemagne Palestine, Felix Gonzalez-Torres, Kenneth Anger, Liliane Lijn, Bruce Conner, Harwood, Owl Project, Zilvinas Kempinas, Semiconductor, Buddha Machines, Bill Fontana, Iain Forsyth and Jane Pollard, Cluster, Alan Moore, Stephen O’Malley, Evelina Domnitch and Dmitry Gelfand, Kenneth Goldsmith, People Like Us, Christian Marclay, Johan Grimonprez, James Benning, Rick Prelinger, Craig Baldwin, Gustav Metzger, Lucky Dragons

More information and online ticket sales:

Read our previous post about AV Festival.

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Formations AGECIF aux arts numériques

Face au manque criant de formation dans le domaine des arts et spectacles numériques, hors les pratiques artistiques et techniques, l’AGECIF lance trois formations spécialisées notamment en partenariat avec le Zinc à Marseille : Médiation des Arts Numériques, Production des Arts Numériques et Communication des Arts numériques. L’AGECIF se place au service du secteur culturel, des entreprises, institutions et organisations qui le structurent et des personnes qui le font vivre. La formation professionnelle continue pour renforcer les compétences, et faciliter l’engagement d’artistes ou de techniciens. Elle intervient sur l’ensemble du territoire et en particulier à Lyon, Marseille, Bordeaux, Montpellier, Clermont-Ferrand, Tours, Orléans, mais aussi en Normandie, ainsi qu’à La Réunion, en Guadeloupe et en Martinique. Elle s’inscrit dans une pensée européenne. Elle est membre fondateur du réseau européen des organismes de formation sur les questions de gestion culturelle, l’ENCATC. Enfin, pour compléter son offre, l’AGECIF vient de créer une filiale, une société d’expertise comptable inscrite à l’Ordre des experts-comptables, spécialisée dans le secteur culturel et artistique : AGECIF Conseil.

Médiation des Arts Numériques / Communication des Arts Numériques / Production des Arts Numériques.

Informations :

Source : Digital Performances and Cultures

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Audioguide Universel

La Fondation d’entreprise Ricard accueille le mardi 19 janvier prochain l’artiste Antoine Poncet et Eric Mangion, Directeur de la Villa Arson à Nice. Antoine Poncet présentera un audioguide qui proposera un parcours entre les œuvres de l’exposition Double Bind, présentée à la Villa Arson à partir de février 2010. Il a été spécialement conçu par l’artiste pour l’exposition comme une installation sonore portative.

Il sera disponible sous trois formes :

  1. Téléchargement en audiocast sur
  2. En ligne sur I-Tunes
  3. Sur des lecteurs mp3 mis à la disposition du public à l’entrée de l’exposition.

L’audioguide est un objet typique des espaces muséaux, et plus généralement des lieux qui se visite, pour accompagner et suppléer aux besoins d’information de l’homo informaticus ou connecticus. Mais que donne à entendre ces informations parlées? 
Un simple commentaire (en langue maternelle de préférence), qui donne les clés pour réussir une visite? on « réussit » une expérience (l’art comme objet de connaissance observable et vérifiable) ? 
Un dogme, une justification de l’intérêt de ce que l’on est en train de voir? 
Ou si l’œuvre d’art est perçu comme outil de transmission, alors une transmission de transmission…

Sa simple présence signifie que l’on se trouve dans un lieux qui se visite, et confère au promeneur un statut de connecté à l’écoute des œuvres, de l’architecture et de l’esprit des lieux. Un circuit est tracé et le visiteur peut se repérer. Dans l’exposition Double Bind seuls resteront des cartels qui signaleront par un pictogramme un lieu d’écoute, mais sans œuvre. Le commentaire devient œuvre, et les rapports du dispositif œuvre-public-institution sont ainsi brouillés. Avec ce projet se renouvelle la question de la place de l’œuvre dans l’espace d’exposition, porté par le visiteur l’audioguide dans ce cas n’explique rien, il n’est pas porteur d’un éclairage et ne donne à entendre des espaces de non-entendements. 
Autre paradoxe, cet audioguide se proclame universel, injonction contradictoire, puisque formulée en français, mais le fait qu’il soit téléchargeable il peut accompagner le visiteur pour d’autres visites ou parcours, ou d’autres circonstances…
Les entrées de cet audioguide sont issues de l’Anthologie des langues contrefactuelles, qui regroupe des textes écrits en langues facultatives, approximatives ? en langues abstraites ? concrètes ? en langues imaginaires ? artificielles ? en langues de convention, ou anti conventionnelles ? en argot, en jargon, en soudardant, en amphigouri, en martien… bref dans des langues qui échappent à la norme, en charabia quoi! Ces exemples sont empruntés à plus de sept cents ans d’histoire de la littérature, puisque les plus anciens textes datent du XIIIème siècle.

L’ anthologie des « Langues contrefactuelles », des langues facultatives, des langues imaginaires, des langues inconnues, équivoques, bref une « Anthologie du Charabia ».

