Cultural Engineering Group

Services & Ressources en ingénierie culturelle

Plymouth City of Culture 2017

538109_263457633787771_42639855_nThe UK City of Culture programme is an initiative which aims to encourage the use of culture and creativity to promote and encourage aspiratoins, ambitions, innovations and inspirations for everyone who lives in and visits the city.
The aim of Plymouth entry into the UK City of Culture competition is that Plymouth should fulfil its potential as a distinctive, dynamic cultural centre of regional, national and international renown. Plymouth is a city defined by the moors and the Ocean, by his history, his heritage, his resilience, and by his aspirations for the future.
The Plymouth City of Culture 2017 bid is led by the Plymouth Culture Board. This Board is made up of expert volunteers from a variety of backgrounds with strengths and influences across a broad range of the cultural sectors in the city.
Culture – our « Vital Spark » – is not exclusive, not just for the « elite ». It is as much about reading a book, kicking a ball in the park, going to a gig, meeting our friends, eating and drinking, as it is about opera, ballet and Shakespeare. It is about what people do, and how people do it, about what people think is important. It taps into our ideas, knowledge, values and beliefs. It gives us roots and affirms our sense of identity.

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Creative industries, creative jobs and creative clusters: an evolutionary perspective

Creative industries

During the last decades an increasing interest can be observed among urban and economic geographers in creative industries, the creative economy, creative cities, as well as the creative class (Chapain et al. 2012). In addition to this increasing academic interest, testified by several recent special issues in journals such as Urban Studies, the Journal of Economic Geography, Regional Studies and the Creative Industries Journal, also policy-makers at several spatial levels (urban, regional, national, as well as supranational) try to find ways how to foster creative industries. Many studies focused both on the economic functions of creative industries, mainly in terms of employment, value-added production, and exports, as well as on their current organizational features. However, evolutionary and history-informed perspectives are often neglected (Rantisi et al., 2006), as well as explaining differences in dynamics between different creative industries in a regional context. Why is it that some creative industries grow fast in some regions while stagnate in other regions?

The aim of this session is therefore to shed a more evolutionary and dynamic light on creative industries in a local and regional context. In a similar vein as Comunian (2011) recently used complexity theory and complex adaptive systems to explain the development of creative industries in the North East of England, this session particularly welcomes abstracts linking theories used in other fields to shed a new, more dynamic light on creative industries. One potentially fruitful paradigm to draw on, in this context, is evolutionary economic geography (Boschma & Frenken 2011). In contrast to neoclassical theory, this school takes history and geography seriously by recognizing the importance of place-specific elements and processes to explain broader spatial patterns of technology evolution. In this session, therefore, we would like to explore whether notions of evolutionary economic geography, such as path creation, path dependence and co-evolution, can contribute to analyzing and explaining the spatial dynamics of creative industries.
We welcome both empirical, theoretical, as well as policy-related abstracts. The focus can be on any creative industries, such as publishing and literature, performing arts, music, film, video and photography, broadcasting, design, fashion, visual arts, advertising and interactive media as well as creative jobs. We also welcome abstracts that go beyond the narrow focus of creative clusters, namely those dealing with creative cities, the creative economy, as well as creative class in relation to creative industries.
Potential questions include:

  • How do creative industries in cities and regions develop through time?
  • How can we explain differences in dynamics between creative industries in a regional economy?
  • What is the impact of policies at several spatial levels on the dynamics of creative industries and jobs?
  • How can individual talents be fosted in the creative industries?
  • How can firms in creative clusters be fostered?
  • How does the national institutional context affect the development of creative industries in cities and regions through?

References

  • Chapain, C., Clifton, N., & Comunian, R. (2012) Understanding Creative Regions: Bridging the Gap between Global Discourses and Regional and National Contexts. Regional Studies, (ahead-of-print), 1-4.
  • Comunian, R. (2011) Rethinking the Creative City The Role of Complexity, Networks and Interactions in the Urban Creative Economy. Urban Studies, 48(6), 1157-1179.
  • Boschma, R., & Frenken, K. (2011). The emerging empirics of evolutionary economic geography. Journal of Economic Geography, 11(2), 295-307.
  • Rantisi N M, Leslie D, Christopherson S (2006) Placing the creative economy: scale, politics, and the material. Environment and Planning A 38(10) 1789 – 1797

Abstract Submission:
If you would like to contribute to this session, please send your abstract of not more than 250 words to Su-Hyun Berg (berg@geographie.uni-kiel.de) by Friday, 8th February 2013.

Organisers: 
Su-Hyun Berg (Dept. of Geography, University of Kiel, Germany)
Roberta Comunian (Dept for Culture, Media and Creative Industries, King’s College London)
Robert Hassink (Dept. of Geography, University of Kiel, Germany).

Source :

Creative Regions Network

Creative Industries in Europe is a Regional Studies Association Research Network

More information: www.creative-regions.org

Take part to the Creative Regions Summer School 2012
www.creative-regions.org.uk

 

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Les politiques culturelles provinciales et territoriales du Canada. Origines, évolutions et mises en œuvre

Les politiques culturelles provinciales et territoriales du Canada. Origines, évolutions et mises en œuvre traite de diverses questions touchant l’histoire des politiques culturelles canadiennes, de leur institutionnalisation et de leur instrumentalisation.

De quelle façon les gouvernements infranationaux canadiens sont-ils intervenus et interviennent-ils actuellement dans la vie culturelle et artistique de leurs concitoyens ? Sur quels fondements ont-ils basé et basent-ils de nos jours leurs interventions en ce domaine ? Comment traduisent-ils les notions de culture et de politique culturelle au fil du temps ? Quels ont été les facteurs de changement et les sources d’influence à l’origine de la mise en œuvre des politiques culturelles provinciales et territoriales ? Quels en sont les objectifs et les finalités ainsi que les outils d’intervention privilégiés au fil des décennies ? Les réponses ne sont pas simples, mais multiples et complexes de par les idéaux fondateurs et l’historicité des provinces et des territoires canadiens, leur capacité et leurs ressources, mais aussi de par les valeurs et les identités propres des populations qui y habitent, leurs attentes et leurs demandes ainsi que les visées de leurs gouvernements successifs.

Avec la participation de :

Jean-Paul BAILLARGEON, Nicole BARRIEAU, Alison BEALE, Daniel BOURGEOIS, Donna CARDINAL, Joy COHNSTAEDT, Patrice A. DUTIL, Monica GATTINGER, Fernand HARVEY, M. Sharon JEANNOTTE, Jan MARONTATE, Catherine MURRAY, Ronald ROMPKEY, Diane SAINT-PIERRE, Dick STANLEY, Karen WALL, David WHITSON.

Biographie :

Monica Gattinger (codirectrice de l’ouvrage et auteure du chapitre sur l’Ontario) est professeure agrégée à l’École d’études politiques de l’Université d’Ottawa. Son expertise et ses recherches portent sur les politiques culturelles canadiennes, l’intégration continentale et les politiques et réglementations énergétiques (Canada/États-Unis). Outre la codirection du présent ouvrage, elle est codirectrice, avec Geoffrey Hale, de Borders and Bridges : Canada’s Policy Relations in North America (Oxford University Press, 2010), codirectice, avec Caroline Andrew, M. Sharon Jeannotte et Will Straw, de Accounting for Culture : Thinking Through Cultural Citizenship(University of Ottawa Press, 2005), et coauteure, avec G. Bruce Doern, de Power Switch : Energy Regulatory Governance in the Twenty-First Century (University of Toronto Press, 2003).

Diane Saint-Pierre  est professeure à l’Institut national de la recherche scientifique (INRS) et responsable de l’axe « Politiques culturelles » de la Chaire Fernand-Dumont sur la culture. Outre la codirection avec Claudine Audet du présent ouvrage, issu d’un colloque, et d’un second sur des cas nationaux (à paraître dans la même collection), ses recherches des dernières années ont porté sur l’évolution des politiques culturelles, notamment dans des perspectives comparatives, sur les groupes d’intérêt en ce domaine et sur le rôle et la place de la culture dans la politique de développement de la ville.

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C comme culture

Le n°43 de la Revue socialiste (revue de réflexion du Parti socialiste) paru pour le 3ème trimestre 2011 comprenait un dossier intitulé Abécédaire de la France (A comme argent par Jacques Julliard…). Denis Declerck* a été chargé de la notice C comme culture et il nous fait une fois de plus l’amitié de publier ses réflexions sur CEG.