 » Les langues imparfaites en cela que plusieurs, manque la suprême :… « 

Pour Stéphane Mallarmé, les différences et les difficultés de la profusion des langues relève d’une déchéance autant qu’elle la génère, c’est en tout cas le signe d’une perte. D’un état de crise du langage qui prive l’homme d’une langue idéale. Une langue qui pourrait tout dire et dire tout, du réel comme de l’irréel, pour soi-même comme pour les autres. L’idéal serait, comme on l’a beaucoup pratiqué au XIXe, de rechercher une langue originelle, ou d’inventer comme Mallarmé une suprême ‘divagation’, bref d’en finir avec la malédiction de Babel. 
Avec l’anthologie des langues contrefactuelles il s’agit d’aller « au contraire », d’aller recenser les langues bizarres, rares, vulgaires, précieuses, étranges, biscornues, délirantes…. Celles qui font obstacle, ou celles qui doublent l’obstacle, celles qui disent n’importe quoi, n’importe comment, celles qui s’affranchissent des entraves de l’Académie, de l’époque ou du milieu. En définitive, il est question, non d’échapper au soi-disant châtiment de dieu : ne pas comprendre, ni de se faire comprendre, parler une langue impure, inapte, mais de prendre part et pourquoi pas plaisir aux divines punitions de ceux qui babélisent.

Depuis avril 2003 Antoine Poncet travaille à une anthologie du charabia. 
Faire une anthologie du charabia c’est pratiquer des textes incompréhensibles, s’essayer à les lire à haute voie, se découvrir de ce que l’on ne comprends pas, cela revient à pratiquer une heuristique du bizarre de son propre charabia. Puis c’est trier, classer, non pas pour écrire entre les lignes mais pour relier ces textes, empruntés à plusieurs siècles de littérature, peut-être pour en proposer une sorte de reliure sonore. Aussi cette anthologie ne sera pas un livre, elle est un projet sonore, ainsi elle a donné lieu a des émissions de radio, à des conférences, à des atelier de lecture, et aujourd’hui à un audioguide.

Liste des entrées de l’audioguide :

  1. Mode d’emploi.
  2. Galimatias méditation du silence Prologue en faveur du silence (1620). Bruscambille.
  3. Fatras des intentions. Fatras d’Arras, (vers 1250) Anonyme
  4. Langues « premières ». Toto vaca,  1920 Tristan Tzara, 
La Jerouka,  (Impressions d’Afrique) 1911 Raymond Roussel
  5. Martien Des Indes à la planète Mars, étude sur un cas de somnambulisme avec glossolalie,  1900, Théodore Flournoy.
  6. Métapoèsie Seng sitog mïr ê sinoer seng sibag tûr, Extrait du discours absolu, Altagor 1948
  7. Injures J’interroge et j’invective, François Dufrêne ; 1949
  8. Étymologie. La Grande Nouvelle Véritable création de l’homme, résurrection des morts, tous les mystères expliqués. Jean-Pierre Brisset . 1900
  9. Langue verte Le pathétique surgelée, ,Asger Jörn et Noël Arnaud. 1964
  10. Cut-up Le ticket qui explosa,  William S. Burroughs 1969
  11. Soudardant Sonnet en authentique langage soudardant, Marc Lasphrise de Papillon (1555-1599)
  12. Langue des oiseaux Remarque sur la Philomèle, Charles Nodier 1832
  13. Faux Langaiges
Pantagruel, extrait du chapitre IX. Alcofribas Nasier (François Rabelais) 1532

Antoine Poncet est né en 1964.
Il vit et travaille à Paris.
Il a récemment exposé dans Félicien Marboeuf (1852-1924), proposée par Jean-Yves Jouannais et présentée à la Fondation d’entreprise Ricard du 2 juin au 11 juillet 2009.

Source : Fondation d’entreprise Ricard

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Pour un art au monde

L’excellente revue Archée et Eric Clémens* nous font l’amitié de nous autoriser à diffuser ses réflexions parues le mois dernier à partir du livre « L’expérience des lieux esthétiques » de Norbert Hillaire paru aux éditions de L’Harmattan en 2008. Après l’esthétique du passage et l’anesthésie moderne, l’oeuvre d’art devient-elle aujourd’hui multimodale ?

Suis-je le seul à me passionner pour l’art d’aujourd’hui sans pour autant échapper à la confusion des sentiments : attirance, répulsion, enthousiasme, découragement, indifférence, incompréhension, perplexité, etc., mais qui culmine dans le sentiment d’être débordé ? Et suis-je le seul à considérer que, pour me dépêtrer de cette confusion, la plupart des écrits sur l’art contemporain se trouvent pris entre la cartographie générale qui ne fait que décrire la multiplicité des productions actuelles et le décryptage particulier qui n’accède qu’à l’orientation partielle d’un mouvement ou même d’un seul artiste?

L’expérience des lieux esthétiques (1) de Norbert Hillaire, est, à cet égard, une exception. Le caractère exceptionnel de ces essais tient aux lignes de forces esthétiques qu’ils dégagent en révélant, me semble-t-il, la plupart des enjeux de l’art au XXIième siècle. Et qui, de plus, à partir de remises en jeu et de méditations reliant l’histoire et l’actualité dans une « hétérochronique vigilante du présent », nous permet d’échapper au relativisme nihiliste propre aux bavardages postmodernes.

Au départ, une double question qui encadre toutes les autres : celle du rapport de l’art aux nouvelles technologies et celle du lieu comme du temps, donc celle du monde, que les thématiques du désenchantement et de la déterritorialisation voudraient rendre caduques. Quels déplacements permettent d’y voir un peu plus clair ?

De l’esthétique du passage à l’anesthésie postmoderne : le port et la mode

Premier déplacement : de la destruction à la soustraction (concept emprunté à Badiou). Défaire la représentation qui occulte le réel passe certes par la déconstruction des conventions, mais qui, à se perpétuer sans fin, ne peut que s’épuiser. Et de fait, une bonne part de la production du XXième siècle s’y soustrait par une mise en jeu minimale qui marque l’écart irréductible du réel. De la mise en scène du poncif (les idées reçues autant que l’ « image-type » tel celle de Bovary chez Flaubert) au Pop art en passant bien sûr par le ready-made, une esthétique se fait jour moins de la banalité que de la répétition, à l’instar du modèle, du type, de l’objet à l’âge industriel. D’où le deuxième déplacement : de l’expérimentation et du nouveau vers l’enregistrement et la transmission. Walter Benjamin avait depuis longtemps indiqué cette voie qui substitue à l’idée du progrès celle du passage, de la transition, de la flânerie distraite qui attend la mort. Mais dans une telle perspective, y a-t-il un autre lieu que les « lieux communs » ?

Plus actuellement, si le monde prend de plus en plus la figure de la ville et surtout de la mégapole, c’est qu’en elle la vitesse et la lumière portent à l’incandescence la fascination pour l’âge industriel. Les illusions des Lumières – le panoptisme instantané – sont ainsi portées à leur comble avec la photographie, la vidéographie et le Net. L’enregistrement de l’éphémère – non sans paradoxe –confirme le devenir esthétique « du recyclage, du reste, du résidu » jusqu’à celle « de la disparition, de l’effacement ». Métaphore de cette transitivité, le port, toujours voué à l’incessante circulation marchande, apparaît ainsi comme « lieu emblématique de notre condition artistique postmoderne – qui après avoir épuisé la tradition du nouveau, postule comme principe le jeu infini des réappropriations, des recyclages et des relectures (un peu sur le modèle du DJ, dont l’œuvre se construit dans le mouvement du mixage et du sample d’un matériau musical ou sonore qui lui préexiste). » Et à ce lieu de pur transit du port semble correspondre le temps de pur transit de la mode où le monde moderne se sera épuisé dans le vide répétitif du monde postmoderne, un monde hors temps et sans lieux.

C’est sur ce point que Norbert Hillaire relance, repense le questionnement. Où en est la possibilité de faire œuvre au moment où le « tout visuel » menace l’image elle-même, le numérique immatériel effaçant la trace qui portait la différence entre le réel et la représentation ? Toute distance abolie, grâce aux technologies qui soutiennent la mondialisation, l’art s’est-il replié sur la manifestation et sa réception, sur l’action performante censée rétablir le leurre de la communication immédiate, sinon physique ?

Ce qui soulève la question du lieu de l’œuvre : où et quand l’œuvre a-t-elle encore lieu ? Pour y répondre, Hillaire repart du modèle de la « ville-panorama » lié à l’architecture fonctionnelle, avec son espace visible en surplomb, espace sans qualités axé sur le « principe de circulation et de changement perpétuels ». Face à cela, nombre d’artistes semblent privilégier une « présence autoréférentielle », souvent minimaliste, opposée à l’utopie de « l’esthétisation généralisée de l’environnement » – généralisée dans la stéréotypie . Mais, cette action locale opposée au réseau global suffit-elle pour résoudre la « crise du lien entre œuvre et lieu » ?

La sortie du musée suffit-elle et même est-elle efficace ? Comment l’œuvre d’art peut-elle encore se relier de façon distincte à l’espace réticulaire techno-urbanistique, un espace « saturé de signes et d’objets standardisés », y avoir lieu et temps, y introduire la médiation d’un monde transformable ? S’il ne s’agit plus de transmettre des objets (d’art), mais de créer des relations (communicationnelles), comment l’œuvre peut-elle intervenir de façon marquante ? L’opposition entre médiation et transmission n’est pas tenable : des « objets seconds » durables (photographies, ouvrages, DVD…) relaient et prolongent les performances éphémères… Mais, à nouveau, cela permet-il d’échapper à la délocalisation et à l’atemporalité de la « technologique » mondiale et globale ?

Du mur à l’écran, au vitrail et à l’estampe : l’œuvre multimodale

Une méditation sur l’art pariétal rend possible une avancée. Orner une paroi, peindre un mur convertissait l’espace en lieu, hors de toute fonction utilitaire et domestique, plus encore, il ouvrait l’avenir en faisant signes, des signes qui nous « parlent » encore, fût-ce énigmatiquement, aujourd’hui. Or, marquer aujourd’hui l’espace par des techniques comme celles du pochoir ou par des interventions délimitantes jusque dans les paysages prolonge cette tradition chez certains artistes qui reprennent cette constante de l’histoire de la peinture, la « libération des contraintes de l’architecture ». A l’espace fermé, l’art répond par la trace transfigurante.