En France, la culture est politique avant d’être un rapport individuel au monde symbolique. Difficile de parler de « culture » sans évoquer notre politique culturelle, ses réussites et ses échecs. Alors que les dépenses culturelles des ménages n’ont cessé d’augmenter depuis 20 ans pour atteindre 34 milliards d’euros en 2009, nous continuons à déplorer l’échec présumé de la démocratisation de la culture ou l’insuffisance des moyens qui lui sont consacrés. Qu’en est-il en réalité ? Où en sommes-nous en matière de culture ? Quels peuvent être les principaux enjeux culturels de la décennie qui vient de s’ouvrir ?

Constatons tout d’abord que la culture est de plus en plus souvent absente du débat et des programmes politiques, à droite comme à gauche.  Et demandons-nous : pourquoi ? 

A la fin des années 1970 la culture restait un territoire à conquérir pour la gauche. Porteur de valeurs de liberté (d’expression, de création), d’égalité (d’accès à ses vertus émancipatrices), de fraternité (tolérance et respect de la culture de l’autre), porté par une dynamique sociale issue des milieux culturels eux-mêmes, mais aussi d’enseignants, de travailleurs sociaux, de militants syndicaux…, l’accès à la culture était synonyme de liberté individuelle et de mieux vivre ensemble. Le combat pour la culture se voulait progressiste et mobilisateur, on pouvait même gagner des élections grâce à lui. Ce fût le cas des municipales de 1977 et de 1983 qui virent de nombreux militants culturels devenir maires, et des présidentielles de 1981.

Qu’en est-il aujourd’hui ?

Parallèlement au développement de l’emploi culturel (430.000 emplois, 2% de la population active en France selon le recensement de 1999), les professionnels ont progressivement adopté une position défensive vis à vis des consommateurs, des militants et des élus. On l’avait connue innovante et généreuse, voici la culture conservatrice et corporatiste. Après le triste épisode d’Hadopi, qui peut encore croire le contraire ? Ce renversement brouille du même coup la perception des valeurs associées à la culture. Ses métiers n’attirent plus les jeunes diplômés, rares sont les élus qui en font encore leur cheval de bataille et, malgré des dispositions fiscales très favorables, le monde économique s’en détourne de façon spectaculaire (de 2008 à 2010, les sommes consacrées au mécénat culturel sont passées de 975 à 380M€ et ne représentent plus que 19 % du mécénat contre 39 % en 2008 selon l’enquête ADMICAL – CSA de 2010).

Que s’est-il passé ?

Non seulement la culture ne fait plus gagner la gauche aux élections mais elle peut même les lui faire perdre. La « gauche culturelle » est l’une des responsables de la dispersion des voix de gauche au 1er tour de l’élection présidentielle de 2002. Puis vînt l’été 2003 et son cortège de festivals annulés. Le carrosse est devenu citrouille, et les artistes des travailleurs ou des patrons comme les autres voire « pires », car plus précaires ou plus exploiteurs. Les professionnels de la culture se désintéressent de la politique, comme d’autres pans du corps social, les élus prennent leurs distances avec un milieu de râleurs patentés disposant d’un fort pouvoir de nuisance.

 Pour nombre d’élus de gauche, le bilan de Jack Lang est indépassable. Ceux qui, comme Catherine Trautman, se sont risqués au changement de paradigmes (mise en valeur de l’action culturelle, désacralisation de la figure du « créateur) ont subi les foudres des professionnels du spectacle et s’en sont allés. Jean-Jacques Aillagon puis Renaud Donnedieu de Vabres, impuissants face à la crise ouverte par la réforme du régime de l’intermittence, Christine Albanel, incapable de trouver une issue aux Entretiens de Valois sont également tombés sous les coups du monde du spectacle. L’actuel ministre de la culture, bien que sous tutelle de l’Elysée et flanqué pendant deux ans d’un Conseil de la Création Artistique, ne s’en sort pas mieux que les autres.

Alors que faire ?

Peut-on ré – enchanter le rapport entre artistes et politiques ? C’est très improbable, mais il est possible de jeter les bases d’une nouvelle alliance entre art, culture et société. Est-il envisageable de recréer un rapport sain entre les milieux culturels et les élus de gauche, les uns se comportant de façon moins corporatiste, les autres cherchant à comprendre au lieu de compatir ? Sans doute, à condition qu’ils acceptent de confronter leurs objectifs respectifs et de se livrer à un examen précis des conditions économiques et sociales de leur réalisation.

C’est moins romantique, mais c’est plus simple à comprendre pour un citoyen en général et un élu en particulier.

En 2012, la gauche devra relever trois défis majeurs

En premier lieu, car c’est la base de toute politique émancipatrice qui vise à la fois la construction de la personne et celle de la citoyenneté, il s’agit d’offrir un accès généralisé à une véritable éducation artistique et culturelle, dès le plus jeune âge et tout au long de la vie.

Pour y parvenir, l’école et les mouvements d’éducation populaire devront être mobilisés autour de cet objectif, tout comme l’audio-visuel public ainsi qu’un « service public de la culture à domicile » qui reste à créer au plus vite (sur ce sujet voir l’article d’Olivier Donnat « En finir (vraiment) avec la démocratisation de la culture » in OWNI).

Il faut également garantir l’expression de la diversité culturelle dans l’espace public physique ou numérique. L’espace symbolique national doit continuer à porter les valeurs universelles de la République mais il doit également refléter la diversité ethnique, religieuse ou culturelle qui fait le quotidien de nos villes et de nos quartiers. Nos établissements culturels subventionnés sont trop timides sur ce point, se réfugiant le plus souvent derrière un universalisme de façade. Les industries culturelles paraissent plus audacieuses, mais elles se bornent le plus souvent à une approche « marketing » qui ne saurait suffire à saisir toute la complexité du réel. Au final, les contenus présentés dans les lieux culturels ou via le numérique rendent assez mal compte de la diversité et du métissage de notre espace national.

Il convient enfin de permettre aux filières de production et de diffusion artistiques de trouver leur équilibre économique, en cohérence avec la réglementation européenne. Pas de démocratie culturelle sans pluralisme des contenus produits et diffusés. Prenant acte que la culture est désormais un véritable monde économique et social (environ 50 milliards d’euros, plus de 3% du PIB), la gauche doit passer d’une logique de subvention à une logique de régulation et d’incitation.

Pour relever ces défis, nous aurons besoin d’une organisation beaucoup plus décentralisée, sans se passer pour autant d’une vision et d’une impulsion nationales.

L’Etat est le mieux placé pour piloter la stratégie et réguler le secteur. En transférant progressivement ses moyens d’action aux Régions ou agences spécialisées dans l’accompagnement des filières artistiques et culturelles (sur le modèle du CNC ou du CNL), il leur permettra d’agir au plus près des réalités des acteurs. L’échelon local, essentiel pour la cohésion sociale, sera pleinement opérationnel pour développer l’éducation artistique et les pratiques en amateur, ou pour favoriser l’expression de la diversité culturelle dans l’espace public. Ainsi réorganisée, l’action de la République retrouverait un peu de cohérence et de lisibilité. Le citoyen – contribuable y verrait plus clair. Le professionnel saurait de nouveau à quoi il sert. L’élu redeviendrait garant de l’intérêt général. Chacun essayant de saisir la complexité d’un monde en perpétuelle mutation.

Denis Declerck

Du même auteur :

*Denis Declerck est directeur de l’action culturelle à la communauté d’agglomération d’Evry Centre Essonne. Avant cela, il a été directeur de théâtres à Vienne (1989-1992) puis à Béziers (1992 – 1999) avant de rejoindre le ministère de la culture : conseiller théâtre et action culturelle à la DRAC Nord Pas de Calais (1999 – 2004) puis inspecteur (2004 – 2009). Il a notamment été le coordonnateur et le rapporteur général des Entretiens de Valois. Denis Declerck est titulaire du Master 2 “Direction de projets culturels” délivré par l’Observatoire des Politiques Culturelles  et Sciences – Po Grenoble (1997).

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Code éthique de la Ville de Montréal

C’est sans tambour ni trompette que la Ville de Montréal adoptera discrètement lundi prochain la nouvelle mouture de son code d’éthique et de conduite à l’intention des membres du conseil.