Cependant, la modernité architecturale a voulu précisément abolir toute limite en substituant le verre, la transparence béante, au mur. Elle participe ainsi à l’établissement du monde-mégapole, trames et trajets horizontaux infinis qui remplacent la verticalité « du mur comme projet et projection », « du mur comme parole ». L’écran et ses images donnent-ils une nouvelle forme à ce mur ? Ou ne sont-ils qu’un prolongement de la prolifération télévisuelle de la réalité ? Une méditation du vitrail découvre à son tour une autre perspective : celle de l’invisible condition du visible. Car le vitrail introduit un temps en suspens qui redonne sens au lieu. Il est écran, mais écran qui ne masque pas le dehors tout en se tournant en dedans : il rend visible des figurations et des colorations en même temps que leur source invisible, la lumière qui les traverse. Dans l’art contemporain, il fait ainsi éclater cette manifestation d’un lieu présent au-delà de la représentation narrative traditionnelle.

Ce détour permet à Hillaire de dépasser les impasses du postmodernisme. Il témoigne, en effet, de ce que « la rupture du numérique et l’abstraction de l’espace – son immatérialisation dans les réseaux – ne signifie pas la fin des lieux « physiques » de l’art et de la culture, tels le musée, non plus que le déclin des techniques du visible appartenant à l’âge classique-moderne ». Contre toute apparence ?

D’une part, la saturation des informations et des images, l’interactivité immédiate entre producteurs et consommateurs et la propagation identique reproduite sans fin dans la médiasphère ou la sémiosphère – un monde de signes à la place du monde des vies – n’excluent-ils pas toute possibilité d’un événement ? D’autre part, en parallèle, le « devenir conceptuel de l’art », prisonnier d’une autoréflexivité et réduit à une essence vide (blancheur, silence, objet trouvé…), n’excluent-ils pas toute possibilité d’une œuvre ? L’abolition de la « distance représentative » n’a-t-elle pas précipité la prédite fin de l’art ? Le réseau technologique n ‘a-t-il pas remplacé les œuvres du monde de l’art par une « esthétique de la communication » sans monde que d’artifices ? La diversité même des productions artistiques qui prennent part et qui ne prennent pas part aux nouvelles technologies empêche de s’aligner sans plus sur les prédictions fatalistes que pareilles questions semblent dicter.

Les nouvelles technologies, en effet, ne se substituent pas « aux rapports entre l’art, l’artiste et ses outils » : elles les modifient en les sédimentant par de nouveaux supports et de nouveaux instruments. Une autre méditation originale permet à Hillaire d’ouvrir nos perspectives : elle rapproche la technique de l’estampe et celle de l’ordinateur. Outre la diffusion grâce au web, la numérisation des estampes permet de jouer sur ses formats. Autrement dit, dans ce cas, l’œuvre conquiert à la fois un nouvel espace public et de nouveaux modes d’appropriation. Risquant un parallèle avec les jeux d’hypertexte par rapport à la littérature, Hillaire y voit la confirmation des exigences d’Italo Calvino pour une création digne du troisième millénaire : « la légèreté, l’exactitude, la multiplicité, la rapidité, la visibilité »…

En somme, loin d’avoir disparus, l’œuvre et l’événement, le monde qu’ils proposent, ont accru leur possibilité. L’immédiat et l’éphémère, la manifestation et la relation interactive, la communication vont désormais de pair avec leurs relais l’objet et la trace, la représentation et l’interprétation, la transmission, Hillaire écrit : « On peut à ce sujet évoquer le concept d’œuvre multimodale, c’est-à-dire d’œuvres qui admettent plusieurs régimes croisés de visibilité dans l’espace et le temps… ». Quand la performance est prolongée par sa reproduction en maquettes, en films, en photographies et en sites Internet, elle permet, par l’enregistrement et la médiatisation, la création perpétuée de cet autre rapport au sensible et à l’insensible que l’espace et le temps de l’art ont toujours tenté.

Plus encore, « esthétiques du banal », « esthétiques du passage », « du recyclage, du reste et du résidu », si ces appellations renvoient à l’ « esthétisation généralisée de la réalité et de la marchandise », elles ne programment pas fatalement l’anéantissement des productions ainsi désignées. Parce qu’elles remontent loin en avant dans la modernité, parce qu’elles renvoient à des œuvres extrêmement diverses dans leur stratégie comme dans leurs actualisations, ces dernières peuvent s’appuyer sur les nouvelles techniques pour relever le défi du spectacle et du divertissement où l’art se serait enlisé. Si les lieux créés par l’art étaient de « mémoire », ils sont ou ils peuvent redevenir aussi « des lieux de vie ouverts sur le présent, le vivant et même le festif ».

Dépassement de l’impasse autoréférentielle ?

Mais cette mutation n’est évidemment pas linéaire. Un enjeu majeur s’y fait jour : la sortie de l’impasse autoréférentielle. L’autonomisation de l’art moderne jusqu’à la micro-auto-production postmoderne ont pu aboutir à l’autopoïèse formaliste et solipsiste. La production horizontale et réticulaire d’œuvres peut-elle favoriser un nouvel espace-temps d’expérimentation sociale et vivante, interactive et émergente – y donner lieu à un autre temps du monde (de l’art) ? La figure même de l’auteur tend sinon à y disparaître, en tout cas pas au sens mortifère d’une certaine modernité, mais à s’y trouver partagée. De même le musée, sous l’impact du numérique, devient un « musée virtuel et une mémoire dynamique de l’œuvre d’art ». Le solipsisme de l’autoréférence sera-t-il dès lors dépassé ou réduira-t-il définitivement le lieu et le temps de la création ?

Nul doute qu’aux yeux de Norbert Hillaire, dont le livre est émaillé de références concrètes à nombre d’œuvres contemporaines, l’issue de ce conflit dépend de notre capacité à tenir ensemble passé et futur, poïesis et aisthesis, production et réception, manifestation et transmission, finalement à maintenir l’adresse en travers de la production et du partage.

Paru en octobre 2009 sur Arché

Notes :

1 Norbert Hillaire, L’expérience des lieux esthétiques, Paris, L’Harmattan, 2008.

Notice :

Une version abrégée de ce texte sera publiée dans la revue Fusées (Auvers, France)

Références :

*Eric Clémens poursuit une double activité, de philosophie et de fiction, marquée par la passion des langages, artistiques comme littéraires.

Il a publié entre autres : côté philosophie, La fiction et l’apparaître (aux éditions Albin Michel, coll. Bibliothèque du Collège International de Philosophie, Paris, 1993) et Façons de voir (aux Presses Universitaires de Vincennes, coll. Esthétique/hors cadre, Paris, 1999) ; côté fiction, De r’tour (aux éditions TXT, Paris-Bruxelles, 1987) et une narration L’Anna (Montréal, 2003, éd. Le Quartanier).

Il a mené avec le peintre Claude Panier des entretiens parus sous le titre Prendre Corps (aux éditions Artgo, Bruxelles, 1992). Il a publié un choix des Écrits de Magritte avec une postface : Ceci n’est pas un Magritte, éditions Labor, coll. Espace Nord, Bruxelles, 1994. Il publie avec le peintre Joël Desbouiges un livre illustré Après Rembrandt, aux éditions Les Affinités, Paris, février 2007.

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A Digital Experience

Quel visage la Ville aura-t-elle demain ? Sera-t-il déformé, reformé, recomposé, redessiné ? Et quel type de développement peut-on attendre de nos mégapoles ? Sera-t-il planifié, organisé, anarchique ? Ce sont quelques unes des questions posées par une passionnante exposition interactive qui s’est déroulée en octobre dernier à New York. Conçue par un collectif d’artistes français baptisé Visual System (VS), elle met au premier plan les arts numériques avec le festival « Crossing the line », le festival d’automne du Frenc Institute – Aliance France (FIAF). « Le processus créatif de VS permet de rassembler des talents aussi divers que complémentaires. Le résultat est un métissage très spectaculaire entre son, image, design et urbanisme où chaque spectateur peut jouer un rôle et imaginer une nouvelle mégalopolis » explique Tristan de Terves, directeur de la galerie du FIAF. Les trois installations de cette Digital Experience sont visibles en cliquant ici.

Source : ministère de la Culture et de la Communication.

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Atopic Festival

Atopic Festival

Du 27 octobre au 4 novembre se tiendra à la Cité des sciences et de l’industrie « Atopic Festival », un festival gratuit à la croisée des arts, des sciences et des technologies qui propose à travers des projections, des expositions, des ateliers et des conférences, de donner un coup de projecteur sur les synergies annonçant une nouvelle ère de la communication homme-machine.

Organisée par l’association Human Atopic Space, association qui se consacre à la production et la diffusion d’œuvres virtuelles, la manifestation participe à travers sa programmation à la sensibilisation au patrimoine numérique :

  • projections de Machinima, films réalisés dans les mondes virtuels,
  • exposition Retrogaming, consoles de jeux vidéo,
  • le Demo Art, animations en temps réel produites par du code informatique,
  • carte Blanche à un artiste : Laura Mannelli, « Mélusine » installation interactive,
  • ateliers : voyages initiatiques dans les mondes virtuels, approche du Machinima et du code,
  • conférences et table ronde sur le Demo Art, l’Histoire du jeu vidéo, le Machinima.

Accueilli par une équipe de médiateurs spécialisés, le public deviendra métanaute et pourra parcourir ces territoires en vagabond des réseaux, comme Margherita Balzerani la directrice artistique du festival aime à le rappeler.

Mention spéciale au sein de cette programmation pour la date du 2 novembre qui sera consacrée à la fête du film Machinima. Le festival se déroulera à la Géode et a pour vocation de faire découvrir au grand public cette nouvelle forme d’expression et d’écriture en quête de reconnaissance, entre expérience vidéo-ludique et nouveau genre cinématographique.

Dans son essence, un machinima est un film réalisé en filmant à l’intérieur du monde virtuel d’un jeu vidéo. Le mot « machinima » est la combinaison des mots « machine » (pour l’ordinateur), « animation » et « cinéma ». Comme la photographie, le machinima désigne à la fois une oeuvre et une technique. Aujourd’hui, avec plusieurs milliers de machinima créés à partir des jeux vidéo les plus populaires (Halo, Sims, World of Warcraft…), il est le premier genre cinématographique issu des mondes virtuels. Avec le temps, le machinima s’est ouvert à de nombreux genres et registres, et se révèle aujourd’hui comme un moyen d’expression accessible et simple.