C’est dans le sillage de la loi 109 sur l’éthique et la déontologie dans le milieu municipal, qui oblige les municipalités à adopter ou à réviser leur code d’éthique, que la ville de Montréal a choisi de suivre la lettre de la loi et a procédé à quelques améliorations à son code précédent adopté en 2009.
Il est étonnant que la Ville de Montréal, qui ne cesse de clamer haut et fort son caractère unique, qui tente de convaincre qu’elle est une métropole de la culture et qui rabâche constamment sa volonté d’innovation se soit simplement satisfaite d’un code qui n’a d’éthique que le nom, qui est tout à fait semblable aux autres codes des autres municipalités québécoises, qui ne reflète en rien sa culture propre et qui n’innove pas.  À sa lecture, le code d’éthique de la Ville de Montréal pourrait tout aussi bien être celui de n’importe quelle municipalité.
De plus le code proposé, fort en interdictions de toutes sortes, réduit l’éthique à l’obéissance tout en négligeant que celle-ci a comme ambition de « Bien faire » et dépasse largement le seuil de « ne pas mal faire ».  Certes, on y mentionne bien quelques valeurs en introduction mais force est de constater que celles-ci sont traitées comme des lieux communs sans aucune précision et qu’elles n’influencent en rien les nombreuses interdictions du code.  Il importe de savoir que l’éthique est une recherche et un questionnement sans cesse reconduits, qui se résument au fond à cette simple question : « Quoi faire pour bien faire ? » – quand le code, coupant court au questionnement, donne plutôt une réponse : « Vous devez (faire ceci) » ; « Vous ne devez pas (faire cela) ».
L’éthique est affaire de culture et il faut rappeler qu’une culture ne se change pas seulement par la publication d’un code.  L’éthique a comme tâche de favoriser l’éclosion d’une culture qui inspirera les élus, pas de les infantiliser.

Actuellement, la culture éthique de la Ville de Montréal ne se démarque pas, ainsi, on ne la remarque pas… on n’en remarque que les manquements. Ce sont d’ailleurs ces mêmes manquements qui font que l’on ne parle d’éthique qu’en termes de conflits, d’allégations de fraudes ou d’abus.

Dans son état actuel, le code d’éthique de la Ville de Montréal lui permettra d’affirmer qu’elle a bien suivi les recommandations imposées par la loi 109.  Mais, soyons honnêtes, ce n’est pas en se satisfaisant de simplement  « suivre » qu’une ville peut grandir.

L’éthique sans les valeurs, c’est de la pub…

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Retrouvez sur Cultural Engineering Group les billets réflexifs de René Villemure, éthicien, conférencier, président fondateur de l’Institut québécois
d’éthique appliquée notamment aux domaines de l’innovation, de la culture et de la communication.

Billets réflexifs précédents publiés sur CEG :

Toutes les publications, les actualités et  les activités de René Villemure en cliquant ici.

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Maribor, capitale menacée de la culture

Maribor, la deuxième ville de Slovénie, sera la capitale européenne de la culture 2012. Le quotidien Delo critique la manière dont le maire de Maribor Franc Kangler et son équipe abordent le projet, et le faible avancement des projets de construction : « Plus que huit mois avant le début de l’année 2012, lorsque Maribor sera au centre de l’attention publique européenne, et il ne se passe toujours rien dans la ville. Le centre-ville, avec ses magasins fermés et quelques rues peu attrayantes, fait penser à tout sauf à une capitale de la culture. Kangler pourra difficilement convaincre les habitants de Maribor que la capitale Ljubljana est responsable de la pagaille en prévision. … S’il y a quelqu’un qui rend la vie difficile à Maribor, ce sont les personnes responsables et leur démarche confuse, leur manque de professionnalisme, leur prévisibilité et leur cupidité. »

Source : BpB

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Sustainable Creative Cities: the role of the arts in globalised urban contexts

The extended report (59 pages) is now available: click here for download (PDF file). The longer report contains detailed discussions from the workshop exchanges, as well as several ‘good practice’ cases and further reflections elaborated by workshop participants in the weeks following the workshop.

On October 2-3 2010, Sacha Kagan of the Institute of Cultural Theory, Research and the Arts (IKKK, Leuphana University Lueneburg) organized a workshop together with Prof. Dr. Masayuki Sasaki, director of the Urban Research Plaza, Osaka City University, for the Asia Europe Foundation (ASEF), as part of the official side-event of the 8th ASEM Summit of Heads of State, i.e. the 4th « Connecting Civil Societies Conference » in Brussels.

Workshop participants discussed issues related to « Sustainable Creative Cities: the role of the arts in globalised urban contexts » and elaborated policy recommendations for the ASEM Summit.

Besides the extended report edited by Sacha Kagan and Katelijn Verstraete (Assistant Director, Department of Cultural Exchange, ASEF) which we are releasing now, a 4-pages briefing report was already released on November 18th 2010: Click here for direct download: PDF file ; click here for the news item on the Culture360 webportal (from Nov. 18th 2010 when the briefing report was released).

Source : Sacha Kagan*

*Sacha Kagan is :

  • Research associate at the Leuphana University Lueneburg, Institute for Theory and Research on Culture and the Arts (IKKK) – Since 2005
  • Founding Coordinator of Cultura21 International – Cultural Fieldworks for Sustainability: a network gathering artists, scientists and other cultural practitioners engaged for cultures of sustainability – Since 2007
  • Founding member of Cultura21 Germany (Verein Institut Cultura21 e.V.) –Since 2006
  • Member of the International Humanitarian Studies Association (IHSA) –Since 2009
  • Member of the expert commission on the role of culture in the transition to an ecological age, commissioned by the Asia-Europe Foundation (ASEF) alongside COP15
  • Listed in Marquis Who’s Who in the World, 27th edition, 2010


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Marseille 2013 : des intellectuels s’enchaînent devant la Bastille à Paris

Photographie : AFP

Des intellectuels, poètes et écrivains, dont Michel Butor et Fernando Arrabal, se sont enchaînés symboliquement mercredi devant la colonne de la Bastille à Paris pour protester contre les conditions d’organisation de Marseille-Provence 2013, qui avec Kosice en Slovaquie partagera le titre de capitale européenne de la culture.

Pour le photographe marseillais Serge Assier, à l’origine de l’action, celle-ci vise à démontrer que « la culture est enchaînée à Marseille dans le cadre de l’organisation de Marseille-Provence 2013 ».

« Tous ceux qui font des choses magnifiques à Marseille vont se retrouver sans argent!, a-t-il déploré, « ulcéré » par « le gel des subventions aux petites associations culturelles marseillaises pour faire le pot de Marseille Capitale 2013 ».

« Je travaille actuellement sur un projet Marseille/Rabat/Anvers/Barcelone avec huit écrivains. Aujourd’hui, je n’ai plus d’interlocuteur et le dossier n’avance pas », a-t-il ajouté.

De son côté, l’écrivain marseillais Jean Kéhayan, auteur de « Rue du Prolétaire Rouge », a dit « être monté à Paris pour se faire entendre ». Il a regretté que « les gens qui organisent Marseille 2013 soient en majorité des Parisiens ».

« Je crains que Marseille soit une colonie africaine par rapport à Paris qui impose des choix, des budgets », a-t-il poursuivi.

« Le gros problème est que l’on a peur que la population marseillaise ne soit pas associée à cet événement et qu’il n’y ait pas de retombées dans la durée », a ajouté l’écrivain. « On se bat pour que Marseille 2013 soit une réussite mais une réussite avec les Marseillais !.

Les organisateurs de Marseille Provence capitale européenne de la culture, ont dévoilé le 24 février les premiers éléments du programme, centré sur le thème de la Méditerranée, tentant aussi d’apaiser les craintes exprimées tant sur les possibles retards, le respect des engagements pris ou encore l’éventuel caractère « parisien » de la manifestation.

Dans un communiqué, l’association organisatrice de Marseille-Provence 2013 a affirmé avoir « appris l’action spectaculaire engagée par des écrivains et un photographe (…) contestant les conditions de préparation » de l’événement.

L’association rappelle que la présentation du 24 février a permis de présenter « l’organisation générale de l’année Capitale et des exemples de projets en construction ».

« Les auteurs de ces projets sont très majoritairement marseillais et provençaux », fait remarquer l’association.

Source : AFP

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FRANCE : LE MONDE QUI SE FAIT SE FAIT AILLEURS !

"OPHELIA" materials : taxidermy lion, ceramic, glass. In collection : National museum, Oslo.Idiots.Nl, 2005.

L’enquête montrant que la France fait partie des pays dont la population est la plus pessimiste sur l’avenir, loin derrière les pays européens, les pays en développement et même des pays en guerre doit avoir une réponse politique et non pas simplement une forme d’étonnement médiatique : tiens ! Ça alors, ah ! Ces français jamais contents, etc….

C’est en fait le signe que les français sont parfaitement conscients que le pays s’enfonce dans un appauvrissement général et que demain sera pire qu’aujourd’hui. Leur piètre opinion des politiques montre qu’ils n’attendent rien de ce côté-là et qu’ils ne voient rien d’autre à faire qu’à se protéger bec et ongles et pas à pas sur le chemin de cette descente. Les manifestations sur la retraite en sont une éclatante illustration. Chacun sait bien que avec l’allongement de la durée de la vie et celle des études, on ne peut pas conserver en l’état un système qui a été crée quand il y avait deux ou trois fois plus d’actifs que de retraités, mais chacun se dit et dit : « encore une minute Monsieur le bourreau ! », Ou bien, « Mais la France est riche ! Il faut prendre l’argent là où il est ! »

Pour se convaincre que la politique de l’autruche n’est plus possible, il suffit de regarder la carte que vient de sortir Eurostat sur le PIB des régions françaises par rapport à celles de l’Europe. Sur 25 régions, seules trois, l’Ile de France, Rhône Alpes et Provence Côte d’Azur ont un P.I.B. par habitant supérieur à la moyenne des Régions européennes à 27 ! Quand on sait en plus que l’élargissement de l’Union a eu pour effet de baisser de 10% le P.I.B. moyen, on mesure, en se souvenant de la place de la France dans l’Europe des 15, la vitesse et l’ampleur de la descente.

Bref, la France est en train de rater la nouvelle révolution économique, comme la Chine ou l’Espagne au 19° siècle avaient raté la première, et l’Angleterre la deuxième au lendemain de la seconde guerre mondiale.

Quand on regarde pourquoi certains pays ont réussi ces mutations et pourquoi d’autres ont échoué, on s’aperçoit, sans être un marxiste forcené, que tous ceux qui ont échoué, ont eu en commun que leurs structures sociales, crispées sur leurs « positions », ont bloqué le développement des forces productives nouvelles.

Au contraire les pays qui ont su adapter leurs rapports sociaux pour laisser s’exprimer les nouvelles forces productives se développent rapidement, soit parce qu’ils ne sont pas bridés par des groupes sociaux qui n’existaient pas (ah ! Ah ! En Asie !), soit parce qu’ils ont su en Europe du Nord ou en Allemagne évoluer avec les nouvelles donnes.

Et on peut lire ce qui se passe en ce moment dans les pays arabes comme le seul moyen qui reste aux jeunes et aux nouvelles couches modernistes pour réformer, y compris par la Révolution, des rapports sociaux qui empêchent ces pays de s’adapter aux nouveaux modes de productions qui permettraient de les développer.

Est-ce trop tard pour la France ? Montrera-elle une nouvelle fois que ses rapports sociaux trop rigides ne lui permettent de se développer que par la Révolution ? Pas forcement, quoique chaque année qui passe nous rapproche du point de non retour de l’exclusion et rendra l’exercice plus difficile.

Il nous faut faire à nouveau une véritable « nuit du 4 août » de toutes les situations acquises des plus petits jusqu’aux plus riches et adopter ce qui marche ailleurs, ou dire, comme les dockers de Marseille : « si notre métier est mort, que tout le monde meurt avec nous ! ».

Attention aux démagogues et aux populistes : Voici venu à nouveau le temps nécessaire du courage politique. Qui osera prendre le flambeau la gauche ou la droite ?

Pierre Lehalle*

 

*Pierre Lehalle, ingénieur ETP et MBA de l’IAE,  a dirigé plusieurs entreprises dans le domaine du Logement. Il a participé aux Bureaux des Clubs Convaincre et Convictions.

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Une mission sur l’aspect culturel du Grand Paris

Nicolas Sarkozy a confié au conseiller d’Etat Daniel Janicot une mission destinée à faire des propositions sur la dimension culturelle du Grand Paris, a-t-on appris le 4 février auprès de l’Elysée.

En plus de ses ambitions en matière économique ou de transports, le chef de l’Etat souhaite faire du Grand Paris « l’une des plus importantes métropoles culturelles du monde, avec une identité forte et une visibilité incontournable sur la scène européenne et internationale, de nature à renforcer son intérêt touristique et l’influence de notre pays dans le monde ».

Dans ce cadre, M. Janicot doit faire des propositions « destinées à corriger les déséquilibres et les disparités territoriales existant entre le coeur historique de Paris et ses quartiers périphériques » en insistant sur « la culture dans les banlieues », a indiqué la présidence dans un communiqué.
Il doit également examiner « la complémentarité des institutions, des équipements et des événements culturels » et identifier « de nouvelles sources de financement pour la culture à l’échelle du Grand Paris ».

M. Janicot, qui doit rendre ses conclusions en septembre 2011, préside l’agence pour la vallée de la Seine chargée de conduire les projets d’aménagement culturel de l’île Séguin à Boulogne-Billancourt, l’ancienne usine historique du constructeur automobile Renault.

Source : La gazette des communes

P.S.: un grand merci à Evelyne Lehalle (Nouveau Tourisme Culturel), rien ne lui échappe !

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Hôtel de la Marine : un dossier symptomatique

Le dossier de location de l’Hôtel de la Marine, place de la Concorde à Paris, via un bail de longue durée, qui a tant défrayé la chronique ces derniers mois (dossier contre enquête culture du Monde du 19 janvier 2011 notamment sous le titre «privatisation du patrimoine : l’Etat a-t-il franchi la ligne jaune ? », précédé d’un appel d’un collectif d’écrivains au président de la République le 11 janvier 2011 toujours dans ce même journal) est tout à fait symptomatique du manichéisme du secteur culturel opposant la vertu du « public » à l’argent « malsain » du « privé ».

Resituons et élargissons le débat. D’abord, il ne s’agit pas de vendre ce bien au privé mais de le mettre à bail. L’idée qu’il faut désormais admettre est que l’Etat, mais aussi les collectivités locales propriétaires, n’ont plus les moyens de restaurer et encore moins de mettre en valeur des biens innombrables, classés et certes de qualité. Alors plutôt que de les voir se dégrader, il vaut mieux leur trouver un affectataire privé qui leur trouve une utilité économique en rapport avec la culture et les industries culturelles et qui permette l’ouverture au public. Il ne suffit pas de prendre des postures intellectuelles s’élevant contre « l’utilisation mercantile des biens de l’Etat » (Max Gallo dans le Figaro du 7 janvier 2011 ») comme si le privé était forcément peu scrupuleux, terme utilisé d’ailleurs par la DRAC dans un autre dossier similaire en Alsace, la dévolution des écuries du Palais du Rhin à Strasbourg, où sans donner aucune solution, la DRAC Alsace s’élevait contre des « spéculateurs peu scrupuleux » (le Journal des Arts  édition du 5 au 8 novembre 2010).

De deux choses l’une, soit l’Etat et les Collectivités Locales, dont on sent bien que la conjoncture budgétaire les oriente vers des arbitrages de plus en plus portés sur le social, l’économie et l’éducation, dégagent plus de ressources pour la culture et le patrimoine (budget déjà sanctuarisé depuis de nombreuses années), et on sent bien que ce n’est pas la tendance partagée par nos décideurs et l’électeur de base, soit ils consentent « comme un moindre mal » à affecter ces biens au privé, en encadrant les opérateurs par des cahiers des charges (oui cela existe !) pour respecter leur utilisation culturelle. Ainsi doit-on rappeler que sans le privé, en l’occurrence le groupe Nestlé qui y a installé son siège, l’usine de Noisiel anciennement Meunier, magnifique monument du 19ème siècle, n’aurait pas été sauvée (on peut d’ailleurs la visiter une fois par an aux journées du patrimoine) ; de même que les élus lyonnais pragmatiques viennent de confier l’Hôtel Dieu – via un Partenariat Public Privé –  au groupe Eiffage, qui a proposé un projet coûteux (150 M euros) tout à fait respectueux de l’esprit des lieux (outre un hôtel et un centre d’affaires on y trouve un musée) sans soulever trop de polémiques.

Dans la même série et suite aux nombreux rapports publiés en 2010 sur le sujet du transfert des monuments historiques (rapport d’information du Sénat du 30 juin 2010 de Mme Françoise Férat suite aux tentatives malheureuses de relancer le transfert des Monuments Historiques via un « cavalier budgétaire » – article 52 de la loi de finances 2010 – déclaré inconstitutionnel non sur le fonds mais sur la forme, rapport sur la valorisation culturelle du patrimoine culturel confié par le président de la République à M. Albéric de Montgolfier président du conseil général d’Eure et Loir ), on se rend compte que l’Etat est désormais conscient qu’un transfert à une Collectivité Locale au plus près du terrain (donc du visiteur) ou au privé (pour plus d’efficacité de gestion) est désormais nécessaire,  tout en encadrant cette procédure.