Les films s’inscrivent dans 4 catégories :

  • Machinima créatif : cette sélection met l’accent sur l’originalité esthétique.
  • Machinima narratif : cette programmation propose des machinima pour lesquels l’écriture scénaristique fait la force du film.
  • Machinima français : programmation réalisée par Xavier Lardy sur le principe « un réalisateur, un machinima ».
  • Machinima alternatif : programmation réalisée par Margherita Balzerani sur un état des lieux du processus de réappropriation de l’esthétique du jeu vidéo, et du processus du machinima,  par des artistes contemporains.

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AV Festival et Northumberland

AVLe festival AV, biennale internationale des arts électroniques, des arts visuels, de la musique et de l’image en mouvement, se prépare à produire une dixième édition particulièrement rayonnante, qui se tiendra dans le Nord-Est de l’Angleterre à Newcastle, Gateshead, Sunderland et Middlesbrough.

En mars 2010, toute la programmation tournera autour du thème de l’énergie, comme une force grâce à laquelle la vie est connectée, transformée, renouvellée et détruite. Rencontres, expositions, concerts, performances, projections, ateliers et débats se dérouleront des les lieux culturels les plus remarquables de la région.

Tout aussi remarquable, le partenariat intéressant noué entre le festival et Inspire Northumberland, une agence spécialisée dans l’intervention sur les projets de régénération et de développement urbains ayant pour vocation de favoriser la reconnexion des jeunes publics avec leur environnement et produisant des expériences de création contemporaine et de design.

Inspire Northumberland implique les artistes dès les phases de conception et de design des projets. Chacun des projets implique les citoyens dans le processus créatif, en priorisant le contact avec le public le plus éloigné de ce type d’expériences, public encore trop éloigné de la culture et des questions citoyennes depuis la crise industrielle des années 80.

De ce partenariat est notamment née l’idée d’une résidence au NaREC, le centre des énergies nouvelles et renouvelables, lieu d’excellence de la région pour les technologies et les énergies renouvelables basé à Blyth, port industriel qui a connu son heure de gloire et qui a vécu avec violence les années de déclin de son activité mais qui semble engager aujourd’hui un certain renouveau.

La résidence est conçue de sorte que puissent se conjuguer les nouvelles recherches et les idées porteuses de technologies et d’énergies renouvelables et durables du NaREC avec un processus artistique à vocation publique.

La région de Northumberland est dotée d’une patrimoine paysager d’une richesse exceptionnelle et a récemment fait les gros titres lorsque les images de ses magnifiques plages ont été utilisées « par erreur » pour une campagne de promotion de la province canadienne d’Alberta. Elle connaît également un regain d’intérêt dû à la mutation engagée de son économie jusqu’alors en souffrance. Newcastle en est bien entendu le fer de lance, véritable vitrine de l’innovation économique, urbaine, culturelle et sociale, mais c’est bien tout un territoire qui est en pleine évolution. L’Arts Council of England a notamment augmenté ses dotations en direction des acteurs culturels du territoire qui font le pari de ces types d’innovation.

Il y a fort à parier que la dixième édition du festival AV marquera un tournant pour la manifestation et pour le territoire, car il faut noter que les acteurs culturels présents ont un esprit de coopération qui a su favoriser une dynamique propice au regain d’attractivité du territoire.

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La galerie des sciences du Trinity College de Dublin prépare une nouvelle exposition et un festival sur le phénomène des nanotechnologies dans les domaines de l’art et des sciences. A partir du 25 septembre prochain, l’exposition explorera la fascination et les craintes liées à l’émergence de cette science, se concentrant sur les mythes et les réalités de ce vaste champ de la recherche.

NANO ne se veut pas un simple passage en revue des outils, des techniques et des applications mais propose une approche métaphorique de ce qui dépasse notre propre compréhension de notre présence au monde. Pour cela, c’est un programme rassemblant des performances, des tables-rondes, des débats, et des ateliers, qui rythmera les trois mois de l’exposition.

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Némo 2009

Le festival Némo, rendez-vous incontournable des nouvelles images et de la création multimédia, aura lieu du 1er au 11 avril.
Le festival Némo, réalisé par Arcadi, avec le soutien du ministère de la Culture et de la Communication (DICRéAM) et en partenariat avec le magazine Repérages, sera présent au Forum des images et au Cube, ses partenaires historiques, ainsi que chez de nouveaux partenaires que sont la Maison des arts de Créteil via son festival Exit, le Théâtre de l’Agora d’Evry, le Centre des arts d’Enghien et le Bijou, cinéma numérique de Noisy-le-Grand. Némo 2009 est également partenaire de quatre autres festivals : Elektra (Montréal), STRP (Eindhoven), Scopitone (Nantes) et TodaysArt (La Haye).
Le cinéma live sera le poids lourd de l’événement, avec douze performances audiovisuelles, des stars internationales (Mira Calix, Byetone, Frank Bretschneider…), mais aussi des découvertes avec le cinéma en relief d’AntiVJ, l’attaque extraterrestre de TvEstroy ou le show grand public de The Sancho Plan. Et aussi des installations, avec des moments de poésie et de rire (Shadow Monsters de Philip Worthington), de fascination (Strata #2 de Quayola) et de terreur avec les inquiétantes propositions de Némo@Exit. Et encore une belle collection de films musicaux et de nombreux focus sur des auteurs, des producteurs ou des œuvres (Universal Everything, Partizan Lab, Tal Rosner, Mira Calix, Hexstatic…). Sans oublier le Panorama international, florilège annuel des nouvelles images en 140 films courts.
L’entrée est libre.
Vous pouvez aussi retrouver Némo sur Facebook