Rappelons en effet que le transfert rendu possible suite au rapport Rémond et codifié par l’article 97 de la loi n°2004 -809 du 13 août 2004 relative aux libertés et responsabilités locales, a été un succès avec 65 monuments transférés, dont certains emblématiques, le château du Haut Koenigsbourg au Conseil Général du Bas Rhin ou le château de Chaumont à la région Centre, dont les résultats de fréquentation actuels sont sans commune mesure avec ceux obtenus sous la gestion de l’Etat – Centre des Monuments Nationaux (530 000 visiteurs en 2009 contre autour de 500 000 auparavant pour le monument alsacien et + 40 % à Chaumont entre 2009 et les années précédentes). Le rapport d’information du Sénat cité plus haut reconnait d’ailleurs page 51 que « l’Etat n’a pas nécessairement les moyens d’entretenir tous le patrimoine national et il parait légitime qu’il cherche de nouvelles ressources pour en assurer la protection et l’entretien, avant que celui-ci ne se dégrade de façon irréversible ». Le mouvement de transfert est donc inéluctable  – la proposition n° 1  du rapport est de « réactiver le principe de « transferabilité » des monuments historiques appartenant à l’Etat (de tous les ministères y compris ceux du ministère des affaires étrangères à l’Etranger) – mais « il n’est acceptable que s’il se fait dans des conditions respectueuses du patrimoine, de sa vocation culturelle, et de l’éventuelle mission de service public qui s’attache aux monuments » (en gras dans le rapport).

D’où la proposition de loi enregistrée à la présidence du Sénat le 19 janvier 2011 par les mêmes sénateurs à l’origine du rapport d’information, notamment Mme Férat et M. Legendre, visant à introduire un « Haut Conseil du Patrimoine » placé auprès du ministre de la culture qui établit la liste des monuments transférables et qui « se prononce sur le caractère transférable des monuments qu’il a décidé d’analyser ou dont l’examen lui est soumis par le ministre, et avant toute cession par l’Etat d’un de ses monuments historiques inscrits ou classés ». Et pour éviter une nouvelle affaire « hôtel de la Marine, « les membres du haut conseil du patrimoine sont informés de tout projet de bail emphytéotique administratif d’une durée supérieure ou égale à 30 ans qui concerne l’un de ces monuments inscrits ou classés ». Elle devrait être examinée en séance publique le 26 janvier 2011 avec de bonnes chances d’être adoptée puis d’être transmise à l’Assemblée Nationale qui pourrait faire de même.

Ces rapports – à part le rapport de Montgolfier dont la proposition 23 est de confier à titre expérimental la gestion de certains monuments du Centre des Monuments Nationaux au secteur privé dans le cadre d’une gestion déléguée ou d’un Partenariat Public Privé – sont néanmoins assez peu loquaces sur la délégation de service public des monuments au privé ou les partenariats publics privés. Pourtant ces formules alternatives développées par des sociétés comme Culture Espaces – groupe Lyonnaise des Eaux -, Kleber Rossillon ou Vinci sont utilisées depuis des années et se développent ; considérer leur travail comme non respectueux de la vocation culturelle des lieux est proprement indigne (ce que fait le rapport d’information du Sénat page 52 en citant l’intervention d’un autre intellectuel, l’historien de l’art Adrien Goetz, se livrant à une charge injuste contre l’exploitation culturelle de Culture Espaces à la Maison Carrée de Nîmes sans jamais citer les bons résultats de fréquentation du monument et le niveau accru de satisfaction du public depuis cette décision d’externalisation de son patrimoine par la ville de Nîmes). Or ces formules ne sont pas utilisées qu’à Nîmes ; ainsi la ville de Paris vient de décider de concéder le musée de Montmartre à un privé qui le rénoverait à ses frais en se rémunérant sur l’exploitation ; de même Culture Espaces – encore lui – vient à Aix en Provence de se voir confier l’hôtel de Caumont – cette fois-ci via une vente –  pour y organiser des expositions avec là aussi des polémiques et des procès d’intention systématiques vis-à-vis du privé (article de Beaux Arts décembre 2010).

Sans compter la polémique sur l’étude et le début de mise en œuvre d’hôtels de luxe dans des monuments du Centre des Monuments Nationaux sur le modèle des « paradores » espagnols (étude Atout France / Centre des Monuments Nationaux), que ce soit à Carcassonne, Versailles ou Chambord alors que les surfaces utilisées au sein de ces monuments gigantesques sont toujours des dépendances (donc des patrimoines secondaires) et qu’elles génèrent des ressources de loyer qui permettront de mieux entretenir et mettre en valeur les dits monuments.

Alors de grâce, ne faisons pas de procès d’intention au privé comme sur le dossier de l’hôtel de la Marine où sans savoir des intellectuels français (Régis Debray, Alain Decaux, Jean-Noël Jeanneney, Jacques le Goff, Pierre Nora, Mona Ozouf et Michel Winock) parlent du projet Allard soutenu par l’ancien ministre de la culture Renaud Donnedieu de Vabres comme d’un « barnum commercial assorti de suites de luxe ». Devant un climat si délétère, alors que d’autres projets eux aussi intéressants circulent  – comme la Cité de la Gastronomie qui ne pourrait trouver plus bel endroit à Paris, avec une vocation éminemment culturelle depuis que la gastronomie française est classée au patrimoine mondial de l’Unesco -,  le président de la République a eu raison d’annoncer, lors de ses vœux au monde de la culture, la création d’une commission ad hoc pour examiner la vocation culturelle de ces projets et leur respect du lieu. Mais cet épisode en dit long sur notre culture de service public et sur le bien que l’on pense du privé dans le secteur culturel !

Jean-Michel Puydebat

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Jean-Michel Puydebat est directeur de PV2D, consultant spécialisé dans l’exploitation des musées et du patrimoine

 

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Organiser un Forum ouvert et préparer une concertation nationale sur les enjeux culturels du développement durable

En préalable d’une grande concertation nationale organisée en novembre 2011 par Culture O Centre, Réseau Culture 21, l’Observatoire des politiques culturelles et la Plate-forme interrégionale sur la question de la contribution de la culture à un développement durable, une formation-action est proposée les 1er et 2 avril 2011 à Evry (France) pour préparer cette concertation.
L’ambition est d’impulser une dynamique coopérative et transversale en y associant, outre la sphère culturelle, la société civile, le monde de l’éducation, le secteur social, urbanistique, etc. Il s’agira de visualiser les étapes et les moyens nécessaires à la mise en œuvre d’un Forum Ouvert, décoder les enjeux, les risques et les opportunités d’un tel événement, mettre en relation des personnes, préparer les équipes et les territoires à l’organisation de ces forums, initier une réflexion collective élargie sur la question de la contribution de la culture à un développement durable.
La formation s’adresse aux équipes organisatrices de forums territorialisés, quelle que soit leur fonction ainsi qu’à tous les acteurs intéressés : élus, personnel des collectivités territoriales, salariés des entreprises du secteur culturel, de l’éducation, du secteur social, du développement durable, de l’urbanisme… 
Pré-inscription pour prise en charge formation continue (Uniformation) avant le 20 janvier 2011.

Coût par participant : 550 € (nombre de places limité)

Informations et bulletin d’inscription

> Contact Plate-forme Interrégionale – Stéphane Grosclaude : Tél. +33 6 73 73 84 53 – contact@pfi-culture.org

Source : Banlieues d’Europe

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European Capitals of Culture 2016 in Poland and Spain preselected

Poland and Spain, the two Member States hosting a European Capital of Culture in 2016, have issued their recommendations concerning preselected cities. The selection panel appointed to assess the cities in Poland recommended Gdańsk, Katowice, Lublin, Warszawa and Wroclaw. The selection panel appointed to assess the cities in Spain recommended Burgos,Córdoba, Donostia-San Sebastián, Las Palmas de Gran Canaria, Segovia and Zaragoza. Once these recommendations have been ratified by both Member States, the preselected cities will have to flesh out and complete their applications by the summer of 2011. Androulla Vassiliou, the European Commissioner for Education, Culture, Multilingualism and Youth, views the potential of the European Capital of Culture event as “in terms of urban regeneration, creativity and job creation, and its attractiveness at European level.” The European Capitals of Culture Programme is celebrating its 25th anniversary this year.

Source : ENCACT

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La grande braderie

Lorsqu’on se penche sur les types et les mécanismes des contrats de gestion déléguée et de partenariat public-privé qui ont été récemment initiés et qui sont en train de se préparer dans le domaine de la culture, on constate l’accentuation d’une tendance particulièrement préoccupante pour l’avenir, tendance que l’on peut qualifier de « grande braderie » de la mission de service public culturel.

De nombreuses villes, de droite comme de gauche, ont de plus en plus recours ces vingt dernières années à des contrats très précis pour certains équipements et certaines missions culturelles (DSP, PPP et BEA notamment), dont la mécanique est complexe mais dont la viabilité dépend surtout de principes jusqu’alors respectés et qui créaient les conditions d’un relatif bon équilibre qui n’hypothéquait pas l’avenir.

Force est de constater aujourd’hui et depuis peu que ces principes ont tendance à être négligés, d’une manière qui témoigne d’un profond désarroi du politique, désarroi aux conséquences particulièrement néfastes pour la soutenabilité d’une politique culturelle mais aussi pour la fiabilité et la complémentarité du partenariat entre le secteur public et le secteur privé.

Ces municipalités ou ses collectivités se tournent assez naturellement vers les acteurs du secteur privé pour l’animation, la gestion et l’exploitation (ou partie) de la mission culturelle de service public mais les grandes difficultés que celles-ci (et pas des moindres) rencontrent notamment avec la baisse de leurs recettes, les conduisent à utiliser ces contrats en dépit du bon sens c’est-à-dire en considérant, disons-le tout net, qu’ils permettent de transférer tout ou partie de leurs charges sur un opérateur privé, parfois à périmètre constant, en comptant sur sa capacité d’en optimiser la gestion et la performance.

Il est nécessaire de noter que :

  • pour faire face à la complexité de ces contrats, ces acteurs (à quelques rares exceptions près), ne sont que des groupements d’opportunité qui rassemblent plusieurs entreprises pour couvrir l’ensemble des métiers nécessaires à l’exécution de ces contrats ;
  • tous les métiers nécessaires à l’exécution de ces contrats ne sont pas « industrialisables » et il peut s’agir de savoir-faire sur-mesure, qui ne permettent pas systématiquement d’envisager des rentabilités importantes et les conditions de rémunération doivent être créés par l’intégration de services souvent qualifiés de « recettes annexes » qui sont souvent mal appréhendées au sein des contrats ;
  • les obligations respectives entre la puissance publique et l’opérateur privé sont fixées au contrat mais n’exonèrent en rien la collectivité de la responsabilité du service public et dans certains projets de contrats, on voit clairement que les périmètres sont mal définis, avec tous les risques que cela comporte et notamment la requalification ;
  • le renouvellement ou la reconduction de ces contrats sont, contrairement à ce qu’on peut imaginer, très rarement l’occasion de les mettre à jour ou de les améliorer, ils sont reproduits parfois à la virgule près alors que leur économie et leur écosystème ont tellement évolué qu’ils deviennent peu à peu intenables ;
  • la puissance publique (Etat et collectivités), tout comme les acteurs culturels en réalité, sont relativement mal outillés dans le domaine culturel pour construire des contrats performants où de nombreuses ambigüités et contradictions demeurent vis-à-vis du financement privé et des sources de financements complémentaires ;
  • si l’approche traditionnelle de la gestion de la culture issue du modèle malrucien a tout de même connu de nombreuses évolutions positives pour la mission de service public, il apparaît encore aujourd’hui que la manière dont les politiques culturelles sont conduites ne permettent pas le rapprochement et la collaboration de la culture avec ses secteurs afférents, ce qui retreint fortement le champ des possibles pour optimiser les mécanismes économiques de ces contrats ;
  • des pans de plus en plus nombreux des politiques culturelles des collectivités sont concernés par ce type de contrats, dans un contexte où la redistribution des cartes politiques et budgétaires ne crée pas les conditions d’une évolution maîtrisée.

« La grande braderie » prend forme dès lors que la collectivité se rendant compte qu’elle n’a plus les moyens de ses ambitions ne met aucun euro sur la table, demande à l’opérateur privé de prendre en charge à ses risques et périls l’exécution de la mission de service public et de surcroît, si celui-ci parvient à atteindre et dépasser le seuil de rentabilité (le fameux point d’équilibre), il doit reverser un pourcentage plus ou moins important de ce qui constitue sa marge brute à la collectivité. Il peut aussi arriver qu’à cela s’ajoute le souhait de la collectivité que l’opérateur privé réalise des investissements qu’il doit amortir en général sur une durée record et qu’il doit remettre à la collectivité en parfait état à la fin du contrat.

Disons-le clairement, il y a danger pour les acteurs culturels (et en particulier pour les acteurs culturels locaux) car qui peut croire un seul instant qu’ils sont en capacité de maîtriser à ce point de tels risques ? Pour beaucoup d’entre eux la mutation du partenariat avec le public et avec le privé n’a pas été engagée, ils sont donc particulièrement vulnérables et ils le seront encore plus si les politiques abandonnent la partie.

Ils peuvent essayer de s’associer avec d’autres partenaires privés mais si ce sont des opérateurs économiques ou des prestataires de services, ceux-ci ne manqueront pas de « préempter » les parties les plus rentables du contrat et la prise de responsabilité (voire de contrôle) dans la gouvernance qui va avec.

Dans ces conditions, il est urgent que cette grande braderie cesse, que l’Etat et les collectivités optimisent leurs cahiers charges et la mécanique de ces contrats, qu’elles instaurent un dialogue qui ne soit pas que compétitif mais aussi coopératif dans la recherche des meilleurs équilibres possibles entre l’efficacité de la mission de service public, son impact social, économique et résiduel, et le respect de ses principes fondamentaux.

Philippe Gimet

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Pour une république culturelle décentralisée, l’engagement solidaire des collectivités territoriales

Pour préparer la rencontre des associations d’élus du 16 juillet dernier à Avignon, Vincent Rouillon a recueilli pour la FNCC le point de vue de 26 acteurs culturels sur la « la place de l’art et de la culture dans la construction de notre civilisation ». Il convient de signaler que le document mis en ligne le 4 août dernier propose également une synthèse intéressante des ces entretiens signée Vincent Rouillon, synthèse qui cherche et pose, au-delà des inquiétudes concernant la politique culturelle et la socio-économie du secteur, les bases d’une meilleure reconnaissance et compréhension des enjeux culturels de société et de civilisation, de la place et du rôle que la culture y tient mais fait également état de la confusion de fond qui pèse toujours aujourd’hui entre politique artistique et politique culturelle notamment.

Pour consulter le document, cliquez ici ou vous pouvez également le télécharger dans notre box Ressources.

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Pour une politique culturelle plus forte en Europe

Le 9 juillet 2010, s’est tenu à Avignon le rassemblement « Quelles politiques culturelles pour les régions européennes d’aujourd’hui ? » auquel ont participé, entre autres, Jacques Delors ancien président de la Commission européenne, Mercedes Bresso, présidente du Comité des Régions ainsi que des élus régionaux et locaux.

Les participants ont signé la déclaration d’Avignon appelant l’Union européenne à mener une politique forte en matière culturelle.

Cette déclaration demande que soient réaffirmées dans le cadre de la prochaine stratégie de l’Union européenne pour 2020 :

  • une vision de l’Europe conciliant développement économique, développement social et développement humain, soulignant ainsi notre responsabilité universelle ;
  • une politique communautaire considérant les territoires comme des acteurs essentiels du projet européen, où se mettent en œuvre tous les aspects politiques (démocratiques, économiques et sociaux) et se conçoivent des gouvernances permettant d’associer tous les acteurs du changement ;
  • une vision de la culture, certes constitutive d’identités, mais principalement destinée à l’élaboration d’un « vivre ensemble » ouvert au monde et à ses transformations ;
  • la place de la création artistique dans une politique culturelle européenne, comme moyen privilégié de réconcilier goût du futur, attachement au patrimoine et ouverture aux autres.

Source : MEPLF

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A propos des « Creative cities » / 1

 

©Sookie

Depuis quelques années, on voit fleurir en France les termes de « Ville créative », de « Métropole créative » ou de « Région créative », où la culture joue un rôle tout particulier pour ces territoires. Ces termes (issus du terme anglais « creatvie cities ») trouvent leur source dans de nombreuses formes et théories, notamment celles de la gouvernance économique des territoires. Elles ont été remises au goût du jour par les livres de Richard Florida, ouvrages qui ont remporté un succès considérable auprès des écoles de sciences économiques et de sociologie, ouvrages qui ont aussi eu trop tendance à éclipser toutes les autres contributions du fait d’une « mode Florida ».

Mais en réalité de quoi parle-t-on ? A chaque fois qu’une étude (souvent anglo-saxonne) met en évidence que l’impact économique direct et indirect de la culture sur un territoire est très positif, elle est immédiatement reprise par nombre de politiques ou des acteurs territoriaux dans des discours ou des projets plus ou moins heureux alors qu’au même moment on trouve des contre-arguments qui font plus que pondérer la question.

Le problème restera entier en France tant qu’on n’établira pas des critères d’évaluation pertinents et tant qu’on considérera la culture comme une politique sectorielle. Sur ces deux questions, il y a une grande effervescence intellectuelle et des mouvements de fond qui sont désormais bien engagés, avec de nombreux exemples d’expériences et d’initiatives qui pourraient bien, dans un contexte de RGPP et de réforme des collectivités territoriales, faire hésiter plus d’un politique pour investir ou investir à nouveau dans la culture et la créativité alors qu’elles sont des clés de leur avenir.