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Les propositions de l’ASEF

La Fondation Europe-Asie (ASEF) et la Fédération internationale de conseils des arts et d’agences culturelles (IFACCA) ont publié aujourd’hui le rapport et les recommandations de politique développés à partir du Mini-sommet sur les nouveaux médias, la politique des arts et des pratiques artistiques, sommet qui s’est tenu à Singapour les 24-26 Juillet 2008, et se sont engagés à poursuivre l’action au cours de 2009.

Le Mini-sommet, organisé en partenariat avec ISEA2008 (International Symposium for Electronic Arts), a rassemblé 54 artistes, de chercheurs et de décideurs de 26 pays pour développer une vue d’ensemble des principales questions ayant une incidence sur les nouveaux médias, les pratiques artistiques et de créer un cadre politique assorti d’un plan d’action. 

Les recommandations comprennent également le dialogue qui a eu lieu au cours de la dernière décennie, entre les décideurs politiques, des artistes et des praticiens. Prenant en considération la diversité des réalités politiques qui existent aujourd’hui, le rapport prône  la recherche et l’action concrètes. L’une des principales recommandations est d’établir ou de soutenir une pratique des arts médiatiques transnationaux et de partager une plate-forme politique, de promouvoir et d’informer l’évolution de la pratique des arts médiatiques.

Illustré par des études de cas et des éléments chiffrés, le rapport comprend également les résultats d’une enquête menée dans le cadre de la préparation de l’événement. 

Quatre thèmes ont été abordés : 

  • l’intelligence ambiante, le web 2.0 basés sur la localisation des médias, 
  • la recherche créative, la conception itérative des cycles, la recherche universitaire et les communautés créatives, 
  • open source et les réseaux ouverts: le rôle des nouveaux médias indépendants de petits laboratoires, 
  • l’éducation aux médias, les médias, la société civile.

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DOCAM et Art press

DOCAM et art press présentent le lancement du nouveau numéro de la revue art press 2 : « LES ENJEUX DE LA CONSERVATION DES ARTS TECHNOLOGIQUES ».

Le 4 mars prochain à 17 heures à la SBC Galerie d’art contemporain (372, rue Sainte-Catherine Ouest, espace 507, Montréal), Alain Depocas et Jean Gagnon présenteront le contenu du nouveau numéro d’art press 2 qui comprend plusieurs articles rédigés par des chercheurs et des collaborateurs de DOCAM, dont : « Émulation, migration et re-création » de Jon Ippolito, « Itération, infini et dégradation : Les nouveaux médias et la pratique de la documentation » de Corina MacDonald, « Évolution de l’authenticité. Objets et intention dans le monde artistique » de Caitlin Jones, une entrevue avec l’artiste Gary Hill réalisée par Jean Gagnon, ainsi que l’article sur « Les enjeux pédagogiques » de Sylvie Lacerte, titulaire du Séminaire DOCAM, offert à l’Université du Québec à Montréal (UQÀM) cette année. Plusieurs de ces chercheurs seront sur place afin de répondre aux questions et favoriser un climat d’échange avec le public.

Suite aux présentations, tous seront invités à visiter l’exposition de l’artiste multimédia Antoni Muntadas (New York / Barcelone), MUNTADAS. La construction de la peur, en cours à la galerie SBC du 28 février au 18 avril 2009.

Peut-on encore parler d’œuvre originale dans le cas d’une installation vidéo dont le matériel, vite périmé, est périodiquement renouvelé? Qu’est-ce que « conserver »  une œuvre en libre circulation sur Internet? Et « restaurer » une autre conçue sur un logiciel obsolète? En réponse, des conservateurs et des responsables d’institution, des artistes et des historiens d’art font part de leur expérience dans ce numéro bilingue (français/anglais), réalisé en collaboration avec DOCAM (Documentation et conservation du patrimoine des arts médiatiques).


DOCAM est une alliance internationale de recherche sur la documentation et la conservation du patrimoine des arts médiatiques, constituée à l’initiative de la fondation Daniel Langlois pour l’art, la science et la technologie. Son principal objectif est le développement de méthodologies et d’outils avant-gardistes adaptés aux enjeux de la conservation et de la documentation d’œuvres d’art numérique, technologique et électronique. DOCAM est subventionné par le Conseil de recherche en Sciences humaines du Canada.

Art press est une revue mensuelle d’information et de réflexion sur la création contemporaine. Acteur et témoin engagé de la création d’aujourd’hui, art press a pour vocation de couvrir l’ensemble de la scène artistique mondiale. Bilingue (français/anglais) depuis 1992, art press publie chaque année des hors-série et des numéros spéciaux, dont la collection art press 2, publication tri-mestrielle consacrée à des thématiques spécifiques, nées de réflexions menées à partir de l’actualité.