Du champ de l’analyse au champ du marketing territorial, il n’y a qu’un pas lorsqu’on se situe dans une concurrence de plus en plus forte et qu’il faut trouver des concepts, des stratégies, des expérimentations qui permettent de se distinguer du lot. Or, comme pour la culture, personne n’est véritablement d’accord sur la définition à donner aux « Villes créatives », c’est en fonction de la spécificité du territoire, de ses objectifs et de sa prospective qu’on voit des initiatives se prendre et des stratégies se mettre en œuvre, initiatives et stratégies qui ont un impact majeur sur le rayonnement et l’attractivité de ces villes.

On trouve donc autant d’appropriations du terme que de situations locales et il nous est apparu utile de mettre en évidence les typologies et les enjeux d’abord sur le plan technique et affectif, pour ensuite décrire les pratiques du genre en France et ailleurs lors de prochains articles.

Quelques aspects « techniques »

Eléments de définition

Le terme « creative cities » vient de la sédimentation de plusieurs thèses depuis les années 60 qui traitent de la créativité en milieu urbain (de Jane Jacobs à Richard Florida en passant par Pier Luigi Sacco, pour résumer). Au départ il s’agissait de définir un modèle de planification urbaine centré sur la créativité et l’innovation. Depuis, l’approche s’est diversifiée et fortement élargie pour prendre des formes très différentes et donner lieu à une impressionnante palette de possibilités pour la gourvernance, la dynamique et l’attractivité territoriales.

Les « creative cities » sont multiples dans leurs formes et leurs organisations mais elles se distinguent toutes par une place centrale accordée à la culture, à la créativité ou à l’innovation, susceptibles de stimuler, contribuer et/ou piloter au développement de plusieurs secteurs d’activité (tourisme, recherche et enseignement, événementiel, développement économique, action sociale, etc.).

Les formes les plus connues sont de trois types :

  1. les « creatives cities » qui visent d’abord des enjeux économiques et des retombées par la culture ou la créativité, on parle les districts territoriaux (ou clusters, ou grappes) : terme désignant l’organisation d’une filière d’activité sur un territoire donné, filière qui doit « conduire » une part importante de la dynamique économique et de l’attractivité du territoire. Historiquement, ces districts étaient plutôt industriels (le textile et la chaussure en Italie, l’horlogerie dans la vallée de l’Arve, etc.), on parle aussi pour certains de Systèmes Productifs Locaux (SPL), puis sous l’effet conjoint de la révolution des industries culturelles (massification des moyens de création, production et diffusion) et de la mutation de l’économie vers le tertiaire, ils ont fortement pris d’assaut les domaines des industries dites « créatives », de l’innovation et des nouvelles technologies. Par exemple à Montréal, il existe une grappe des acteurs du numérique et des nouvelles technologies. L’exemple le plus connu étant bien entendu la Silicon Valley en Californie. En France aujourd’hui, on fait aussi l’amalgame avec les pôles de compétitivité, pour de bonnes et de mauvaises raisons d’ailleurs. Mais dans tous les cas, cette catégorie s’appuie sur des stratégies d’investissements relativement importants au niveau des équipements et des infrastructures.
  2. les « creative cities » qui ont une visée plus large, une politique d’amélioration de la qualité de vie, de l’image et/ou du rayonnement territorial  :  elles se fondent d’abord sur des stratégies qui visent à faire converger plusieurs secteurs vers des principes d’actions horizontaux (transversalité). Elles s’appuient fortement sur les logiques de marques ou de labels (au sens du marketing territorial). Elles sont en général assez prospectives (misent sur un plein impact à moyen terme) et sont très entraînantes pour les acteurs du territoire. Ces villes sont de plus en plus nombreuses et il faut bien reconnaître que chaque ville est son propre modèle, modèle qui relève d’une étude approfondie et stratégique de leurs forces, de leurs atouts, de leurs perspectives leur permettant de se différencier fortement. En général ces villes misent sur un ou deux fer(s) de lance pour fédérer le maximum d’acteurs et d’énergies et bénéficier des meilleures retombées possibles. Cela peut être notamment un événement, voire un très grand événement (jeux olympiques, un grand festival, etc.), qui amène des investissements en infrastructures et en services et leur permettent de se projeter dans l’avenir (Londres, Barcelone, Copenhague, Berlin, Venise, etc.), mais dans tous les cas, c’est la recherche d’une singularité et d’une pertinence (parfois d’une avant-garde) ou la culture et les arts peuvent jouer un rôle structurant pour une position de leadership. De nombreuses villes dans le monde rentrent dans cette catégorie, elles ont toutes un élément différenciant et surtout savent le mettre en avant.
  3. les « creatives cities » qui ont choisi de se constituer en réseau : il existe de nombreux réseaux de villes dans le monde qui possèdent en leur sein des « creatives cities » mais certains réseaux existent et sont totalement dédiés. Nous pensons notamment à l’Unesco qui a initié et parraine un projet de réseau de villes créatives, se focalisant sur l’excellence développée dans certaines villes dans un domaine artistique et/ou culturel spécifique (littérature, film, musique, arts traditionnels, design, arts médiatiques, gastronomie) et qui contribue à la qualité de vie, à l’économie locale et au développement social (en l’occurrence un réseau de 24 villes).

Il faut noter que les « creative cities » sont des concepts qui ont émergé et mûri en même temps que les « Global cities » ou les « Cities of opporunity » notamment et qui ensemble témoignent aujourd’hui de la grande concurrence que se mènent les territoires que ce soit au niveau de l’économie locale, de l’économie interrégionale et de l’économie mondiale. Chacune d’elle rivalise d’ingéniosité pour faire bonne figure au regard des indicateurs des grands palmarès internationaux, qui sont en soit des « notations » (comme dans le monde financier). Elles sont à la recherche des prix, des labels qui illustrent le mieux l’histoire, les valeurs, les spécificités et les principes qu’elles défendent et pour les plus aguerries, elles vont jusqu’à développer les logiques de type « agenda 21 de la culture » ou équivalent. Elles tentent d’être à la pointe de tout ce qui peut les valoriser et la culture et la créativité constituent des éléments de visibilité et de sens particulièrement avantageux.

Les « creative cities » utilisent donc la culture comme un élément structurant de l’aménagement de l’espace public et de la vie de l’espace public. Elles sont en train de muter. Les nouvelles formes que l’on voit apparaître sont encore expérimentales mais elles intègrent les concepts de « troisième lieu » ou de « living lab » par exemple.

Pour chacune d’elle, Il faut bien entendu trouver un modèle qui lui est propre. En France, il n’existe en effet que des territoires qui tentent de donner leur propre définition de la ville créative. Dans la plupart des cas, ce sont des métropoles ou des territoires en quête d’identité ou de renforcement de leur identité (Communautés d’agglomération ou intercommunalités plus ou moins récentes). Aussi construite leur vision peut parfois être, elle est en réalité assez peu structurée ou organisée, elle est fondée d’abord sur un discours et des objectifs fédérateurs que chacun s’approprie et auxquels chacun tente de contribuer le plus positivement possible. Le produit et les résultats sont alors récupérés et recyclés dans le discours initiateur et alimentent le capital attractif  du territoire.

Même si les coûts ne sont pas négligeables, il n’est pas nécessaire d’avoir la folie des grandeurs et d’endetter la collectivité sur 20 ans pour jouer dans cette catégorie ultra concurrentielle.  Tout est une affaire d’ambition et de terme (court, moyen, long) mais des choses simples sont possibles, le tout est préalablement de :

  1. bien connaître les atouts, les faiblesses et les perspectives de son territoire et des acteurs qui l’animent ;
  2. se doter d’une vision et définir une stratégie assortie d’un « schéma directeur » et/ou d’une feuille de route qui favorise une dynamique capable de fédérer et d’inciter des énergies à travailler ensemble.

 

Quelques aspects relavant du registre affectif

Il est également important de ne pas négliger les ressorts relevant de l’affectif sur lesquels ces villes tentent de s’appuyer. La perception que l’on a et les émotions que l’on ressent à vivre ou visiter une ville sont essentielles et contribuent très fortement à son aura.

  • Les « creative cities » portent une forte attention sur l’image, l’impression et la réaction qu’elles suscitent auprès des habitants et des touristes.
  • Elles misent beaucoup sur la première impression (les infrastructures d’accueil et de transport). C’est le cas de Liège, Bilbao, Singapour, Melbourne.
  • Elles misent beaucoup sur la triade « curiosité, exploration et découverte » (les circuits de visites possibles) où l’émerveillement est le maître-mot, comme c’est le cas notamment d’Istanbul, Bangkok, Séoul, Venise, Naples, Saint Petersbourg ou Stockholm.
  • Elles misent beaucoup sur un effet mémorable, frappant et puissant (les architectures, les événements, le patrimoine, etc.) comme Tokyo, Trinidad ou Rio.
  • Elles cherchent à créer des lieux où l’on peut se rencontrer, parler, échanger, interagir et jouer, elles veulent de l’interculturel.
  • Elles aiment à donner l’impression créative et imaginative qu’on peut tout y faire (qualité du cadre de vie, dynamique économique) et qu’il très facile de s’y plaire ou de s’y acclimater. Pour cela elles travaillent fortement les espaces publics : les espaces doivent devenir de lieux (des espaces incarnés) à l’échelle humaine, uniques et de qualité : the place to be, la ville où l’on peut tomber amoureux, etc.
  • Elle essaient de proposer l’environnement le plus positif possible au public, avec le moins de nuisances et le plus de sécurité possible, tout étant les plus « vibrantes » possibles.
  • Elles réfléchissent sur les temps, les usages, la mobilité, l’accessibilité et tout ce qui renforce leur pratique et leur convivialité.
  • Enfin, elles se focalisent sur les jeunes générations qui vont hériter un jour ou l’autre de ces espaces publics, de ce patrimoine, de ces infrastructures, etc.

Dans de nombreux cas aujourd’hui, elles font de ces caractéristiques des éléments de discours à l’attention du citoyen, de l’entrepreneur, de l’investisseur ou du touriste. Mais il est important de noter que :

  1. le discours et l’image ne suffisent pas (combien de labels se superposent de manière assez stérile aujourd’hui ?) ;
  2. si la question de la gouvernance se pose a priori ou a posteriori de la campagne de communication, du slogan, de la « marque » ou du projet électoral, elle est incontournable pour la soutenabilité et la durabilité de l’impact des actions pour le territoire et pour la capacité de ce dernier de capter et développer les conditions de son avenir.

 

Fin de la première partie.

Philippe Gimet.

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Synergie art et économie : la martingale de la créativité

Sixième chapitre de notre série de publications issues des rencontres débats passionnants qui ont eu lieu au sein du Grand Lyon dans le cadre du cycle de rencontres « Grand Lyon Vision Culture » et dont son concepteur Pierre-Alain Four* nous fait l’honneur et l’amitié de nous autoriser la diffusion. Le document se consacre à l’élargissement des définitions de l’art et de la culture à travers la notion de «créativité » qui permet une synergie entre art et économie qui bouleverse nos conceptions traditionnelles. Dans quelle mesure les artistes peuvent-ils contribuer à une société de la connaissance et à la vitalité de la vie urbaine ? Comment les repérer et les solliciter ? Comment les associer à des dispositifs de politiques publiques ?

Pour consulter le document en ligne, cliquez ici. Vous pouvez également le télécharger dans notre box « Ressources ».

Pour consulter le chapitres précédents : chapitre 1chapitre 2chapitre 3chapitre 4, chapitre 5

*Docteur en sciences politiques (IEP de Paris), Pierre-Alain Four, a été chercheur associé au Pacte-CNRS (IEP de Grenoble) et est membre fondateur de l’Association pour la promotion et l’organisation de la recherche en sciences sociales (Aporss), puis de FRV100. Il a notamment travaillé sur les Fonds régionaux d’art contemporain (Frac), la vie intellectuelle en province et d’une manière générale sur de nombreuses questions culturelles et artistiques. Il a notamment analysé les relations entre artistes et amateurs, et la place des artistes insérés dans des dispositifs de politique publique éloignés de leur champ professionnel d’origine (politique de la ville par exemple). Il a aussi été chargé de cours à l’Université de Montpellier III, à l’école des Beaux-Arts de La Réunion, à l’université Lyon2, etc. Il est actuellement veilleur culture pour la DPSA où entre autre missions, il anime et conçoit le cycle Grand Lyon Vision Culture.

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Les chemins variés de l’émergence culturelle

Troisième chapitre de notre série de publications issues des rencontres débats passionnants qui ont eu lieu au sein du Grand Lyon dans le cadre du cycle de rencontres « Grand Lyon Vision Culture » et dont son concepteur Pierre-Alain Four* nous fait l’honneur et l’amitié de nous autoriser la diffusion. Cette fois-ci, il s’agit de la question ô combien complexe de l’émergence culturelle.

Le champ culturel est en perpétuel mouvement et a fait de l’émergence un de ses traits d’identité les plus caractéristiques. Mais plusieurs facteurs contribuent à rendre le repérage de l’émergence plus complexe qu’autrefois : les frontières du domaine culturel s’élargissent, le public change de place, les nouvelles technologies modifient le rapport à l’œuvre, alors que les disciplines identifiées continuent à se renouveler et à pratiquer l’émergence…

Aussi, la question de la nature du regard à porter devient-elle centrale, puisqu’il faut embrasser un panorama très large couvrant différentes pratiques qui ne sont pas encore admises dans le champ artistique, mais qui ne peuvent en être exclues, toutes sortes de technologies, toutes sortes d’attitudes…

Cette séance dédiée aux « Chemins variés de l’émergence culturelle : nouvelles disciplines, nouvelles pratiques », se propose de faire le point sur les jeunes pousses identifiées ou en passe de l’être, manière d’insister sur la nécessité d’en faire un repérage plus systématisé et mieux capitalisé.

Pour consulter le rapport en ligne, cliquez ici. Vous pouvez également le télécharger dans notre box « Ressources ».

Pour consulter le chapitres précédents : chapitre 1, chapitre 2.

*Docteur en sciences politiques (IEP de Paris), Pierre-Alain Four, a été chercheur associé au Pacte-CNRS (IEP de Grenoble) et est membre fondateur de l’Association pour la promotion et l’organisation de la recherche en sciences sociales (Aporss), puis de FRV100. Il a notamment travaillé sur les Fonds régionaux d’art contemporain (Frac), la vie intellectuelle en province et d’une manière générale sur de nombreuses questions culturelles et artistiques. Il a notamment analysé les relations entre artistes et amateurs, et la place des artistes insérés dans des dispositifs de politique publique éloignés de leur champ professionnel d’origine (politique de la ville par exemple). Il a aussi été chargé de cours à l’Université de Montpellier III, à l’école des Beaux-Arts de La Réunion, à l’université Lyon2, etc. Il est actuellement veilleur culture pour la DPSA où entre autre missions, il anime et conçoit le cycle Grand Lyon Vision Culture.

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Le champ culturel est-il un univers en expansion ?

Nous inaugurons ce mois-ci une série de publications tout à fait passionnantes issues des rencontres débats qui ont eu lieu au sein du Grand Lyon dans le cadre du cycle de rencontres « Grand Lyon Vision Culture » et dont son concepteur Pierre-Alain Four* nous fait l’honneur et l’amitié de nous autoriser la diffusion. Voici donc le rapport du 1er déjeuner-débat d’un cycle mis en place pour aider le Grand Lyon à aborder le champ culturel.

Alors que la politique culturelle initiée par l’État dans les années 60 a largement contribué à définir le champ culturel, le paysage s’est profondément modifié depuis une trentaine d’années. En effet avec la montée en puissance des collectivités locales, ce sont de nouvelles politiques culturelles qui sont apparues recouvrant un périmètre différent de celui défini par l’intervention centrale.
Parallèlement, les pratiques des individus se sont elles aussi beaucoup diversifiées. Quant aux productions artistiques, sous l’influence de divers facteurs (immigration, nouvelles technologies, refondation de disciplines, etc.), elles se sont elles aussi beaucoup transformées. Ainsi le champ culturel apparaît-il en dissémination et en refondation constantes. De ce fait, il est malaisé à cerner, alors même qu’il occupe une place croissante dans nos sociétés.
Comment une grande agglomération peut-elle dès lors se situer dans ce contexte ?

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*Docteur en sciences politiques (IEP de Paris), Pierre-Alain Four, a été chercheur associé au Pacte-CNRS (IEP de Grenoble) et est membre fondateur de l’Association pour la promotion et l’organisation de la recherche en sciences sociales (Aporss), puis de FRV100. Il a notamment travaillé sur les Fonds régionaux d’art contemporain (Frac), la vie intellectuelle en province et d’une manière générale sur de nombreuses questions culturelles et artistiques. Il a notamment analysé les relations entre artistes et amateurs, et la place des artistes insérés dans des dispositifs de politique publique éloignés de leur champ professionnel d’origine (politique de la ville par exemple). Il a aussi été chargé de cours à l’Université de Montpellier III, à l’école des Beaux-Arts de La Réunion, à l’université Lyon2, etc. Il est actuellement veilleur culture pour la DPSA où entre autre missions, il anime et conçoit le cycle Grand Lyon Vision Culture.

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