La SBC Galerie d’art contemporain est un centre d’exposition et une galerie publique sans but lucratif. Son mandat consiste à sensibiliser un large public aux enjeux et aux discours qui animent l’art contemporain, au moyen d’une programmation diverse en arts visuels et en arts médiatiques.


Liens :


Pour de plus amples renseignements, veuillez contacter : Sophie Le-Phat Ho

Coordonnatrice de l’Alliance de recherche DOCAM / Fondation Daniel Langlois pour l’art, la science et la technologie

Tél. : 514-987-7177 poste 4206 /

Source : La fondation Daniel Langlois pour l’art, la science et la technologie.

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Streaming Museum III

Streaming museumAprès avoir fêté son premier anniversaire le 29 janvier dernier, le Streaming Museum a inauguré le 3 février le troisième volet de son cycle sur les artistes et les innovateurs de l’environnement présenté jusqu’à 3 avril prochain.

Comme nous l’avions déjà évoqué pour les deux expositions précédentes dont la première partie fut inaugurée le 3 octobre 2008, ce musée hybride proposant des expositions en temps réel dans différents lieux et espaces publics dans le monde entier est peut-être une forme de musée que nous verrons se développer de plus en plus si un travail scientifique et culturel peut être développé sur les nouvelles monstrations comme celles initiées par le Streaming Museum.

Ce dernier présente depuis son lancement les visions et les perspectives de quarante artistes, de Merce Cunningham à Nam June Paik, des agents artificiels de Toni Dove à Paul Miller, DJ Spooky, et bien d’autres artistes reconnus ou émergents.

Pour découvrir leurs œuvres présentées par le Streaming Museum, cliquez ici, pour les découvrir sur  Ars Virtua New Media Center et  sur second life, cliquez ici.

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Nouvelles scénographies

L’éclatement des lieux et des conventions

Les familles se rendent au cinéma pour voir en direct des opéras captés par des dizaines de micro caméras. Les panels d’affaires ressemblent désormais à des plateaux de télévision ou des concerts de rock. Des artistes géographiquement distants se retrouvent virtuellement sur la même scène.

En plus des projecteurs, de l’éclairage et de la sonorisation, les équipes techniques des salles et des auditoriums devront bientôt gérer des régies de captation vidéo, des réseaux à très haut débit, des capteurs de mouvements et de la robotique.

Quels sont les systèmes en développement? Quels seront les impacts de ceux-ci sur le contenu culturel, éducatif et d’affaire?

Cette conférence revêtira un caractère tout particulier. Elle sera en effet suivie d’une soirée-démonstration participative de Raw Materials, un  logiciel vidéo inédit, développé par l’équipe de la SAT. Raw Materials permet d’ envoyer en direct des contenus (SMS, MMS, vidéo, photos) au Vj,  qui, par la suite, les mixe en temps réel tout au long de la soirée.

Dans une ambiance musicale chaleureuse, faites parvenir au Vj vos  visuels (SMS, MMS, vidéos, photos) grâce à Raw Materials.  Tous les visuels seront diffusés sur une grande mosaïque évolutive.

  • INTRODUCTION – Etat des lieux d’une façon de travailler /Michel Lemieux – Co directeur artistique 4d art
  • PropulsART : la scène en réseaux / Sylvain Rocheleau – Chef de projet PropulseART /Louis-Philippe St-Arnault – Scenographe, Directeur de production, SAT
  • Nouveaux enjeux pour un constructeur? / Scène Ethique – Conception et realisation de dispositifs scéniques
  • Recherches pour applications interactives /Float 4 – Developpeur d’environnements multimedia immersifs et interactifs

Rendez-vous Mardi 27 janvier 2009 17h30-20h30, à la SAT.

Pour plus d’information sur cette conférence, cliquez ici.

Source : communiqué de la SAT.

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L’édition 2009 du festival Futuresonic de Manchester qui se déroulera du 13 au 16 mai prochains et qui en sera à sa dixième édition (en 14 années d’existence) aura à cœur, comme à son habitude, de traiter de manière conjointe les cultures digitales et musicales.

Son directeur artistique (Drew Hemment) a concocté un programme qui s’annonce déjà comme le plus intense de l’histoire du festival : 250 artistes, 100 événements sur 30 lieux. Les détails de la programmation seront communiqués en février.

Cette année est l’année du grand bond en avant pour le festival :

  • il accueillera le sommet mondial des technologies et des réseaux sociaux,
  • il sera présent à la Transmediale09 de Berlin,
  • cette édition a officiellement été retenue parmi les festivals prétendants au prestigieux prix Lever 2009,
  • Drew Hemment a reçu le prix Ars Electronica 2009,
  • un nouveau programme de résidences artistiques sera mis en place,
  • son action au sein du réseau ECAS sera encore renforcée,

En 2010, Futuresonic deviendra FutureEverything, dans le cadre d’un financement du cluster CREATOR (programme EPSRC) pour développer plus encore les activités de recherche liées au festival.

Cette édition 2009 sera donc exceptionnelle à bien des égards.

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